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El piano tiene 88 teclas para hablarte de sentimientos, estos artistas conocen su lenguaje, disfrútalos.
Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.
James Edward Rhodes nació en Londres el 6 de marzo de 1.975, en el seno de una familia judía de clase media. James sufrió abusos mientras estudiaba en un colegio privado para chicos en Londres por parte de su profesor de gimnasia, con el cual no pudo hacer justicia ya que falleció antes de llegar a juicio, este hecho le marcó tanto psicológica como mentalmente.
Cursó estudios básicos de piano en su niñez, y continuó a nivel más profesional a partir de los 13 años a cargo de Colin Stone. Durante esta época se presentó a un concurso de la BBC para jóvenes músicos, pero no pasó segunda ronda. Sin embargo, en 1993 recibió una beca para el Guildhall School of Music and Drama, que le permitió seguir con sus estudios de piano.
Su carrera musical despegó cuando tenía 28 años y en 2009 publicó su primer álbum, Razor Blades, Little Pills and Big Pianos. Un año después publicó su segundo disco y se convirtió en el primer concertista de piano clásico en firmar por el sello de rock de Warner Bros. Records. Es además, un popular blogger en el diario The Telegraph y colabora habitualmente en el blog musical de The Guardian.
El artista publicó sus memorias en 2015; Instrumental: Memorias de Música, Medicina y Locura. Tras una disputa legal contra su exmujer que pedía que el libro no viera la luz por contener episodios tan personales que plasmaba Rhodes en el libro y que podrían afectar al hijo que tienen en común. Las memorias narran además su odisea con la música y todos los problemas que ha enfrentado en su vida desde la niñez, nada más salir tuvo una gran acogida por los lectores y muy buenas críticas.
En 2016 publica su segundo libro Toca el piano: interpreta a Bach en seis semanas.
La música ha sido para él la medicina que le ha permitido sobrevivir, aunque en determinados momentos, como cuando su hijo alcanzó la edad a la que él comenzó a ser violado, "colapsa". Cuenta que "tocar el piano es bueno porque es capaz de arrastrar todo eso" y afirma que es "lo único" que tenía de pequeño y lo único que "nunca" le ha "decepcionado". "Cuando escuchaba a Bach o a Chopin me ayudaba a ver que si existían esas maravillas, el mundo no era tan malo, quedaba esperanza".
De hecho, su relato vital se construye en la obra 'Instrumental' a golpe de pieza musical, de Bach a Schubert, pasando por Ravel o Beethoven. "La música es el único lugar que no lo es y al que puedes ir y simplemente cerrar los ojos y escuchar (...) Es lo único que no debería cambiar todo lo demás, tiene que ser diferente", dice, en relación al protocolo que suele envolver la puesta en escena de la música clásica y que él siempre se ha saltado.
Para Rhodes, "todo el mundo es bienvenido" a la música clásica y por eso la interpreta en festivales y en horarios poco usuales, lo hace a oscuras, para que el auditorio se deje llevar en lugar de releer el libreto, y ofrece primero una introducción en la que explica quién y cómo era el maestro que compuso cada pieza porque quiere "que la gente vea a estos genios como seres humanos".
"Si voy a tocar una pieza de Bach no quiero que la gente piense que es un viejo que vivió hace 300 años, no es nada romántico. Es un hombre cuyo hermano murió cuando tenía 4 años, su madre cuando tenía 9, su padre cuando tenía 20, la mitad de todos los hijos que tuvo murieron y su mujer, el amor de su vida, falleció repentinamente. Si saben todo eso, entonces entenderán que es un hombre que arrastró su pena toda la vida (...) Eso es mucho más importante que decir que una pieza se hizo en re menor", ha destacado.
Juan Pérez Floristán es un pianista español nacido en Sevilla en 1993. Hijo de músicos, su padre es el director de orquesta Juan Luis Pérez García y su madre la pianista y profesora María Floristán, tomó las primeras lecciones en el ámbito familiar de la mano de su madre, posteriormente inició estudios reglados en el conservatorio de los Bermejales en Sevilla, trasladándose a Madrid para continuar su formación en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, realizando estudios de perfeccionamiento en la Hochschule für Musik "Hanns Eisler" de Berlín, ciudad donde residía en 2015. A lo largo de su formación musical ha recibido clases y consejos de grandes intérpretes, entre otros Ana Guijarro, Galina Eguiazarova, Daniel Barenboim, Elisabeth Leonskaja, Eldar Nebolsin y Javier Perianes. Realizó su primer recital en solitario a los 12 años en el conservatorio Francisco Guerrero de Sevilla, posteriormente ha actuado en numerosas ocasiones, destacando tres conciertos junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla en el Teatro de la Maestranza de Sevilla y el concierto celebrado en 2009 en el Teatro Monumental de Madrid, en el que interpretó el concierto para piano y orquesta nº 2 de Shostakovich, junto a la Orquesta Sinfónica de Radio Televisión Española.
Ha sido el ganador del concurso de piano de la ciudad de El Ejido, el Marisa Montiel de Linares y en 2015 del prestigioso concurso Paloma O'Shea celebrado en Santander, del que ha sido el segundo ganador español desde que se inició este certamen a principios de los años 70.
Pese a su juventud, Juan Pérez ha hecho ya mucha música de cámara y ha tocado con orquestas importantes (las Sinfónicas de Sevilla, Málaga, RTVE y Malmoe, entre las principales). "A la cuarta planta de la Escuela Reina Sofía, donde están las cabinas de estudio de los pianistas, la llamamos la planta de los autistas. Siempre solos. Los pianistas tenemos un repertorio inmenso, pero no desarrollamos la vida social de otros músicos. La forma de compartir es a través de la música de cámara. Me encanta. He hecho sobre todo tríos, pero también cuartetos, quintetos, dúos, y he tenido la inmensa suerte de acompañar a cantantes. El mundo del lied me apasiona y Schubert me llega al corazón como posiblemente ningún otro músico. Y cuando toco con orquesta trato de hacer como si fuera un concierto de cámara grande. Si uno va de divo, para que la orquesta simplemente te siga, se pierde esa relación, ese contacto con los otros músicos que te permite la cámara y que es vital para mí".
Su interés llega también a la música antigua. "Soy ante todo un músico curioso. Voy a tocar el clave en un 5º de Brandemburgo y me interesan mucho los pianos de época, aunque sólo he tocado uno una vez, no en público. Para mí fue un hallazgo descubrir a músicos como Harnoncourt o Gardiner: son gente que usa herramientas que están a nuestra disposición (tratados, manuscritos, correspondencia...), pero no por un afán de sonar a la antigua, sino para hacer comprensible la música, y para hacerla comprensible tienes que hacerla en el lenguaje en que fue compuesta y a eso te puedes acercar, mediante la ornamentación, la articulación, el fraseo... Hay obras que nos resultan difíciles de entender, y a lo mejor es que las estamos descifrando con un código equivocado. Mozart por ejemplo nos parece difícil, pero quizá es más fácil de lo que pensamos. A lo mejor es que estamos tratando de tocarlo de una forma que no es la suya. En Mozart ser fiel a la partitura es ser infiel a la obra, y en Beethoven, igual. A mí me gusta acercarme a lo que decía el propio Mozart: Tócalo como si lo hubieras compuesto tú. Que la música sea algo natural. El estilo no existe. No hay un estilo Mozart o un estilo Schumann. Cada obra es un mundo: si la partitura es insuficiente, tienes que ir a la tradición. En 1810 o 1820 no lo necesitaban porque estaban inmersos en ella, y lo que estaba escrito en la partitura les bastaba. Doscientos años después, con la partitura no es suficiente, tenemos que aprender la tradición, pero para hacer música de hoy. Cuando toco Beethoven, yo quiero hacer una versión de 2013, no de 1800". Se toma un respiro antes de concluir: "Como músico, ante todo soy curioso. Últimamente casi todo lo que escucho es rock progresivo de los años 70 y electrónica. Música buena y mala hay en todas partes".
Pianista y compositor cubano nacido en Mayari(Cuba) el 16 de marzo de 1944.
Comenzó a tocar el piano a los 4 años de edad al lado de su madre, Altagracia Tamayo, quien fuera su primera maestra, y la Directora de la Academia Musical "Orbón", donde cursó el nivel elemental.
Simultáneamente al conocimiento de Mozart, Beethoven, Chopin y otros grandes clásicos universales, Frank Fernández se nutrió de la riqueza artística de los clásicos cubanos como Sindo Garay, Pepe Sánchez, Manuel Corona, Miguel Matamoros y otros muchos, en las tertulias de la casa de Martín Meléndez, director de la Banda Municipal de Música. Esta comunicación con el arte musical, sin diferencias escolásticas de “culto y popular”, es la génesis del arte de Frank Fernández.
En 1959 se trasladó a la Habana, donde continuó la enseñanza de nivel medio en el conservatorio “Amadeo Roldán”, con la eminente profesora Margot Rojas, quien fuera a su vez alumna de Alexander Lambert, uno de los últimos discípulos de Frank Liszt. Este contacto con Margot le permitió recibir la influencia de la escuela pianística del siglo XIX, marcando la segunda experiencia más trascendente de su formación.
En 1966, obtuvo el Primer Premio del Primer Concurso de Piano de la UNEAC, por lo cual recibió una beca para perfeccionar sus conocimientos en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, donde finalizó su postgrado con Diploma de Oro, “Summa Cum Laude”, en la clase del gran pianista y pedagogo Víctor Merzhanov.
Al concluir sus estudios en Moscú, regresa a Cuba donde continúa su vida profesional como concertista, proyectándose también como compositor y orquestador, como pedagogo, productor discográfico, y gran promotor cultural (director de espectáculos y asesor artístico).
Como compositor presenta un catálogo de más de 200 obras: para corales, sinfónicas, conjuntos de cámara, solistas y ballet.
El Maestro Frank Fernández es el autor de más de 30 bandas sonoras para diferentes medios audiovisuales, entre las que se destacan: "La gran rebelión", "Cuando el agua regresa a la tierra", "Niños deudores", "Tierra brava", "Cuando pienso en el Ché", "Zapateo por derecho", "Canción sin palabras", "Como agua para chocolate" y la banda sonora del pabellón cubano para la Expo Sevilla 92, sólo por citar algunos ejemplos.
También fue el creador de 15 spots promocionales de pintores cubanos para la televisión que recibieron el premio “Caracol”, de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, en el año 1998.
Ha compuesto música para ballet, obras que han sido estrenadas en los Festivales Internacionales de Cuba, y algunas de ellas, como "Involución", han recibido premios en otros países.
Como orquestador ha desarrollado una intensa labor para diferentes eventos, solistas y agrupaciones, tanto nacionales como internacionales, contando con decenas de lauros, entre los que se destacan los cuatro grandes premios de orquestación en eventos como el "Adolfo Guzmán" y el "Benny More".
Su talento musical está implícito en más de un centenar de registros discográficos propios y de otros intérpretes cubanos e internacionales.
En su amplia discografía aparecen álbumes como “Danzas de Cervantes”, “Lecuona-Gershwin”, “La Gran Rebelión”, “Bach-Chopin”, “Beethoven-Schumann”, “Celina González con Frank Fernández y Adalberto Álvarez”, “Desde la música”, “Tierra Brava”, “Tchaikovsky-Gershwin”, “Schumann-Mozart-Liszt”, “Lecuona-Cervantes”, “Cubano y Universal”, “Hasta la Victoria Siempre”, “Todo Mozart”, “Amor y dolor”, y muchos otros.
También ha intervenido en otras grabaciones en las facetas de productor, intérprete y arreglista, como ejemplo de lo cual están los discos “Días y flores”, primer CD de Silvio Rodríguez; “A Bayamo en coche”, de Adalberto y la Orquesta Son 14; “Milagros”, con la cantante Anabell López, entre otros que conforman una amplia lista.
Tan meritorio trabajo en el campo de la discografía, le ha hecho merecedor de los más altos reconocimientos del evento Cubadisco, como el Gran Premio, el Premio a la Mejor Producción del Año, el Premio al Mejor Disco de Música Clásica en reiteradas ocasiones, así como el Premio de Honor.
Como pianista concertista ha recibido el reconocimiento internacional que lo ha llevado a giras de conciertos por más de 30 países de Europa, Asia y América Latina, y ha actuado como solista junto a más de 100 orquestas sinfónicas del mundo.
Algunos de los hechos artísticos relevantes de su carrera son:
En 1984 fue invitado para estrenar la Sala de Cámara del Schauspielhaus, en Berlín, abriendo el ciclo “Grandes Maestros del Piano”.
Fue escogido para interpretar el Concierto No. 1 de Tchaikovsky, en el Festival Primavera de Praga 1988, conmemorando el siglo del estreno de este famoso concierto, entre pianistas de talla mundial como Rudolf Serkin, Lazar Berman, Vladimir Azkenazy, Ivan Moravec y Liuba Timofeva, presentes en el evento.
En 1988 interpretó, por primera vez en Cuba, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional, el ciclo de los 5 conciertos de Beethoven, en dos noches consecutivas.
Fue el primer pianista cubano invitado a actuar en la Gran Sala del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú.
Fue el primer cubano que actuó con las Orquestas Filarmónicas de Varsovia, Cracovia, Bulgaria, Moscú, Rumanía, Osaka, Corea del Sur, VietNam, Bogotá y Sao Paulo.
Se presentó en el XVII Festival Internacional Cervantino de México, donde la crítica especializada lo señaló entre los cinco mejores pianistas del mundo.
En 1992, su presentación en Tokio fue seleccionada entre los 10 eventos musicales más importantes del año en Japón.
Ha protagonizado importantes conciertos, como la Gala por el 50 Aniversario de la "UNESCO" en París; la Gala del Global Panel, evento más importante de la economía mundial realizado en Holanda, y el concierto de clausura por el Centenario del Nacimiento de Ernesto Lecuona.
Ha inaugurado tres importantes salas de conciertos en Cuba: la sala "Dolores" en Santiago de Cuba, "La Basílica de San Francisco de Asís" y la sala de conciertos del "Memorial José Martí".
En 1999, el Instituto Superior de Arte le confirió el título de Doctor Honoris Causa en Arte, por su labor como profesor de varias generaciones de pianistas y por sus aportes a la pedagogía del piano.
Ha sido catalogado Artista Steinway, y ha recibido numerosos premios, distinciones y condecoraciones, entre ellos, la Orden Félix Varela de Primer Grado, la Distinción Por la Cultura Nacional, la Medalla Alejo Carpentier, la Medalla por la Educación, el Escudo de Bogotá, el Premio Praga de Oro y el Premio Rafael Alberti.
En el año 2005 obtuvo el Premio Nacional de Música por la enorme trascendencia de su obra y por toda una vida dedicada con pasión al arte.
El pianista y compositor Cyprien Katsaris nace el 5 de mayo de 1951 en Marsella, Francia.
Comienza su formación musical a la edad de 4 años con María-Gabrielle Louwerse en Camerún, donde pasa su infancia. Según le contaron sus padres, con 6 meses, ya intentaba cantar la música mexicana de La Raspa. Cuando tenía 3 años y medio, sus padres compraron un piano para su hermana, que era mayor que él; y desde entonces, según cuenta, se sintió atraído por este instrumento como si se tratara de magnetismo.
En una entrevista contó: "Si yo hubiera sido budista y si creyera en la reencarnación, diría que yo fui músico también en el pasado. No importa si fui un músico conocido o desconocido. Recuerdo cuando en el conservatorio de París se decía: "él tiene una técnica natural, las cosas le son muy fáciles". Desde el principio era una certidumbre el que yo sería pianista."
Cuando posteriormente su familia se instala en París, Katsaris continúa su formación en el Conservatorio nacional superior de música y danza de París en 1965. Estudia piano con Aline van Barentzen y Mónica Bruchollerie. Al siguiente año gana el primer premio de piano, en 1969 y consigue una habilitación como músico obteniendo también el primer nuevamente al año siguiente, en 1970. Adquiere a partir de esta fecha numerosas becas internacionales (como la Internacional Young Interpreters Rostrum-Unesco) y nuevos premios, como el primer Premio a la Ayuda Internacional. Además, ha sido el único pianista de Europa occidental laureado por Beca musical internacional Reine-Élisabeth-de-Belgique en el año 1972.
El talento de Katsaris ha sido destacado por famosos músicos, como Olivier Messiaen: «Tuve la oportunidad de escuchar a Cyprien Katsaris en su interpretación deslumbrante del Concierto para piano y orquesta nº3 de Rachmaninov. Su interpretación fue muy observada por todos mis sentidos». De ello Messiaen extrajo la siguiente conclusión: «posee una técnica de acero, llena de entusiasmo, con una fuerza y autoridad grandes y llena de brillo. Esto, por fin, hace de Cyprien Katsaris un maravilloso pianista, y tengo la más entera confianza en su futuro». En efecto, este pianista está avalado por su ténica por todos los más grandes directores e intérpretes (Eugene Ormandy, Leonard Bernstein, Nikolaus Harnoncourt, Simon Rattle, Christoph von Dohnányi, Charles Dutoit, Mstislav Rostropóvich, Kent Nagano, etc.) y grandes orquestas de todo el mundo.
Trabajador infatigable, se interesa por todas las obras y músicos en su haber pianístico. Interpreta obras pertenecientes un largo espectro temporal, que va desde Bach hasta Prokofiev, si bien la ejecución de obras posteriores a este último son menos frecuentes. También se puede resaltar su predilección para las transcripciones, pues grabó las correspondientes a las nueve sinfonías de Beethoven (transcritas por Franz Liszt), entre muchas de otras transcripciones de Johann Sebastian Bach o Wolfgang Amadeus Mozart.
Su técnica destaca por su virtuosidad (está considerado como uno de los mayores virtuosos del piano vivos), pero sobre todo, por su suavidad y su sensualidad. Otra característica de Cyprien Katsaris es su manera de destacar en las obras aspectos no destacados por la mayoría de los pianistas, y de ofrecer al público varias formas de tocar una misma obra, como hacía el mismo Frédéric Chopin. Como pianista también se desvía de las opiniones críticas, por lo cual se considera pianista independiente. Tampoco hay que olvidar las improvisaciones que espontáneamente realiza en los conciertos que interpreta.
Para terminar de trazar el retrato de Cyprien Katsaris, es necesario mencionar que posee un sello de grabación propio, denominado Piano 21. Este nuevo sello fue fundado por Cyprien el 1 de enero de 2000 y en él publica sus interpretaciones y composiciones.
Artur Schnabel nació el 17 de abril de 1882 en Lipník (actualmente en la República Checa).
Siendo todavía pequeño Schnabel ingresa en el conservatorio de Viena en donde se hace discípulo de Leschetitzky, hasta los 15 años, para pasar luego a Berlín hasta 1933. Dentro del ámbito alemán amplía su repertorio mediante música de cámara actuando junto a Flesch y Becker, como también con el español Pablo Casals, Emmanuel Feuermann, Pierre Fourniere, Paul Hindemith, Joseph Szigeti, William Primrose, siendo además acompañante de su esposa, la contralto Thérèse Behr (1876-1959). Tuvieron dos hijos, Karl Ulrich y Stefan. El primero de ellos llegó a ser un excelente pianista, grabando inclusive junto a su padre. Stefan por su lado se convirtió en actor. Ante el avance del nacional socialismo en 1933 los Schnabel abandonan Alemania.
Después de pasar por Inglaterra emigran a los Estados Unidos, donde Artur se convierte en profesor de la Universidad de Michigan y luego de la Ann Arbour (1940-1945). Con posterioridad, al finalizar la II Guerra Mundial, vuelve a Europa fijando su residencia en Suiza hasta su fallecimiento en 1951.
De joven, Schnabel llegó a dominar prácticamente casi todo el repertorio pianístico, y según los comentaristas de esa época, poseía recursos técnico – mecánicos “de sobra”. Sin embargo, aproximadamente desde la cuarta década de su vida comenzó a ser cada vez más selectivo en sus ejecuciones, alejándose paulatinamente de la ejecución de románticos como Liszt y Chopin. Ante la pregunta de por qué había tomado esta decisión, respondió “...los estudios de Chopin son piezas encantadoras, perfectas, pero simplemente no puedo perder el tiempo con ellas...” Schnabel era en ese sentido un buscador incansable del posible ideal interpretativo de Beethoven. Schnabel no se conformaba, con “cualquier partitura” de Beethoven. Por tal motivo se tomó el trabajo de buscar y tratar de conseguir todas las primeras ediciones de dicho músico alemán y cotejarlas con las que circulaban en las distintas editoriales musicales.
Debido a esta situación se pudo comprobar que las primeras ediciones de las sonatas de Beethoven tenían ciertas diferencias con las posteriores, especialmente en el uso de las ligaduras y el pedal. En la época de Beethoven es que recién empieza a manifestarse el piano tal como lo conocemos más o menos en la actualidad, y muchas obras de este compositor no disponían aún esos elementos técnicos mecánicos. Recién después de un profundo análisis de las obras de Beethoven por parte de Schnabel, es que salían a luz sus interpretaciones tanto a nivel de conciertos en público como también las grabaciones. Por lo tanto, este pianista austriaco fue un auténtico analista, el cual efectuaba a priori una verdadera “disección” de las obras que quería interpretar: un gran perfeccionista.
Arthur Schnabel fue el primero en grabar las 32 sonatas de Beethoven, labor que le llevó cuatro años, desde 1931 a 1935. Quizás en la actualidad esta edición (ya pasada a CD) no logre conformar a muchos amantes del genio de Bonn, pero al menos puede ser considerada como un punto de referencia con relación a la idea musical de la interpretación beethoveniana. Hace pocos años atrás, cuando se reeditaron los registros de las sonatas de Beethoven los cuales Schnabel había grabado en la década de los años treinta, existieron algunos comentarios desfavorables, los cuales expresaban que este pianista “no ofrecía nada nuevo”. Pero el hecho es que se compararon estas grabaciones con las que hicieron otros pianistas… unos 20 a 30 años más tarde que él.
Arthur Schnabel era de la opinión que la mejor interpretación que un pianista podía hacer sobre determinada composición, siempre era “inferior” a la propia obra en sí. Ha dejado a la posteridad numerosos registros. Además fue un pianista muy respetuoso de Mozart, del cual expresaba, “a los niños se les dan obras de Mozart dado que tienen pocas notas, pero algunos grandes rehuyen a Mozart por... la calidad de las notas”. Años más tarde el pianista brasileño José Carlos Cocarelli se expresaba de manera bastante similar, “es difícil interpretar a Mozart porque es simple, pero tiene trucos, su simplicidad es 'complicada'”.
10 horas de música, Todas las sonatas para piano de Beethoven por Arthur Schnabel
Pianista, compositor y director de orquesta ruso, nacido en las tierras de Oneg, cerca de Novgorod, (Rusia) el 1 de abril de 1873.
Fue el cuarto de una familia de seis hermanos, de los cuales uno murió en sus primeros meses de vida. Su padre, Vasili Rajmáninov, era un exoficial de la armada rusa, con graves dificultades económicas al momento de nacer el niño. Pese a ello, Rajmáninov vivió unos primeros años felices. Como era tradicional en su familia, fue orientado musicalmente desde muy joven, recibiendo sus primeras clases de piano, por parte de su madre, a los seis años de edad. En 1882, su padre volvió a sufrir otra seria crisis financiera, y en esta ocasión tuvo que abandonar el hogar de Oneg junto a su familia, mudándose a un pequeño apartamento en San Petersburgo.
Allí sufrieron las consecuencias de una epidemia de difteria, muriendo Sofía, su segunda hermana mayor. Este trágico suceso afectó seriamente a la madre del pequeño Serguéi, quien culpó a su marido del trágico acontecimiento. Vasili abandonó a su familia poco tiempo después. A los 9 años, Rajmáninov fue inscrito en el conservatorio de San Petersburgo, gracias a la ayuda económica de su abuela materna. Sin embargo, no fue un buen alumno debido a su comportamiento, llegando al punto de falsificar sus notas. Al suspender por completo el curso de 1885, la junta directiva del conservatorio lo expulsó. Aun así, fue admitido en el conservatorio de Moscú, asistiendo a las clases de Nikolái Zvérev, gracias a la intervención de su primo Aleksandr Ziloti, compositor famoso de la época.
Ya en Moscú, Rajmáninov residió en la propia casa de su profesor, junto a otros dos alumnos, sometido a duras jornadas de estudio. Allí conoció a Piotr Chaikovski, amigo personal de Zvérev, quien sería muy influyente en la vida y obra de Rajmáninov, y de cuya Sinfonía Manfredo realizó una transcripción para piano a cuatro manos en 1886, a los trece años, obra de la cual el propio Chaikovski quedó impresionado. Rajmáninov comenzó a demostrar su talento para la composición desde muy joven, y decidió volcarse en ella, aunque Zvérev estaba empeñado en desarrollar al máximo sus virtudes pianísticas. Tras un mes de discusiones, Rajmáninov se marchó a vivir definitivamente con su tía Varvara en 1889, a los dieciséis años.
A lo largo de los dos años siguientes, Rajmáninov se dedicó a componer pequeñas piezas, y tomó sus primeros contactos como director de orquesta. Asimismo, en 1891, compuso el Primer concierto para Piano y Orquesta, dedicado a su primo Aleksandr Ziloti, y la ópera Aleko, que le sirvió para graduarse en el Conservatorio de Moscú con menciones honoríficas. En 1892 Rajmáninov ya estaba preparado para su carrera como compositor, y abandonó el conservatorio en el verano del mismo año. Rajmáninov publicó sus primeros trabajos, lo que le permitió independizarse económicamente de su familia, además de las ganancias por las clases que impartía. Durante esta época, compondría sus primeros preludios y elegías para piano, así como el poema sinfónico La Roca. Durante los ocho primeros meses de 1895, Rajmáninov estuvo trabajando en su Primera Sinfonía, en la que volcó sus ilusiones y esperanzas. Se estrenó por primera vez dos años después, en 1897, bajo la dirección del también compositor Aleksander Glazunov. La presentación fue un rotundo fracaso, ya que aparentemente Glazunov estaba ebrio y la ejecución de la orquesta fue deficiente. Los críticos fueron muy duros en sus apreciaciones y ello afectó seriamente a Rajmáninov, causándole depresión.
Rajmáninov no escribiría nada durante el verano siguiente al estreno de su Primera Sinfonía. Tras su fracaso, pensó dedicar su vida a la dirección más que a la composición, y fue nombrado director de la Compañía de Ópera de Moscú. Tras un exitoso debut, dirigiendo Sansón y Dalila de Camille Saint-Saëns, su fama fue extendiéndose por toda Europa, hasta el punto de recibir una oferta de la Royal Philarmonic Society de Londres para interpretar y dirigir alguna de sus propias obras. Este hecho obligó a Rajmáninov a revisar su concierto para piano. Sin embargo, su carencia de ideas y bloqueo mental para la composición, sin duda consecuencia de aquella desafortunada experiencia con su primera sinfonía, produjeron un grave decaimiento anímico en el artista.
Más deprimido que nunca, Rajmáninov se puso en manos del Dr. Nikolái Dahl, especialista en neurología e hipnosis, quien lo trataría durante la mayor parte del año 1900, con excelentes resultados, devolviéndole la confianza en sus aptitudes creativas. Tras un viaje a Italia, Rajmáninov comenzó a escribir los primeros bocetos de una de sus obras maestras, el Concierto para piano y orquesta nº 2, tocó el segundo y tercer movimiento en Moscú en diciembre de 1900, añadió el primer movimiento en la primavera de 1901 y ofreció la primera interpretación completa el 27 de octubre de ese mismo año dedicado al propio Dr. Dahl, con un inmenso éxito de crítica y público.
Tras el éxito de su Concierto n.º 2, y plenamente recuperado de su crisis anímica y creativa, Rajmáninov anuncia en 1902 su casamiento con su prima Natalia Aleksándrovna Sátina. Debido a que la Iglesia Ortodoxa prohíbe los matrimonios entre familiares, este enlace generaría muchos problemas. Afortunadamente para Rajmáninov, la intervención de una de sus tías y la celebración de la ceremonia en una capilla militar hicieron oficial su matrimonio. Eran sin duda los mejores tiempos para el artista.
Comienza aquí su triple carrera, como compositor, pianista y director, que le llevaría a adquirir una fama sin precedentes. Fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y 1906, y realizó varias giras por todo el mundo como pianista. A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta n.º 2, Rajmáninov escribiría obras maestras como su Segunda Sinfonía (1907), La isla de los muertos y sus Concierto para piano y orquesta n.º 3 y n.º 4 (1909), Las campanas (1913), y numerosas piezas para piano, entre las que se encuentran sus preludios para piano, suite para dos pianos…
En 1917 explota la tensión acumulada en su país, tiene lugar la revolución rusa y Rajmáninov decide abandonar su Rusia natal. Sin dinero ni posesiones el artista emigra con su familia en otoño de ese año, a la edad de cuarenta y cuatro años. Ya en 1918, y asentado en París, Rajmáninov recibe tentadoras y lucrativas ofertas desde Estados Unidos, que supondrían la salida económica para él y su familia. Tras aceptar varias ofertas sobre giras de conciertos, firma en 1920 un importante concierto con la compañía de grabaciones "Victor Talking Machine Company", y al año siguiente compra una casa en Riverside Drive (Nueva York). Fue en Paris donde fundó una importante firma publicitaria, cuyo objetivo principal era el de dar a conocer tanto obras suyas como las de otros compositores rusos.
Mientras tanto, su música era prohibida por el nuevo régimen en la URSS. Durante esta etapa Rajmáninov dedicaría su tiempo a su profesión de solista y director, tan necesaria para mantener su economía y la de su familia, por lo que su faceta creativa se vio muy mermada. De este periodo destacan las excelentes Tres canciones rusas (1926), 42 variaciones sobre un tema de Corelli (1931), la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), su Tercera Sinfonía (1936) y algunos arreglos para piano.
En otoño de 1909, embarcó en su primera gira estadounidense, ofreciendo como él mismo señaló casi un concierto diario durante tres meses enteros. Estrenó su tercer concierto para piano el 28 de noviembre en el New Theatre de Nueva York bajo la dirección de Walter Damrosh. En enero de 1910 lo repitió en el Carnegie Hall esta vez bajo la dirección de Gustav Mahler que impresionó enormemente a Rajmáninov como director.
En 1939 Rajmáninov se asienta definitivamente en Estados Unidos junto a su familia, dedicándose fundamentalmente a su faceta de intérprete en giras por EE.UU. En 1940 escribiría la que sería su última obra catalogada, las Danzas sinfónicas, una de las obras maestras de la música del siglo XX. Asimismo, en 1941 revisaría su Concierto n.º 4 para piano y orquesta. En 1942-1943 Rajmáninov realizó su última gira de conciertos, y se compró una casa en Beverly Hills, que sería su última residencia. Allí murió el 28 de marzo de 1943, a la edad de 69 años, víctima de un cáncer tardíamente diagnosticado.
Primer movimiento del concierto para piano nº 3, tocado por el propio Rajmáninov en 1939, una auténtica joya de la música
Pianista canadiense nacido en Montreal el 5 de septiembre de 1961. Comenzó sus estudios de piano a la edad de cinco años. Su padre, farmacéutico de profesión, también era un pianista aficionado, y presenta al joven Marc-André a Charles-Valentin Alkan, Leopold Godowsky, y Kaikhosru Shapurji Sorabji.
Estudió en École de musique Vincent-d'Indy en Montreal y luego en la Universidad del Templo en Filadelfia. En 1989 le concedieron el Premio de Virginia Parker Prize.
Ha dado conciertos en muchas ciudades, como por ejemplo en festivales como Kissingen Malo, Belfast, Cervantino, La Grange de Meslay, Rarezas del Piano de Husum, Lanaudière, Ravinia, La Roque d’Anthéron, Piano de Ruhr, Halifax (Nueva Escocia), Piano de Singapur, Snape Maltings (Snape Maltings) Fiestas de promoción, Turku y Cuerdas de Ottawa del Futuro, así como los Festivales de Chopin de la Bagatela (París), Duszniki y Valldemossa.
Marc-André Hamelin aparece con regularidad tanto en el Pasillo Wigmore Serie Masterconcert como en la Serie del Piano Internacional en el Banco del Sur de Londres.
Ha realizado grabaciones de una amplia variedad de compositores con la etiqueta Hyperion. Su grabación de Leopold Godowsky's Estudios completos de Chopin ganó el premio de la Revista del Fonógrafo.
Es conocido por sus interpretaciones de compositores menos conocidos, sobre todo de los últimos del siglo XX: Leo Ornstein, Nikolai Roslavets, Georgy Catoire, Nikolai Kapustin, Franz Liszt, Nikolai Medtner y Frederic Rzewski, entre otros.
Hamelin también ha realizado varios trabajos, incluso estudios para todas las claves menores, completados en 2009 y publicadas en el septiembre de 2009 por Edición Peters, con una grabación de la marca Hyperion.
En 1985 ganó el Carnegie Hall Concurso internacional para la Música americana.
En 2004 Hamelin recibió el premio de registro internacional en Cannes.
Más recientemente, ganó el Premio de Juno de 2008 por el Álbum Clásico del Año: Solo o Conjunto de la Cámara — Concierto de Alkan para Piano del Solo.
Su primera mujer fue la soprano Jody Karin Applebaum. Actualmente vive en Boston, Massachusetts con su esposa, Cathy Fuller, pianista y locutora de música clásica para la WGBH. http://www.marcandrehamelin.com/
Teresa Gómez Arteaga nació en Medellín (Colombia) el 9 de mayo de 1943, es una destacada pianista y profesora colombiana.
Fue adoptada por el matrimonio de Valerio Gómez y María Teresa Arteaga, oriundos de Marinilla, tuvo la suerte de que sus padres eran los porteros del Instituto de Bellas Artes de Medellín. Ellos cada día comprobaban con inquietud cómo la niña mostraba inclinación por el piano, que usurpaba clandestinamente en las horas vacías de la institución: “cuando se den cuenta nos echan, decía su padre Valerio”.
Teresita vivió su infancia entre cantos, acuarelas, ballet, escenarios e instrumentos musicales, cosas que compensaban el aislamiento de los otros niños, a quienes no les permitían acercarse a ella porque era “de color”. En esa fragua templó el acero de la gran Teresita.
Inicia su formación pianística a los 4 años de edad con las profesoras Marta Agudelo de Maya y Anna María Penella en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. con tan solo 10 años realiza su primer concierto como solista.
Realiza estudios superiores de piano en la Universidad Nacional de Colombia con la pianista rusa Tatiana Goncharova y la pianista alemana Hilde Adler entre 1959 y 1962. Posteriormente fue estudiante del pianista colombo-holandés Harold Martina en la Universidad de Antioquia entre 1964 y 1966, en donde se graduó como Concertista y Maestra de Piano summa cum laude.
Ha sido alumna también de Barbara Hesse (Varsovia, 1985), Jakob Lateiner (Weimar, 1986) y Klaus Bässler (Berlín, 1986-87).
Ha sido profesora de piano en la Universidad de Antioquia, en Colombia. Concertista individual y en conjuntos camarísticos como por ejemplo, el dúo instrumental con el bandolista Jairo Rincón Gómez y su dúo permanente con el tenor colombiano Diver Higuita Bustamante con quien ha difundido la obra vocal en Colombia y en Europa de Antonio María Valencia, Gustavo Yepes, José Rozo Contreras, Jaime León, entre otros compositores colombianos.
En el año 2005, el Gobierno de Colombia le otorga la Cruz de la Orden de Boyacá en el grado de Comendador por su trayectoria artística, aporte a la cultura musical y representación honorable de Colombia en el exterior.
Recomiendo leer la entrevista que hace Cristóbal Pelaez a Teresita para comprender la vida y sensibilidad de esta extraordinaria pianista colombiana.
Alicia Gabriela Martínez nació en Caracas en 1984. Comenzó sus estudios de piano en Caracas gracias a su madre Alicia Gaggioni.
A pesar de su juventud tiene una lista impresionante de recitales y conciertos con orquesta. Desde su debut a los 7 años ejecutando el concierto Op.19 No.2 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica Venezuela, se ha presentado como solista con varias de las orquestas más importantes de EEUU, como la Sinfónica de New Jersey y la Sinfónica de San Francisco, al igual que con otras importantes orquestas europeas como la Filarmónica de Stuttgart.
Ha tocado bajo la batuta de Gustavo Dudamel y de otros destacados directores como James Gafigan, James Conlon, Edmon Colomer, Charles Dutoit, Anne Manson, Giordano Bellincampi, Guillermo Figueroa, Lawrence Foster, Dirk Brosse, David Machado, Otto Werner-Muller, Klauspeter Seibel, Pedro y Cristóbal Halffter entre otros.
Ha ofrecido importantes recitales al lado de gigantes de la música clásica como el violinista Itzhak Perlman, con quien ha tocado frecuentemente. Además Alicia Gabriela se presenta regularmente en una de las salas más importantes del mundo como lo es el Carnegie Hall.
Como solista y músico de cámara se ha presentado en más de 50 salas de concierto en Estados Unidos y Alemania, al igual que en Brasil, Holanda, Caracas, Salzburgo, Copenhague, St. Moritz, Sendai, Tel Aviv, Tokio, Montpellier, Roma, Venecia, Londres, Spoleto, Bruselas, y Bogotá.
Ha obtenido numerosos premios y distinciones internacionales. Sus más recientes logros incluyen el primer lugar y premio de la audiencia del Internationaler Klavierwettbewerb Anton G. Rubinstein en Dresden (Alemania). Fue semifinalista del 12th Van Cliburn International Piano Competition donde también recibió "Jury Discretionary Award.". Sus ejecuciones han sido transmitidas en estaciones de radio y televisión tales como NHK (Japón), Radio France (Francia), RAI (Italia), CNN, PBS, Deutsche Welle (Alemania), MDR Kultur, (Leipzig), Euronews (Europa y Latinoamérica), 60 minutes, ABS, From the Top (USA), Radio Caracol y numerosas emisoras de radio y televisión en Venezuela.
Alicia Gabriela obtuvo su título de grado y Maestría en música becada completamente en The Juilliard School of Music en New York con la Dra. Yoheved Kaplinsky, actualmente está cursando su doctorado en Halle, Alemania con Dr. Marco Antonio de Almeida. Durante los años 2007-2009 fue miembro de ¨The Academy”, un programa de Carnegie Hall, The Juilliard School y Weil Music Institute. Es miembro desde 2008 de la facultad de Kean University (USA) como Artista de Conciertos.
Pianista y compositor turco, Fazil Say nació en Ankara el 14 de enero de 1970. Es hijo de Ahmet Say, un destacado musicólogo y escritor turco.
Fazil Say empezó a estudiar piano con Mithat Fenmen, que a su vez había sido alumno del afamado Alfred Cortot en París. Percibiendo el talento que tenia su alumno, Fenmen le pidió que cada día intentase improvisar temas relacionados con su vida cotidiana, antes de seguir con los ejercicios y estudios de piano convencionales. Este contacto con procesos y formas de creación libres son la fuente del inmenso talento estético y de improvisación que hacen de Fazil Say el pianista y compositor que es en la actualidad.
Le han encargado componer obras para el Festival de Salzburgo, WDR, Dortmund Kontzerthaus, los festivales de Schleswig-Holstein y Mecklenburg-Vorpommern y la Bienal de Munich entre otros. Su producción musical incluye piezas para teclado solista, música de cámara, conciertos para solistas y composiciones para grandes orquestas.
Desde el año 1987 Fazil Say afinó sus habilidades como pianista clásico con David Levine, primero en la Escuela Superior de Música Robert Schumann de Düsseldorf y después en Berlín, constituyendo su base estética para sus interpretaciones de Mozart y Schubert. Su extraordinaria técnica le permitió con gran rapidez y facilidad dominar los llamados “caballos de guerra” pianísticos. Es precisamente esta mezcla de refinamiento en Bach, Haydn y Mozart y la brillantez de virtuoso en las obras de Liszt, Mussorgsky y Beethoven lo que le llevó a ganar el Young Concert Artists del año 1994 en Nueva York. Desde entonces ha tocado con las orquestas y directores más famosos de América y Europa construyendo un repertorio multifacético que engloba a Bach, clásicos vieneses (Haydn, Mozart y Beethoven), compositores románticos, hasta la música contemporánea, incluyendo sus propias composiciones para piano.
Como artista invitado, Fazil Say ha viajado por innumerables países de los cinco continentes, el diario francés “Le Figaro” lo calificó como “genio”. Además, actúa regularmente como músico de cámara, forma un dúo fantástico con la violinista Patricia Kopatchinskaja y entre los músicos notables que actúan con él, podemos nombrar a la violoncelista argentina Sol Gabetta, el Borusan Quartet de Estambul y otros instrumentistas turcos. Desde el año 2005 hasta el año 2010 fue artista en exclusiva en el Dortmund Konzerthaus, durante la temporada 2010/2011 fue artista en residencia en el Berlín Konzerthaus y fue punto focal del programa del festival de Schleswig-Holstein en el verano del año 2011. Ha sido artista en residencia y actuado en festivales también en París, Tokyo, Meran, Hamburgo y Estambul.Durante la temporada 2012/13ha sido artista en residencia en el Hessischer Rundfunk de Frankfurt / Main.
Sus grabaciones de obras de Bach, Mozart, Beethoven, Gershwin y Stravinsky han sido muy elogiadas por la crítica y ganado muchos premios. Desde el año 2003 Fazil Say tiene un contrato en exclusiva con el sello discográfico Naive. Vive en Estambul y tiene una hija.
Con su extraordinario talento como pianista, Fazil Say ha conmovido durante los últimos 25 años al público y a la crítica, de un modo que empieza a ser extraño en el mundo de la música clásica, cada día más materialista y organizado. Los conciertos de Fazil Say son distintos, directos, abiertos, emocionantes y llegan directamente al corazón. Eso es exactamente lo que pensó en el año 1987 el compositor Aribert Reimann en una visita a Ankara al poder escuchar al joven pianista con diecisiete años. Inmediatamente pidió al pianista estadounidense David Levine, que viajaba con él, que lo acompañara al conservatorio, utilizando la frase ya famosa: “Debes escucharlo, este chico toca como un demonio.”
Derek Paravicini nació en Londres el 29 de Julio de 1979. Nacido prematuramente, con 25 semanas y poco más de un kilo de peso, perdió la vista y posteriormente se descubrió que presentaba rasgos de autismo severo. Pero con apenas 2 años empezó a tocar él solo el piano.
Es un virtuoso del piano pero para él tocar este instrumento va más allá de la música, es la única forma que tiene de comunicarse con la gente porque es ciego y además autista y por eso, dice su profesor, Adam Ockelford, nunca está solo cuando interpreta.
"La música es su pegamento social, lo que le permite comunicarse" asegura Ockelford, profesor del joven durante cerca de 30 años: "Derek ama la música, pero más importante que su amor a la música es que ama a las personas. Y la música es la forma de llegar a ellas".
Afable y educado, Paravicini interpreta de memoria al piano las melodías que los periodistas le piden en un encuentro en el que se ha presentado la iniciativa de la Fundación Orange de traer a España a este músico y a su profesor para explicar cómo la música ayuda a los niños que padecen autismo.
Y es que Derek tiene un repertorio de decenas de miles de piezas que puede tocar en cualquier estilo y tono, música a la que aporta su creatividad y que innova constantemente, ya que es la forma que tiene de comunicarse con la gente que le rodea.
"Conocí a Derek cuando tenía 5 años", relata Adam Ockelford, entonces profesor de la escuela Linden Lodge para ciegos en Londres: "estaba al piano, y él me empujó y empezó a tocar. Parecía que quería tocar todas las notas a la vez, utilizando golpes de artes marciales, codos y su propia nariz. Como no podía ver, no sabía cómo debía tocar pero yo nunca había visto a nadie, y mucho menos a un niño, tocar con tanto entusiasmo".
El profesor tenía un difícil reto: "¿Cómo podía enseñarle si no me dejaba acercarse a su piano?. Como era pequeño, le cogía, le llevaba a un rincón y eso me daba diez segundos para regresar corriendo al piano y tocar unas notas, hasta que él llegaba", un juego que le pareció interesante porque el niño "no entendía las palabras pero sí entendía muy bien la música".
A su lado, el joven músico remarca todas las afirmaciones que va realizando su profesor, que continúa con la historia de este niño que a los 10 años tocó junto a la Royal Philarmonic Pop Orchestra su primer gran concierto, el primero de muchos otros que lleva interpretando desde entonces.
Porque a Derek le gusta tocar en público y así lo demuestra hoy en su primera visita a Madrid y a España, donde esta tarde interpretará un concierto y participará en un taller en el Colegio Oficial de Médicos de Madrid, en el que Adam Ockelford dará una conferencia para educadores, médicos y profesores.
El profesor se dio cuenta de que muchos niños con necesidades especiales tenían una extraordinaria habilidad para la música, línea de trabajo que le llevó a establecer la teoría "zygonic" del entendimiento de la estructura musical, que sostiene que la imitación, algo que puede darse en cualquier campo de la percepción sonora y en todos los niveles, es la máxima potencia en música.
Pero lo que hace especial a este joven ciego y autista es que no copia la música, sino que introduce su personalidad en ella.
Mientras habla con algún periodista, el profesor continúa pendiente de Derek que interpreta de memoria las melodías que le van pidiendo y de vez en cuando le anima con alguna palabra para que sepa que se encuentra cerca.
Aunque sea una canción que desconozca, si su melodía es repetitiva o sencilla, a Derek le basta escucharla una sola vez par poder interpretarla. Si es más larga y complicada, necesita varias horas para poder tocarla al piano de memoria.
"Compuse un concierto para él con 11.000 notas para tocar con orquesta y solo necesitó 50 horas para saber su parte", dice.
Lo más sorprendente es que puede acordarse de la música que le pidió una determinada persona aunque hayan transcurrido muchos años, explica Ockelford durante la rueda de prensa, en la que Derek contesta algunas preguntas y subraya las explicaciones de su profesor: "I did, yes" (Lo hice, sí), señala cuando su maestro recuerda alguna de sus vivencias.
Ockelford insiste en la necesidad de que se "escuche" a los niños que padecen el transtorno del autismo: "todos quieren comunicarse".
Luis Lugo nació en La Habana, Cuba. Recibió una herencia musical de sus padres que resulta clave en su futura formación; su madre Mercedes Lugo fue profesora de piano y directora de coros y su padre Manuel Borges fue un verdadero aficionado virtuoso del piano. Comenzó sus estudios a temprana edad y continuándolos por once años en la Escuela Provincial de Música “Amadeo Roldan” de la Habana. Cuando cursaba el quinto año del nivel elemental fue invitado por el vicerrector del conservatorio Tchaikovsky de Moscú Mtislav Smirnov a continuar sus estudios de piano en la famosa escuela central del conservatorio Tchaikovsky de Moscú.
Meses más tarde se vincula con el eminente pianista ruso Rudolf Kerer, siendo audicionado periódicamente durante esos años.
En sus años estudiantiles Lugo fue galardonado con diferentes premios como reconocimiento a su exitoso desempeño en los diferentes escenarios de Cuba como artista de la “Agrupación nacional de conciertos” del Ministerio de Cultura de Cuba: Diploma de destacados festivales I, II de jóvenes intérpretes de la Habana, Festival Barroco, diplomas de honor y excelencia del Conservatorio Amadeo Roldán, tercer premio en el concurso nacional de piano “Amadeo Roldan”, giras a los centros artísticos más importantes de Cuba.
Estudio en el Instituto Superior de la Habana con el joven pianista ruso Valery Kamichov (laureado con el 2do. premio del concurso internacional Tchaikovsky de Moscú 1962 alumno de Flier), que lo prepara para el Concurso Internacional de Piano en Moscú.
Tras una prueba de oposición ingresa en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú en la clase del laureado profesor y artista emérito de Rusia “Profiesor” Rudolf Kerer. También recibió clases con Irina Smorodinova (maestro asistente de Rudolf Kerer, ex alumna de Emil Guilels y laureada del concurso Internacional Margaret Long de París) y con Víctor Nosov (vise decano de la facultad de Piano del Conservatorio Tchaikovsky.
Obtuvo los títulos de pianista concertista, Licenciado en Música, Profesor y la disposición especial “Máster of Fine Arts.” del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, tras un brillante examen donde obtuvo el máximo de puntuación con las sonatas de Scarlatty, sonata en h moll de Liszt y el concierto 3 de Rachmaninoff en re menor para piano y orquesta.
Los años posteriores al regreso de Moscú fueron de intensos viajes por toda Cuba integrando diversas delegaciones artísticas en representación de la Agrupación Nacional de Conciertos del ministerio de cultura y de profundización en sus estudios académicos en diferentes escenas del arte y adquiere una gran experiencia ejecutiva en el área de la gestión cultural: Postgrado de Estética del Instituto Superior de Arte de la Habana, Postgrado de Historia del cine de la Universidad de la Habana, Profesor del Instituto Superior J. Varona y del Instituto Superior de Arte de la Habana, Presidente de Música de la Asociación de Jóvenes Talentos Hermanos Saiz de La Habana y de Santiago de Cuba, especialista y asesor de la dirección de arte de la provincia de Pinar del rió, y secretario ejecutivo de la comisión de desarrollo provincial, y jefe del departamento técnico artístico de la empresa artística de Pinar del Rió, Director musical del Festival Internacional de Boleros de Oro '95. de La Habana, miembro del consejo técnico de Ciudad de la Habana, sustituto del director de la empresa artística “Adolfo Guzmán”, asesor del grupo base material de la dirección de música del ministerio de cultura de Cuba, artista exclusivo de la Albert S. L. de España '92, artista exclusivo de Latín Touch Entertaiment Londres '93, participaciones en los festivales de música “Santiago 84”, Festival Internacional “Lecuona” en la Habana y profesor –repertorista de música opera lírica y música popular en canto.
Lugo durante su estancia en Moscú actuó en diferentes ciclos y festivales organizados para estudiantes extranjeros, realizo un ciclo de recitales en el Museo Gorki de Moscú, conciertos en la ciudad de Sochi en el Mar Negro y en el concurso Internacional Vioty de Italia entre otros.
Lo más significativo:
Inauguro el ciclo de Recitales magistrales de la Agrupación Nacional de Conciertos de Cuba con la mayoría de las obras Liszt en la Iglesia de Paula.
En el centenario de la muerte de F.Liszt, ofreció un ciclo de tres recitales con las obra más importantes de Liszt.
En 1987 realizó la serie de siete recitales: “Gran Piano”, en el Museo de la Música de la Habana y un ciclo de conferencias y conciertos por un total de 24 hs en el Centro Universitario de Pinar del Rió, por lo cual recibió un reconocimiento especial.
Entre el 1987-88 realizo 2 recitales “Cuba-Máster Piano” en uno de los mayores e importante de Cuba, el teatro Mella de la Habana (“Tres grandes sonatas del romanticismo”: la sonata no.2 de Chopin, sonata en si menor de Liszt y la sonata 2 de Rachmaninoff, y el segundo recital “Chopin”,
, y un nuevo ciclo de recitales en la nueva sala Caturla con todo un extenso repertorio de obras universales destacándose el recital “Lecuona in memorian”.
Entre el 1985-91 realizo un ciclo de 20 actuaciones en la sociedad de Periodistas de Cuba y en el Centro Internacional de prensa con obras clásicas y de la música cubana
1991-92 durante su estadía en Londres recibió invitaciones a actuar en festivales internacionales como “Gran Gran Fiesta” de la Royal Festival, Waterman Centre y Caning House.
En el año 1992 fue elegido miembro de la prestigiosa asociación “Unión Nacional de Artistas de Cuba”, que agrupa a los artistas más prestigiosos de Cuba.
Lugo formó parte del jurado del primer festival Lírico de la Habana y del Quinto Festival Internacional y Concurso de música de Buenos Aires realizado en el Teatro Colón de Buenos Aires, impartiendo clases magistrales en dicho evento.
A partir del año1995 Lugo irrumpe en la escena artística y social de Argentina, participando en la mayoría de los programas de la televisión abierta y de cable. Desde entonces se ha convertido en una figura prominente, actuando regularmente en los escenarios más importantes de la música clásica y popular incluyendo la mayoría de los festivales de Jazz, Músicas del Mundo y Música Clásica de Argentina.
2002 participo del V festival internacional de música de Buenos Aires en el teatro Colon junto a Sandra Borges Lugo Ariosa.
En el 2003 realizo cuatro recitales en la sala grande del Teatro Colón de Buenos Aires y coordinó el ciclo internacional: “El piano: reflejo de la evolución social del hombre”, con cinco fechas, en el marco del Sexto Festival Internacional de Buenos Aires
Ha sido recibido y elogiado por su trabajo de difusión de la cultura cubana, colaboración y apoyo a artistas locales por instituciones y gobiernos. Su concierto “Luis Lugo piano de Cuba” fue declarado de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina y de Uruguay. Igual declaración cultural recibió de manos de las ciudades de San Juan, provincia de Buenos Aires, Jujuy, Formosa ,2 en Mar del Plata, Chacabuco, General Pico, Santa Rosa, Salta y huésped de Honor de la Universidad de Rosario en Argentina y su concierto itinerante The Cuban Experience fue declarado de interés parlamentario por la Honorable cámara de diputados de la nación argentina.
Ha actuado en Brasil, España, Italia, Rusia, Gran Bretaña, Angola, Cuba, Chile, Suiza, Ucrania y Argentina.
Su actual repertorio incluye la mayoría de las grandes obras de todos los tiempos, principalmente del romanticismo de Chopin, Liszt, Scriabin, Rachmaninoff, Cesar Frank, Ravel, Prokofiev, autores a los que les imprime un carisma especial ante el público.
Sus inquietudes musicales lo han llevado a diferentes planos de la creación artística como la composición en el terreno de la música clásica ,sinfónica y popular, con un marcado interés en la trascripción de material temático de obras populares y autóctonas ,situando en la categoría de conciertos el folklore y temas latinos ,incursionando en el mundo de la improvisación jazzística y la música cubana e incorporando a su vez toda la técnica espectacular del mundo electrónico y el láser con los sonidos computarizados, acordes a las exigencias sonoras contemporáneas
Además de sus actividades como compositor y pianista, Lugo ha desarrollado una intensa actividad docente, periódicamente es invitado a dar conferencias y a ofrecer clases magistrales sobre música, estética del piano y técnica pianística en numerosas universidades de San Luis, Católica de Argentina universidad de Sta. fe, Universidad de Mendoza, Festival de música del teatro Colon de Buenos Aires, conferencia en el Congreso de educación en la universidad de Córdoba. Ha ofrecido master clases para Projazz de Santiago de Chile, Universidad Católica de Temuco en Chile. Por el Bicentenario de Liszt ofreció clases y conferencias magistrales en el Conservatorio de Bell Ville donde fue declarado de interés cultural y el conservatorio Gianneo en Cruz del Eje.
Sus últimos “conciertos recitales” como el cierre del mes de los Afrodescendiente en la Av. De Mayo en la ciudad de Buenos Aires, al igual que su presentación en el festival internacional de Percusión de Mar del Plata 2013 recibió los máximos elogios y éxito de público para él y su cantante Jezz Milner.
Ha colaborado con diferentes artículos para algunos medios de prensa en Cuba y revistas en Argentina.
Ha sido profesor y asesor de grandes intérpretes de la actual pianística argentina que han sido ganadores de premios nacionales en diversos certámenes (Ariel Mansur y Natalia Gonzales 1ro y 2dos premios del concurso organizado por “Festivales Musicales”), iguales reconocimiento recibieron la importante pianista cubana Madaryz Verdecia entre otros ex alumnos que trabajan en distintas universidades de América Latina
Lugo es también un compositor con un catálogo de obras que incluyen conciertos, sonatas, rapsodias para piano, con orquesta e instrumentos de percusión cubana y música de jazz-cubano y numerosos arreglos y paráfrasis virtuosas de autores cubanos como Lecuona y Cervantes; también escribió obras para teatro musical como “Cuba: Mitos y Leyendas”, para piano solista, banda magnetofónica y 3 actores. Su último trabajo se titula Concierto “Lecuona” para piano, percusión cubana y gran orquesta sinfónica.
El lenguaje musical de Lugo es la combinación del complejo rítmico cubano-africano con su intelecto académico clásico. Su música es fundamentalmente una síntesis entre la cultura clásica universal con un lenguaje muy técnico de la música cubana.
En el pianismo de Lugo se reconocen las influencias de los prominentes pianistas Chucho Valdés, Gonzalito Rubalcaba, Ernesto Lecuona, Keith Jarret, Horowitz, y Alfred Cortot.
En la actualidad prosigue con incontables giras y conciertos por diferentes partes del mundo.
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