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sábado, 28 de febrero de 2015

Artur Schnabel

Artur Schnabel nació el 17 de abril de 1882 en Lipník (actualmente en la República Checa). 
Siendo todavía pequeño Schnabel ingresa en el conservatorio de Viena en donde se hace discípulo de Leschetitzky, hasta los 15 años, para pasar luego a Berlín hasta 1933. Dentro del ámbito alemán amplía su repertorio mediante música de cámara actuando junto a Flesch y Becker, como también con el español Pablo Casals, Emmanuel Feuermann, Pierre Fourniere, Paul Hindemith, Joseph Szigeti, William Primrose, siendo además acompañante de su esposa, la contralto Thérèse Behr (1876-1959). Tuvieron dos hijos, Karl Ulrich y Stefan. El primero de ellos llegó a ser un excelente pianista, grabando inclusive junto a su padre. Stefan por su lado se convirtió en actor. Ante el avance del nacional socialismo en 1933 los Schnabel abandonan Alemania.
Después de pasar por Inglaterra emigran a los Estados Unidos, donde Artur se convierte en profesor de la Universidad de Michigan y luego de la Ann Arbour (1940-1945). Con posterioridad, al finalizar la II Guerra Mundial, vuelve a Europa fijando su residencia en Suiza hasta su fallecimiento en 1951.
De joven, Schnabel llegó a dominar prácticamente casi todo el repertorio pianístico, y según los comentaristas de esa época, poseía recursos técnico – mecánicos “de sobra”. Sin embargo, aproximadamente desde la cuarta década de su vida comenzó a ser cada vez más selectivo en sus ejecuciones, alejándose paulatinamente de la ejecución de románticos como Liszt y Chopin. Ante la pregunta de por qué había tomado esta decisión, respondió “...los estudios de Chopin son piezas encantadoras, perfectas, pero simplemente no puedo perder el tiempo con ellas...” Schnabel era en ese sentido un buscador incansable del posible ideal interpretativo de Beethoven. Schnabel no se conformaba, con “cualquier partitura” de Beethoven. Por tal motivo se tomó el trabajo de buscar y tratar de conseguir todas las primeras ediciones de dicho músico alemán y cotejarlas con las que circulaban en las distintas editoriales musicales.
Debido a esta situación se pudo comprobar que las primeras ediciones de las sonatas de Beethoven tenían ciertas diferencias con las posteriores, especialmente en el uso de las ligaduras y el pedal. En la época de Beethoven es que recién empieza a manifestarse el piano tal como lo conocemos más o menos en la actualidad, y muchas obras de este compositor no disponían aún esos elementos técnicos mecánicos. Recién después de un profundo análisis de las obras de Beethoven por parte de Schnabel, es que salían a luz sus interpretaciones tanto a nivel de conciertos en público como también las grabaciones. Por lo tanto, este pianista austriaco fue un auténtico analista, el cual efectuaba a priori una verdadera “disección” de las obras que quería interpretar: un gran perfeccionista.
Arthur Schnabel fue el primero en grabar las 32 sonatas de Beethoven, labor que le llevó cuatro años, desde 1931 a 1935. Quizás en la actualidad esta edición (ya pasada a CD) no logre conformar a muchos amantes del genio de Bonn, pero al menos puede ser considerada como un punto de referencia con relación a la idea musical de la interpretación beethoveniana. Hace pocos años atrás, cuando se reeditaron los registros de las sonatas de Beethoven los cuales Schnabel había grabado en la década de los años treinta, existieron algunos comentarios desfavorables, los cuales expresaban que este pianista “no ofrecía nada nuevo”. Pero el hecho es que se compararon estas grabaciones con las que hicieron otros pianistas… unos 20 a 30 años más tarde que él.
Arthur Schnabel era de la opinión que la mejor interpretación que un pianista podía hacer sobre determinada composición, siempre era “inferior” a la propia obra en sí. Ha dejado a la posteridad numerosos registros. Además fue un pianista muy respetuoso de Mozart, del cual expresaba, “a los niños se les dan obras de Mozart dado que tienen pocas notas, pero algunos grandes rehuyen a Mozart por... la calidad de las notas”. Años más tarde el pianista brasileño José Carlos Cocarelli se expresaba de manera bastante similar, “es difícil interpretar a Mozart porque es simple, pero tiene trucos, su simplicidad es 'complicada'”.

10 horas de música, Todas las sonatas para piano de Beethoven por Arthur Schnabel

sábado, 21 de febrero de 2015

Sergéi Rajmáninov

Pianista, compositor y director de orquesta ruso, nacido en las tierras de Oneg, cerca de Novgorod, (Rusia) el 1 de abril de 1873.
Fue el cuarto de una familia de seis hermanos, de los cuales uno murió en sus primeros meses de vida. Su padre, Vasili Rajmáninov, era un exoficial de la armada rusa, con graves dificultades económicas al momento de nacer el niño. Pese a ello, Rajmáninov vivió unos primeros años felices. Como era tradicional en su familia, fue orientado musicalmente desde muy joven, recibiendo sus primeras clases de piano, por parte de su madre, a los seis años de edad. En 1882, su padre volvió a sufrir otra seria crisis financiera, y en esta ocasión tuvo que abandonar el hogar de Oneg junto a su familia, mudándose a un pequeño apartamento en San Petersburgo.
Allí sufrieron las consecuencias de una epidemia de difteria, muriendo Sofía, su segunda hermana mayor. Este trágico suceso afectó seriamente a la madre del pequeño Serguéi, quien culpó a su marido del trágico acontecimiento. Vasili abandonó a su familia poco tiempo después. A los 9 años, Rajmáninov fue inscrito en el conservatorio de San Petersburgo, gracias a la ayuda económica de su abuela materna. Sin embargo, no fue un buen alumno debido a su comportamiento, llegando al punto de falsificar sus notas. Al suspender por completo el curso de 1885, la junta directiva del conservatorio lo expulsó. Aun así, fue admitido en el conservatorio de Moscú, asistiendo a las clases de Nikolái Zvérev, gracias a la intervención de su primo Aleksandr Ziloti, compositor famoso de la época.
Ya en Moscú, Rajmáninov residió en la propia casa de su profesor, junto a otros dos alumnos, sometido a duras jornadas de estudio. Allí conoció a Piotr Chaikovski, amigo personal de Zvérev, quien sería muy influyente en la vida y obra de Rajmáninov, y de cuya Sinfonía Manfredo realizó una transcripción para piano a cuatro manos en 1886, a los trece años, obra de la cual el propio Chaikovski quedó impresionado. Rajmáninov comenzó a demostrar su talento para la composición desde muy joven, y decidió volcarse en ella, aunque Zvérev estaba empeñado en desarrollar al máximo sus virtudes pianísticas. Tras un mes de discusiones, Rajmáninov se marchó a vivir definitivamente con su tía Varvara en 1889, a los dieciséis años.
A lo largo de los dos años siguientes, Rajmáninov se dedicó a componer pequeñas piezas, y tomó sus primeros contactos como director de orquesta. Asimismo, en 1891, compuso el Primer concierto para Piano y Orquesta, dedicado a su primo Aleksandr Ziloti, y la ópera Aleko, que le sirvió para graduarse en el Conservatorio de Moscú con menciones honoríficas. En 1892 Rajmáninov ya estaba preparado para su carrera como compositor, y abandonó el conservatorio en el verano del mismo año. Rajmáninov publicó sus primeros trabajos, lo que le permitió independizarse económicamente de su familia, además de las ganancias por las clases que impartía. Durante esta época, compondría sus primeros preludios y elegías para piano, así como el poema sinfónico La Roca. Durante los ocho primeros meses de 1895, Rajmáninov estuvo trabajando en su Primera Sinfonía, en la que volcó sus ilusiones y esperanzas. Se estrenó por primera vez dos años después, en 1897, bajo la dirección del también compositor Aleksander Glazunov. La presentación fue un rotundo fracaso, ya que aparentemente Glazunov estaba ebrio y la ejecución de la orquesta fue deficiente. Los críticos fueron muy duros en sus apreciaciones y ello afectó seriamente a Rajmáninov, causándole depresión.
Rajmáninov no escribiría nada durante el verano siguiente al estreno de su Primera Sinfonía. Tras su fracaso, pensó dedicar su vida a la dirección más que a la composición, y fue nombrado director de la Compañía de Ópera de Moscú. Tras un exitoso debut, dirigiendo Sansón y Dalila de Camille Saint-Saëns, su fama fue extendiéndose por toda Europa, hasta el punto de recibir una oferta de la Royal Philarmonic Society de Londres para interpretar y dirigir alguna de sus propias obras. Este hecho obligó a Rajmáninov a revisar su concierto para piano. Sin embargo, su carencia de ideas y bloqueo mental para la composición, sin duda consecuencia de aquella desafortunada experiencia con su primera sinfonía, produjeron un grave decaimiento anímico en el artista.
Más deprimido que nunca, Rajmáninov se puso en manos del Dr. Nikolái Dahl, especialista en neurología e hipnosis, quien lo trataría durante la mayor parte del año 1900, con excelentes resultados, devolviéndole la confianza en sus aptitudes creativas. Tras un viaje a Italia, Rajmáninov comenzó a escribir los primeros bocetos de una de sus obras maestras, el Concierto para piano y orquesta nº 2, tocó el segundo y tercer movimiento en Moscú en diciembre de 1900, añadió el primer movimiento en la primavera de 1901 y ofreció la primera interpretación completa el 27 de octubre de ese mismo año dedicado al propio Dr. Dahl, con un inmenso éxito de crítica y público.
Tras el éxito de su Concierto n.º 2, y plenamente recuperado de su crisis anímica y creativa, Rajmáninov anuncia en 1902 su casamiento con su prima Natalia Aleksándrovna Sátina. Debido a que la Iglesia Ortodoxa prohíbe los matrimonios entre familiares, este enlace generaría muchos problemas. Afortunadamente para Rajmáninov, la intervención de una de sus tías y la celebración de la ceremonia en una capilla militar hicieron oficial su matrimonio. Eran sin duda los mejores tiempos para el artista.
Comienza aquí su triple carrera, como compositor, pianista y director, que le llevaría a adquirir una fama sin precedentes. Fue director del Teatro Bolshói de Moscú, entre 1904 y 1906, y realizó varias giras por todo el mundo como pianista. A esta etapa de su vida pertenecen sus obras más grandiosas: además del mencionado Concierto para piano y orquesta n.º 2, Rajmáninov escribiría obras maestras como su Segunda Sinfonía (1907), La isla de los muertos y sus Concierto para piano y orquesta n.º 3 y n.º 4 (1909), Las campanas (1913), y numerosas piezas para piano, entre las que se encuentran sus preludios para piano, suite para dos pianos…
En 1917 explota la tensión acumulada en su país, tiene lugar la revolución rusa y Rajmáninov decide abandonar su Rusia natal. Sin dinero ni posesiones el artista emigra con su familia en otoño de ese año, a la edad de cuarenta y cuatro años. Ya en 1918, y asentado en París, Rajmáninov recibe tentadoras y lucrativas ofertas desde Estados Unidos, que supondrían la salida económica para él y su familia. Tras aceptar varias ofertas sobre giras de conciertos, firma en 1920 un importante concierto con la compañía de grabaciones "Victor Talking Machine Company", y al año siguiente compra una casa en Riverside Drive (Nueva York). Fue en Paris donde fundó una importante firma publicitaria, cuyo objetivo principal era el de dar a conocer tanto obras suyas como las de otros compositores rusos.
Mientras tanto, su música era prohibida por el nuevo régimen en la URSS. Durante esta etapa Rajmáninov dedicaría su tiempo a su profesión de solista y director, tan necesaria para mantener su economía y la de su familia, por lo que su faceta creativa se vio muy mermada. De este periodo destacan las excelentes Tres canciones rusas (1926), 42 variaciones sobre un tema de Corelli (1931), la impresionante Rapsodia sobre un tema de Paganini (1934), su Tercera Sinfonía (1936) y algunos arreglos para piano.
En otoño de 1909, embarcó en su primera gira estadounidense, ofreciendo como él mismo señaló casi un concierto diario durante tres meses enteros. Estrenó su tercer concierto para piano el 28 de noviembre en el New Theatre de Nueva York bajo la dirección de Walter Damrosh. En enero de 1910 lo repitió en el Carnegie Hall esta vez bajo la dirección de Gustav Mahler que impresionó enormemente a Rajmáninov como director.
En 1939 Rajmáninov se asienta definitivamente en Estados Unidos junto a su familia, dedicándose fundamentalmente a su faceta de intérprete en giras por EE.UU. En 1940 escribiría la que sería su última obra catalogada, las Danzas sinfónicas, una de las obras maestras de la música del siglo XX. Asimismo, en 1941 revisaría su Concierto n.º 4 para piano y orquesta. En 1942-1943 Rajmáninov realizó su última gira de conciertos, y se compró una casa en Beverly Hills, que sería su última residencia. Allí murió el 28 de marzo de 1943, a la edad de 69 años, víctima de un cáncer tardíamente diagnosticado.

Primer movimiento del concierto para piano nº 3, tocado por el propio Rajmáninov en 1939, una auténtica joya de la música

martes, 17 de febrero de 2015

Marc-André Hamelin

Pianista canadiense nacido en Montreal el 5 de septiembre de 1961. Comenzó sus estudios de piano a la edad de cinco años. Su padre, farmacéutico de profesión, también era un pianista aficionado, y presenta al joven Marc-André a Charles-Valentin Alkan, Leopold Godowsky, y Kaikhosru Shapurji Sorabji.
Estudió en École de musique Vincent-d'Indy en Montreal y luego en la Universidad del Templo en Filadelfia. En 1989 le concedieron el Premio de Virginia Parker Prize.
Ha dado conciertos en muchas ciudades, como por ejemplo en festivales como Kissingen Malo, Belfast, Cervantino, La Grange de Meslay, Rarezas del Piano de Husum, Lanaudière, Ravinia, La Roque d’Anthéron, Piano de Ruhr, Halifax (Nueva Escocia), Piano de Singapur, Snape Maltings (Snape Maltings) Fiestas de promoción, Turku y Cuerdas de Ottawa del Futuro, así como los Festivales de Chopin de la Bagatela (París), Duszniki y Valldemossa.
Marc-André Hamelin aparece con regularidad tanto en el Pasillo Wigmore Serie Masterconcert como en la Serie del Piano Internacional en el Banco del Sur de Londres.
Ha realizado grabaciones de una amplia variedad de compositores con la etiqueta Hyperion. Su grabación de Leopold Godowsky's Estudios completos de Chopin ganó el premio de la Revista del Fonógrafo.
 Es conocido por sus interpretaciones de compositores menos conocidos, sobre todo de los últimos del siglo XX: Leo Ornstein, Nikolai Roslavets, Georgy Catoire, Nikolai Kapustin, Franz Liszt, Nikolai Medtner y Frederic Rzewski, entre otros.
Hamelin también ha realizado varios trabajos, incluso estudios para todas las claves menores, completados en 2009 y publicadas en el septiembre de 2009 por Edición Peters, con una grabación de la marca Hyperion.
En 1985 ganó el Carnegie Hall Concurso internacional para la Música americana.
En 2004 Hamelin recibió el premio de registro internacional en Cannes.
Más recientemente, ganó el Premio de Juno de 2008 por el Álbum Clásico del Año: Solo o Conjunto de la Cámara — Concierto de Alkan para Piano del Solo.
Su primera mujer fue la soprano Jody Karin Applebaum. Actualmente vive en Boston, Massachusetts con su esposa, Cathy Fuller, pianista y locutora de música clásica para la WGBH.
http://www.marcandrehamelin.com/
Varias piezas de distintos compositores
Imágenes de Claude Debussy
Wals del minuto de Chopin
Encore de Mozart
Pieza de John Field

viernes, 13 de febrero de 2015

Martial Solal

Pianista y compositor francés nacido en Argel el 23 de agosto de 1927. Su madre era cantante de opera, empezó a estudiar piano clásico a la edad de seis años y su inclinación por el jazz fue a partir de 1942, ya con una buena base formativa y tras escuchar los discos de Teddy Wilson, Earl Hines y sobre todo de Art Tatum. Su debut profesional como músico se produjo en 1945 en el Hotel Sherezade de Argelia, su ciudad natal. Actuó y tocó en la Radio Nacional de Marruecos (Radio Rabat) durante su estancia en el ejercito y tras licenciarse se trasladó a Paris en 1950, donde tras unos comienzos poco alentadores, lo contrató Benny Bennett y en 1953, Roger Guerin. Martial Solal tuvo la oportunidad de tocar y grabar con el maestro de la guitarra, Django Reinhardt antes de la muerte de este ultimo.
Firmó un contrato con el sello Vogue y en 1953 grabó el primer disco a su nombre. Los primeros años de la década de los cincuenta fueron claves para la consolidación de este pianista. Grabó abundantes discos con el seudónimo de Jo Jaguar, tanto en trío como acompañado a Don Byas, Stan Kenton -que estaba en Paris en 1956 -, con Kenny Clarke o con el mismísimo, Sidney Bechet en 1957. En 1958 dio una vuelta de tuerca más en su carrera y se atrevió a componer música para bigband, encontrando en ese contexto un terreno propicio para el desarrollo de su técnica, de su originalidad en los arreglos y también como solista.
A principios de los años sesenta participó en algunos festivales de jazz importantes junto a Oscar Petifford, Oscar Peterson o Kenny Clarke. Un ejemplo de su fuerza interpretativa lo ofreció en el festival de Jazz de Antibes en 1960, formando un extraordinario trío con Guy Pedersen y Daniel Humair. Aquella formación se mantuvo unida cierto tiempo y tres años mas tarde acudió al Festival de Newport junto a Paul Motian y Teddy Kotick. Sus éxitos en Europa le permitieron cruzar el charco y actuar durante una temporada tanto en New York como en Montreal. A principios de los setenta, Martial Solal se inscribió en unos cursos de perfeccionamiento en el Conservatorio de Paris, consciente de la necesidad de mejorar y aprender. Esa decisión dio resultado y el renovado discurso musical de Solal al piano llamó la atencion del saxofonista, Lee Konitz con quien grabaría varios discos importantes. Konitz siempre dijo de Martial Solal que era uno de sus pianistas preferidos en Europa.
Martial Solal también hizo determinadas incursiones en el terreno de las bandas sonoras, siendo el autor de la música de una de las grandes películas de la "Nouvelle Vague" francesa (Nueva Ola). El film fue una película clave en ese movimiento renovador y tuvo como director a Jean-Luc Godard y como artista principal a un jovencísisimo, pero extraordinario, Jean Paul Belmondo: "A bouit de Souffle". (El final de la escapada). Martial Solal ha sabido configurar un repertorio y una discografía magnifica cuyo numero supera los cien discos pubicadas en compañías francesas, japonesas, italianas, americanas, alemanas, etc. Nunca abandonó su epicentro musical establecido en Paris, donde estuvo todas las noches, durante diez años y de manera ininterrumpida, tocando en el Club Saint Germain de la capital parisina.
De sus últimas formaciones cabe destacar el trío formado por Paul Motian y Gary Peacok, del que han quedado excelentes grabaciones, entre ellas, el magnifico "Just Friend" para el sello Dreyfus Jazz y una gira con la Orquesta Nacional de Francia. En 1989 crea el Primer Concurso Internacional de piano Martial Solal, al que le seguirán dos ediciones más convirtiéndose en uno de los premios más prestigiosos de piano. En el año 2003, todavía con la vitalidad y la creatividad intacta, graba un extraordinario concierto en directo desde el Village Vanguard de New York, que resume una carrera prolífica y llena de pasión: "NY-1. Live at the Village Vanguard". Martial Solal tiene en su haber diversos premios importantes como artista, pero ninguno aprecia más que el que en 1956 le otorgó la Academia Francesa del jazz con el premio "Django Reinhardt", la mas alta distinción musical de Francia en el terreno jazzistico.

The last time I saw Paris
Festival de Jazz de Viersen en 2007
Ejercicios de concierto
A dos pianos con Stefano Bollani

sábado, 7 de febrero de 2015

Rita Marcotulli

Rita Marcotulli es una pianista y compositora italiana, nacida en Roma el 10 de marzo de 1959.
Se intereso por el piano con sólo cinco años de edad y completó sus estudios en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma. Rita Marcotulli es una pianista elegante, con un timbre melódico y una voz instrumental muy exclusivos, que empezó su carrera acercándose a la música brasileña para, desde los 20 años, volcarse definitivamente en el jazz.
 En los primeros años ochenta aparece en la efervescente escena romana, en aquellos pocos y selectos clubes en los que empezaban su carrera los músicos locales que terminarían liderando el jazz italiano. Fue el momento en el que se podía ver a jóvenes músicos locales acompañando en sus giras por Italia a muchos de los grandes de la escena internacional.
 En esos años Rita acompañó a Chet Baker, Steve Grossman, Peter Erskine, Joe Henderson, Joe Lovano, Charlie Mariano, Tony Oxley, Michel Portal, Richard Galliano, Enrico Rava, Aldo Romano, Kenny Wheeler o Andy Sheppard, por citar algunos. 
En 1986 se marchó a Suecia, una experiencia de seis años que marcó su evolución musical tanto como pianista como compositora: en el aspecto estilístico, por la búsqueda de la melodía y la aproximación a lo evocativo más que por el lado de la música hipertécnica.  En 1987 la revista italiana Musica Jazz la elegía como el mejor nuevo talento del año y porque al año siguiente fue invitada por Billy Cobham para formar parte de sus grupos.
En paralelo trabajó con Palle Danielsson, Anders Jormin y Nils Petter Molvaer. Regresó a Italia a mediados de los 90 donde empezó a alternar sus propios proyectos –tales como el compartido con la cantante Maria Pia de Vito- con las colaboraciones dentro de la world music y el pop, además de colaborar con Pat Metheny. Y en 1996 forma parte de un proyecto presentado en el Teatro Olimpico de Vicenza: concierto para tres pianos, junto a Paul Bley y John Taylor.
Rita Marcotulli tiene una rica discografía de la que se puede destacar su último proyecto en dúo con Andy Sheppard (On the Edge of a Perfect Moment), o el trabajo en piano solo titulado The Light Side of the Moon, de pronta aparición.
Lidera además diferentes proyectos junto a Andy Sheppard, con Nguyên Lê, con Anders Jormin… además del denominado The Woman Next Door, al que califica como homenaje al cine de François Truffaut.
Entre sus más recientes trabajos hay que destacar el homenaje a la música de Pink Floyd junto a músicos como Giovanni Tommaso, Matthew Garrison y de nuevo Andy Sheppard.                    


La strada infinita de Rita Marcotulli
Concierto completo en un festival
Concierto con piano preparado KOINE
Tributo a Pink Floyd