Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.

martes, 28 de junio de 2011

Manolo Carrasco


Pianista y compositor gaditano, empezó a estudiar piano a los 6 años, y a los 8 se matricula en el Conservatorio de Cádiz, para más adelante proseguir sus estudios en los Conservatorios de Sevilla, Madrid, Barcelona y Viena. Durante su etapa de aprendizaje, ha tenido prestigiosos profesores, entre los que cabe destacar a Anatoli Pouvson, Dimitri Bashkirov y Hans Graff en Viena y a Ana Guijarro, Ramón Coll o José Manuel Carrá en España.
Con sólo 8 años compone su primera obra "Extraña Andaluza", con 14 años da su primer concierto en público, y con 16 años graba su primer disco "Arena y Mar".
Tiene en su haber la creación de un estilo propio dentro del piano flamenco, imprimiendo un gran vigor a sus composiciones, las cuales beben de una fusión entre el flamenco y el jazz, magistralmente ordenada. 
Como él mismo dice: "El flamenco es tan rico que me da la posibilidad de expresar lo que siento a través de él, y gracias a la música clásica, me he enriquecido como músico, permitiéndome desarrollar la técnica. Yo bailo cuando toco el piano".
Es un enamorado de los caballos, y junto con la Fundación Real Escuela Andaluza de Arte Ecuestre, realiza un espectáculo de música y baile con caballos, llamado "Sinfonía Ecuestre" que alcanza un gran éxito en España, podéis verlo en http://www.sinfoniaecuestre.com/
"Las Cortes" de Manolo Carrasco

domingo, 26 de junio de 2011

Eliane Elias



Desde niña vivió muy de cerca la música. Su madre, Lucy, era una pianista clásica que a menudo tocaba jazz en la casa familiar. Una familia con orígenes españoles pues sus abuelos eran de origen vasco. Elaine comenzó a tocar el piano a los seis años y con doce años ya tocaba obras de Art Tatum y Bill Evans. Estudió en el Free Cente rof Music Apprenticeship de Sao Paulo. Comenzó a componer y, más importante, a grabar sus propios temas de jazz a los diecisiete años.

En una gira por Europa en 1981, se encontró con el bajista Eddie Gomez qque la animó a trasladarse a Nueva York. Vive allí desde 1981. En New York fue invitada a unirse a Steps Ahead, con quienes grabó “Steps Ahead” (1983). Después se unió al trompetista Randy Brecker con el que tocó en varios discos y con quien acabó casándose. De esa unión nació su hija Amanda. En la actualidad Eliane está casada con el bajista Marc Johnson, miembro de su trió y con quién ha colaborado en diversas grabaciones.

Desde 1986 Elias se ha convertido en una bandleader de éxito, desde su debut en solitario con “Illusions”. Elias está considerada como una consumada intérprete del repertorio de Antonio Carlos Jobim, al que siempre toca. Fue el mismo Jobim quien la autorizo a hacerlo. En 1989 grabó "Eliane Elias Plays Jobim".

En 2002 Eliane Elias firmó con el sello RCA Music Group/ Bluebird y su primera grabación para esta compañía discográfica fue "Kissed by nature". Su segundo CD; “Dreamer" (2004), es una mezcla de melodías del cancionero americano, bossa nova y dos canciones originales nuevas, todo ello cantado en inglés y portugués. En esta ocasión contó con el apoyo de una gran orquesta. El último disco de esta brasileña lleva por título “Around the city" (2006), y es un mezcla de bossa nova, pop, jazz y sonidos latinos.
Buena parte de los aficionados españoles conocieron a esta pianista de presencia arrolladora y ciertos aires de diva cinematográfica a partir de la película “Calle 54” de Fernando Trueba, donde era la única mujer presente en la cinta.
http://www.elianeelias.com/
Samba Triste de Eliane Elias

viernes, 24 de junio de 2011

Kotaro Fukuma

Es hasta la fecha, el pianista más joven que cuenta en su haber con grabaciones comerciales (Harmony) de la Suite Iberia de Albéniz, las ocho Novelletten de Schumann y la obra completa para piano solo de Toru Takemitsu (Naxos).
En 2003 obtiene el Primer Premio y el Premio Chopin en el XV Concurso Internacional de Piano de Cleveland y en agosto de 2008 gana el Tercer Premio y Medalla de Bronce en el XVI Concurso Internacional de Piano de Santander.
Kotaro Fukuma ha debutado en recital en Lincoln Center de Nueva York y ha interpretado cerca de cincuenta conciertos en Estados Unidos. También ha actuado en el Reino Unido, Francia, Alemania, España, Polonia, Italia, Suiza, Austria, Finlandia, Corea del Sur, Taiwán, Sudáfrica y Japón. Su amplio repertorio incluye más de 35 conciertos de piano de todos los estilos.
Como solista se ha presentado con numerosas orquestas; entre ellas con la Orquesta de Cleveland, Sinfónica de Radio Finlandia, Filarmonía de Dresden, Orquesta Nacional Île de France, Royal Philharmonic, Orquesta Filarmónica de Galicia, Filarmónica de Johannesburgo o la New Japan Philharmonic, y con directores como Lawrence L. Smith, Rafael Frühbeck de Burgos, Paul Nadler, Hanu Lintu, François Xavier Roth, Jalija Ling o Eva Ollikainen.
En 2008 debutó en Wigmore Hall de Londres y realizó una extensa gira de conciertos en Sudáfrica. También interpretó el Segundo Concierto para Piano de MacDowell en Ohio con motivo del aniversario de la muerte del compositor, además del estreno mundial de la composición de Thierry Huillet en Francia y de obras de compositores como Toru Takemitsu, Mutsuo Shishido, Renard Gagneux, Ercaich, Einojuhani Rautavaara y Seongju Oh. Actuó en importantes festivales como el Duszniki Chopin (Polonia), Auvers-sur-Oise, Piano aux Jacobins, Piano en Valois, Cannes, Annecy, Animato (Francia), Musical Septembre (Suiza), Sun River, Sandpoint, Dame Myra Hess Concert Series (EE.UU.), 100 Pianists, Toppon Pianists, Piano Etoile (Japón).
Su participación en el ciclo de conciertos y conferencias “Albéniz en Contexto” que la Fundación Albéniz organizó durante el Año 2009, le llevó a Madrid para debutar en la sala de Cámara del Auditorio Nacional de Música y en el Auditorio Sony de la Fundación Albéniz.
En marzo de 2010 regresa a España para una extensa gira de conciertos que forma parte de su premio de Santander. Actuará en el Auditorio de Zaragoza para la Sociedad Filarmónica de dicha ciudad, la Fundación Marcelino Botín de Santander, las Sociedades Filarmónicas de Málaga, Pontevedra, Lugo, Gijón, Avilés, en la Fundación Eutherpe de León y en la Fundación Germán Sánchez Ruipérez de Peñaranda de Bracamonte. Seguirá una importante gira por el continente sudafricano, presentaciones en festivales internacionales de Francia e Italia y sus primeras giras de conciertos en China y Sudamérica.
Kotaro Fukuma estudió en el Conservatoire National Supérieur de Musique de París (2001-2005), en la Universität der Künste de Berlín (2005) y en la Academia Internacional de Piano de Como, Italia (2006). Trabajó también la música española con algunos expertos como Alicia de Larrocha, Jorge Chaminé o Diego Cayuelas.
Kotaro Fukuma reside en la actualidad en Berlín
http://www.kotarofukuma.com/
Gran estudio de perfeccionamiento "Ab irato" de Liszt

martes, 21 de junio de 2011

Richard Wright


Aunque este blog está dedicado a pianistas puros, y Richard se puede definir más como teclista, quiero incluirlo en esta lista por ser uno de los mejores en su género, y además ser cofundador del mejor grupo de rock de la historia, al menos para mi, Pink Floyd.
Como tecladista y compositor, Richard Wright ayudó a crear el sonido psicodélico pionero que convirtió a Pink Floyd en una de las mejores bandas del mundo.
En ocasiones sus atmosféricos órganos y sintetizadores, cargados de influencias del jazz, estaban en el primer plano de los temas de la banda. Otras veces brindaban un trasfondo fantasioso en el que el resto del grupo se podía sumergir.
Wright estudiaba arquitectura en el "Regent Street Polythenic" de Londres cuando conoció a Nick Mason y Roger Waters.
En 1965 formaron los Architechtural Abdabs y posteriormente se les unió el estudiante de Artes Syd Barret para crear Pink Floyd.
Se dieron a conocer en la escena artística underground de Londres "tocando música que las compañías disqueras no podían entender", como más tarde lo señaló el propio Wright.
"Nunca tuvimos el deseo de ser famosos, de ser estrellas de rock and roll", indicó.
Según sus propias palabras, el estilo musical de grandes del jazz como Miles Davis fue lo que más influyó en su forma de tocar los teclados.
Barret fue la fuerza creativa que lideró al grupo en sus inicios, pero el consumo de drogas lo llevó a un deterioro mental.
El resto de la banda, sin embargo, no cayó en el uso de drogas duras.
Wright probó ácido dos veces. La primera fue antes de estar en la banda, en lo que describió como una experiencia "muy placentera". La segunda no lo fue y lo hizo alejarse de por vida.
"Es un error pensar que las drogas suministraron la inspiración de Pink Floyd", dijo.
"Los que tomaban las drogas eran los asistentes a los conciertos".
Después de la salida de Barret y la llegada del guitarrista Dave Gilmour, la banda comenzó a redefinirse a finales de los '60 y comienzo de los '70, alejándose del pop excéntrico hacia el rock progresivo.
Además de participar con sus teclados y con su voz como acompañamiento, Wright escribió varias de sus canciones.
Entre ellas se incluyeron la pieza instrumental de 13 minutos Susyphuis del disco Ummagumma de 1969 y Summer'68 de Atom Heart Mother, el primero de los álbumes de la banda que ocupó el número uno.
El siguiente disco, Dark Side of the Moon, de 1973, fue su obra maestra.
Wright fue coautor en la mayoría del álbum, incluyendo los temas Breathe, Time y Us and Them, pero su contribución más importante fue The Great Gig in the Sky.
Se trata de uno de los álbumes más populares de todos los tiempos y permaneció entre la lista de los 200 más vendidos durante 15 años.
El grupo se convirtió en una de las grandes bandas de los setenta y siguió editando discos, mientras que Wright también prosiguió una carrera como solista.
Sin embargo, las relaciones entre los miembros de la banda comenzaron a deteriorase y Waters despidió, de hecho, a Wright después del álbum de 1979 The Wall.
Waters amenazó con no lanzar el álbum si Wright se negaba a renunciar, señaló luego el tecladista.
"Hubo un gran choque de personalidades entre Roger y yo y finalmente me di cuenta que no podía trabajar con esta persona de todos modos, así que me fui".
Los otros miembros de la banda también se pelearon con Waters y en 1986 Gilmour y Mason comenzaron a trabajar en un nuevo disco sin él.
Wright se reunió con ellos y continuaron grabando y dando giras con el nombre de Pink Floyd, luego de una larga batalla legal con Waters.
Juntos hicieron dos discos más y dieron más de 100 conciertos en la gira para promocionar The Division Bell en 1994, que se convirtió en el tour más lucrativo del rock de la época.
Después de eso, la banda entró en la inactividad. Wright lazó otro disco como solista y terminó relajándose con su yate de 65 pies en las Islas Vírgenes.
Navegar era su "terapia y consigue liberar todas las presiones que uno siente en este negocio", indicó.
Wright se unió a su ex compañeros de grupo, con la excepción de Barret, una última vez en el Live 8 de Hyde Park en 2005.
Desde entonces se especuló continuamente que el grupo podría volverse a reunir para hacer una gira.
Pero con la muerte de Wright en 2008 se cierra un capitulo de enorme importancia en la historia de la música británica.
http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Wright_(m%C3%BAsico)
Us and them de Richard Wright

domingo, 19 de junio de 2011

Grigory Sokolov


 Sokolov comenzó a estudiar el piano a la edad de 5 años, y a los 7 ingresó en el Conservatorio de Leningrado con Leah Zelikhman, estudiando posteriormente allí con Moisey Khalfin. Da su primer concierto a la edad de 12 años en Moscú, interpretando obras de Bach, Beethoven, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Rachmaninoff, Scriabin, Liszt, Debussy y Shostakovich.
En el año 1966, con tan sólo 16 años obtiene la medalla de oro en el prestigioso Concurso Internacional de piano Tchaikovsky.
De un carácter tímido, actualmente da muchísimos conciertos por todo el mundo, y es de destacar, que esa timidez le hace huir de los aplausos, tocando una y otra limosna para apagarlos cada vez que los escucha, sus conciertos se alargan muy gratamente.
El dominio que tiene del piano es enorme, aunque quizá su mayor virtud radica en esa especial capacidad para la transmisión de la música, para que el oyente perciba el latido más íntimo del compositor.
Primera parte de la Suite en Sol menor de Jean-Philippe Rameau

sábado, 18 de junio de 2011

Hilario Durán


Pianista, compositor, productor y profesor cubano comenzó su educación musical en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana, con 8 años no se apartaba del piano, su madre tenia a menudo que cerrar la tapa con llave para que dejara de tocarlo, para él era como un juguete. Durante 10 años trabajó como pianista y arreglista en la banda del trompetista cubano Arturo Sandoval.
Ha participado en importantes festivales de Jazz, entre ellos el de Barranquilla en Colombia y ha compartido el escenario con figuras de renombre en el mundo de la música, entre ellos, Dizzy Gillespie, Michael Leghrand, Jane Bunnett, Dave Valentìn y Michael Brecker.
En 1990 creó su propia banda "Perspectiva" con la que viajó por América Latina y Europa con gran éxito y aceptación por parte de la crítica y el público. De esta etapa son sus discos: "Tiembla Tierra" y "Buscando cuerdas", así como su actuación en el conocido Ronnie Scott.
Su primer álbum en solitario "Canción de Francisco" fue lanzado en 1996, y un año más tarde consolida nuevamente su anterior éxito con el disco"Asesino Tumba", en el cual participan los conocidos percusionistas de la Isla: Tata Güines y Changuito.
A partir de 1998 reside con su familia en Canadá, país donde lanza su tercer disco "Habana nocturna", un fonograma donde se siente en todo momento el verdadero jazz cubano.
A la par de su labor como músico Hilario Durán ha trabajado en Canadá como profesor de piano de la Universidad de Humber, Toronto, y en Carleton, Ottawa. Ha sido por muchos años miembro prominente de la banda canadiense del Afro- Cubano de La Habana de Janet Bunnett.
Su último disco "Habana Remembert" es un compendio de música cubana en la que comparte con diferentes músicos cubanos y extranjeros, entre ellos el saxofonista canadiense, Phil Dwyer.
Este disco tiene famosas piezas de las orquesta Aragón, Rumba Habana y del gran Benny Moré y en ella se combinan diferentes géneros que abarcan desde el cha-cha-chá hasta la guaracha y el mambo.
Paq Man de Hilario Durán

viernes, 17 de junio de 2011

Giovanni Renzo


Nacido en Messina en 1962, se graduó en el Conservatorio de Piano "Corelli" de su ciudad natal en 1986, luego realiza cursos de perfeccionamiento en Roma con José Martín, y más tarde asiste al Seminario Nacional de Jazz de Siena Enrico Pieranunzi y Brown Thomas, támbien recibe clases de composición y orquestación en la Escuela Berklee de Perugia con Bud Fredman, y asiste a la Accademia Musicale Chigiana de Ennio Morricone y Sergio Miceli para aprender sobre música para el cine.
Su debut profesional se lleva a cabo en 1979 como pianista de jazz. En 1986 formó un trío, colaborando con Paolo Fresu, Gianluigi Trovesi, Capiozzo de Julio, Wheeler Bradley, Kenyatta Robin, Taher Faisal. Funda y dirige, además, la Orquesta de Jazz de Messina en 1994.
Se presenta regularmente en conciertos y festivales por toda Italia, alternando con la enseñanza y la composición.
Participa en 1996 al 50 º Festival Fringe de Edimburgo, la realización de tres noches en el Demarco Europea Art Foundation, con el espectáculo "Goles para la sangre y el alma."
También en el 96 terminó la composición de la ópera "La distancia de la Luna"en escena, inspirada en la historia homónima de Italo Calvino, que estrenará en enero de 1997 en el Teatro V. Emanuele de Messina, y reproducido con gran éxito en varias ediciones, hasta la más reciente en el Teatro Antico de Taormina Taormina Arte 2007 con el narrador Arnoldo Foa y con la Orquesta Sinfónica del Mediterráneo dirigida por el maestro Fabio Ciulla. Con la composición de "tormentas" en 1999 ganó la tercera edición del Concurso Nacional organizado por la composición para piano Cultural "De Musica" en Savona. En enero de 2002 se organizó el rendimiento multimedia "El gabinete del Dr. Caligari", libremente inspirada en la película homónima de Robert Wiene, con la Compañía de Danza Sieni Virgilio.
En 2004 se completó la composición del "Atlas coelestis, la música y las estrellas" , presentado con gran éxito en las principales instituciones científicas (Planetario de Modena, el Planetario de Roma, Laboratorio de Ciencias Ambientales de Pontefract, de la Universidad de Messina, Pitágoras Premio Crotone, Festival de la Ciencia en Roma, Observatorio Astronómico de Capodimonte), publicados en revistas científicas "Coelum" y "estrellas" y publicado por Edizioni Mesogea (libro con DVD).
Para películas a desarrollado y ejecutado en vivo, la música para películas mudas (Aurora Murnau, El gabinete del doctor Caligari Wiene encargado por el Ente Teatro di Messina, clásica E. Kennedy con Laurel y Hardy, los policías de Buster Keaton, Viaje a la Luna por G. Melies, Ash Febo Mari con Eleonora Duse, El Fantasma de la Ópera de Rupert Julian Lon Chaney por encargo de Taormina Film Festival), composición de bandas sonoras y colaboraciones con directores Francesco Calogero (Visiones privadas), Anne Riitta Ciccone (El amor de María), la ciudad de Maselli (estreno en cines de un código privado), Nanni Moretti, la colaboración con el Festival de Cine de Taormina.
Ha compuesto la música para más de dos docenas de espectáculos, colaborando, entre otros, Ninni Bruschetta, Sammartano Giancarlo, Castellaneta Donato, Maurizio Marchetti, Walter Manfre, Duilio Del Prete, Amanda Sandrelli, Giancarlo Giannini, Arnoldo Foa.
Recibió la Mención Especial del Jurado en la Música Internacional de Cine para "Premio Mario Nascimbene de 2006".
Su primera grabación, "Eclipse" (1989, de vinilo) recoge composiciones para piano solo. Esto fue seguido por el álbum "La distancia de la Luna" (publicado en dos ediciones, 1996 y 2007), "The Sea" (2001) registró Yo vivo con Paolo Fresu y el quinteto de "sonido y el ritmo" y "Niñez" (2008), incluso para piano solo.
"La distanza della luna" de Giovanni Renzo 

miércoles, 15 de junio de 2011

Duke Ellington

Nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de la Casa Blanca y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque)" que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.
Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y grupo propio con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina  "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.
En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta  era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.
En 1955 vuelve  a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto.
A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.
Take the "A" train de Duke Ellington

sábado, 11 de junio de 2011

Ramin Bahrami

Nacido en Teherán, tuvo que abandonar su país a la edad de 5 años, junto con su madre y hermanos, a consecuencia de la revolución ayatolá, en la que perdería la vida su padre, un ingeniero persa encarcelado por este régimen.
Su familia fue ayudada a entrar en Italia, donde el joven Ramin comenzó a estudiar piano con Piero Rattalino, y más tarde se graduaría en el Conservatorio "Giuseppe Verdi" de Milán, continuaría sus estudios en la Academia de Piano "Incontri col Maestro" de Imola y en la Escuela de Música de Stuttgart con el maestro Wolgang Bloser. También tomaría clases magistrales de Alexis Weissenberg, András Schiff, Robert Levin, y sobre todo con la gran Rosalyn Tureck, la cual influiría notablemente en su predilección por el repertorio de Bach.
Su debut en el Teatro Bellini de Catania fue tan impresionante, que el Ayuntamiento le concedería ese mismo día la medalla de Ciudadano de Honor de Catania. A partir de ahí sería invitado a tocar en los más prestigiosos teatros y festivales de Italia.
En 2009 fue galardonado con el Premio "Città di Piacenza-Giuseppe Verdi", dedicado a grandes personalidades de la escena musical italiana
Está considerado como uno de los mejores intérpretes actuales de la música de Johann Sebastian Bach.
Adagio de Bach

lunes, 6 de junio de 2011

Lennie Tristano


Pianista, compositor y uno de los mejores profesores de jazz. Sus padres eran inmigrantes italianos. Durante su infancia tuvo una grave enfermedad que lo dejó ciego con tan sólo 9 años de edad, a raiz de ello, comienza a recibir sus primeras lecciones musicales en la escuela para invidentes de Chicago, su profesor de entonces ve en él unas extraordinarias cualidades, consiguiendo dominar media docena de instrumentos, lo cual hace que lo recomiende para entrar en el "American Conservatory" de Chicago, donde se gradúa en 1941.
Comienza a decantarse por el jazz más que por la música clásica, en principio llevado por la necesidad económica, y por supuesto también por el efecto que causa en él escuchar al gran Duke Ellington.
Su primer contrato fue para tocar el clarinete y el saxo en un club de Chicago y en 1945 grabó su primer trabajo que consistió en una sesión de piano solo titulada "Holiday in piano". Permanentemente asociado al cool jazz, algo siempre rechazado por él, su obra esta salpicada de obras maestras y rompedoras por su complejidad y modernidad.
En 1947 formó su primer trio a lo que sucedio una época muy exitosa en la que grabó varios discos y ganó importantes galardones. Tras una época de sequía, volvió a los estudios para grabar The New Tristano, donde se puede apreciar el notable cambio en su estilo, más incisivo y con una estructura rítmica más avanzada. Realiza una gira por Europa y EEUU tras la cual se se retiro para dedicarse a la docencia negándose a seguir actuando a pesar de las presiones de discográficas y aficionados.
Virtuoso del piano e ideólogo (casi más que profesor) de jazz le describen como una especie de ser frío y calculador, casi inhumano. En lo estrictamente musical, su obra y enseñanzas promueven un estilo lineal de improvisación, exento de clichés y con toda la carga polirrítmica en manos de los solistas, mientras los baterías se limitan a poco más que marcar el compás.
Tangerine de Lennie Tristano - Copenhague 1965

sábado, 4 de junio de 2011

Janina Fialkowska


Comienza sus estudios de piano con su madre a la edad de 5 años. A los 9 años ingresa en la Escuela de Música "Vicent d'Indy" de Montreal (Canadá), a los 17 ya es Maestra de música por la Universidad de Montreal. Marcha a París y recibe clases de Yvonne Lefebure durante 2 años, después continuará sus estudios en Nueva York, en la prestigiosa Escuela de Música "Juilliard" recibiendo las clases de Sascha Gorodnitzki.
Ha dado recitales en Canadá, Polonia, Francia, Israel y ha actuado con las más prestigiosas orquestas.
Ha obtenido numerosos premios: Concurso Internacional de Piano de Montreal, Concurso Internacional de Piano Arthur Rubinstein...
Precisamente, el mismo Arthr Rubistein dijo de ella en 1975: "Para mí ha sido una revelación; nunca he oído interpretar la gran Sonata de Liszt con la fuerza, el temperamento, la comprensión y la belleza de sonido y, sobre todo, con la emoción y ese completo dominio técnico. Su sorprendente bagaje técnico es simplemente un instrumento que ella utiliza para su profundamente sentido amor por la música de los maestros. No puedo recomendar lo bastante a una joven artista de tal calibre y lo hago solamente para proporcionar a mis fieles públicos en todo el mundo, el mismo gozo que yo sentí escuchándola."
Es de reseñar, que en 2002 se le detectó un tumor en su brazo izquierdo del que se operó, y esto la obligó, mientras se recuperaba, a dar conciertos sólo para su mano derecha, durante casí 2 años.
Ha dado más de 2000 conciertos en todo el mundo, y aún sigue deleitando al público con sus grandes interpretaciones.
Nocturno de Chopin nº 1 en Si Mayor Op 61

viernes, 3 de junio de 2011

George Winston

El mismo se auto describe como un pianista de folk rural. Influido por el rock, blues, jazz y R&B, George Winston comenzó a tocar el órgano y el piano eléctrico después de terminar el instituto en 1967. En 1971 después de oir discos de los legendarios pianistas Thomas "Fats" Waller y Teddy Wilson, se pasó al piano acústico. Por ese tiempo empezó a trabajar con su propio estilo musical, creando sus propias composiciones y arreglando otras piezas. La música que George hace es difícil de clasificar, en general se puede describir como "piano folk".
Fue uno de los primeros artistas que comenzaron a promocionar la música instrumental contemporáneo, estilo que más tarde adoptaría el nombre de New Age y una de sus más brillantes promesas. Aún siendo un niño, Winston prefirió la música instrumental a aquella que llevaba algún tipo de apoyo vocal, contando entre sus héroes de niñez a Booker T. and the MGs, Floyd Cramer, o The Ventures. No tiene ninguna experiencia directa con la música hasta el bachiller, comenzando en un primer momento con teclados electrónicos y sintetizadores, para pasar en 1971 al piano. Influido pianistas como Fats Waller y Teddy Wilson, Winston prueba con estilos como el rock, el R & B y el jazz, y pronto saca su primer disco “Ballads and Blues”.
Tras descubrir la música de la legendaria Nueva Orleáns, con su R & B particular, los alardes pianísticos del Profesor Longhair... en 1979 la inspiración vuelve a Winston y firma con Windham Hill.
Entre 1980 y 1982 graba una trilogía impresionista formada por los títulos: "Autumm"(1980), "Winter into Spring"(1982), "December"(1982), ("Summer" tendría que esperar hasta 1991) con sensacionales temas que sentarían la base a seguir de la música New Age. La música de Winston continua creciendo en popularidad e influenciando a la música que se publicaba durante esos años, pero estando en un momento álgido de su carrera, decide desaparecer, hasta que en 1986 reaparece para la lectura de una obra de la actriz Meryl Streep titulada The Velveteen Rabbit.
Finalmente, en 1991, vuelve a la acción, para completar su ciclo estacional con “Summer”; “Forest” le seguiría tres años despues.(1994- por el que recibió un Grammi en 1995). También realizó un trabajo en piano para una historia de Charlie Brown llamada "This is America, Charlie Brown-The birth of the Constitution"(1988), y posteriormente una grabación con guitarra sola en "Sadako and The thousand paper cranes"(1995).
En 1996 publicó "Linus & Lucy - The Music of Vince Guaraldi ", de gran influencia jazzística. En los conciertos que ha dado por España hemos podido disfrutar de uno de sus últimos aciertos: la guitarra tradicional hawaiana, que tiene la particularidad de tener ocho cuerdas. Edita un recopilatorio “All the Seasons of George Winston” en 1998 y al año siguiente publica “Plains”.
http://www.georgewinston.com/us/home
Arreglos sobre el Canon de Pachelbel