Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.

domingo, 14 de diciembre de 2014

Fazil Say

Pianista y compositor turco, Fazil Say nació en Ankara el 14 de enero de 1970. Es hijo de Ahmet Say, un destacado musicólogo y escritor turco.
Fazil Say empezó a estudiar piano con Mithat Fenmen, que a su vez había sido alumno del afamado Alfred Cortot en París. Percibiendo el talento que tenia su alumno, Fenmen le pidió que cada día intentase improvisar temas relacionados con su vida cotidiana, antes de seguir con los ejercicios y estudios de piano convencionales. Este contacto con procesos y formas de creación libres son la fuente del inmenso talento estético y de improvisación que hacen de Fazil Say el pianista y compositor que es en la actualidad. 
Le han encargado componer obras para el Festival de Salzburgo, WDR, Dortmund Kontzerthaus, los festivales de Schleswig-Holstein y Mecklenburg-Vorpommern y la Bienal de Munich entre otros. Su producción musical incluye piezas para teclado solista, música de cámara, conciertos para solistas y composiciones para grandes orquestas.
Desde el año 1987 Fazil Say afinó sus habilidades como pianista clásico con David Levine, primero en la Escuela Superior de Música Robert Schumann de Düsseldorf y después en Berlín, constituyendo su base estética para sus interpretaciones de Mozart y Schubert. Su extraordinaria técnica le permitió con gran rapidez y facilidad dominar los llamados “caballos de guerra” pianísticos. Es precisamente esta mezcla de refinamiento en Bach, Haydn y Mozart y la brillantez de virtuoso en las obras de Liszt, Mussorgsky y Beethoven lo que le llevó a ganar el Young Concert Artists del año 1994 en Nueva York. Desde entonces ha tocado con las orquestas y directores más famosos de América y Europa construyendo un repertorio multifacético que engloba a Bach, clásicos vieneses (Haydn, Mozart y Beethoven), compositores románticos, hasta la música contemporánea, incluyendo sus propias composiciones para piano.
Como artista invitado, Fazil Say ha viajado por innumerables países de los cinco continentes, el diario francés “Le Figaro” lo calificó como “genio”. Además, actúa regularmente como músico de cámara, forma un dúo fantástico con la violinista Patricia Kopatchinskaja y entre los músicos notables que actúan con él, podemos nombrar a la violoncelista argentina Sol Gabetta, el Borusan Quartet de Estambul y otros instrumentistas turcos. Desde el año 2005 hasta el año 2010 fue artista en exclusiva en el Dortmund Konzerthaus, durante la temporada 2010/2011 fue artista en residencia en el Berlín Konzerthaus y fue punto focal del programa del festival de Schleswig-Holstein en el verano del año 2011. Ha sido artista en residencia y actuado en festivales también en París, Tokyo, Meran, Hamburgo y Estambul.Durante la temporada 2012/13ha sido artista en residencia en el Hessischer Rundfunk de Frankfurt / Main.
Sus grabaciones de obras de Bach, Mozart, Beethoven, Gershwin y Stravinsky han sido muy elogiadas por la crítica y ganado muchos premios. Desde el año 2003 Fazil Say tiene un contrato en exclusiva con el sello discográfico Naive. Vive en Estambul y tiene una hija.
Con su extraordinario talento como pianista, Fazil Say ha conmovido durante los últimos 25 años al público y a la crítica, de un modo que empieza a ser extraño en el mundo de la música clásica, cada día más materialista y organizado. Los conciertos de Fazil Say son distintos, directos, abiertos, emocionantes y llegan directamente al corazón. Eso es exactamente lo que pensó en el año 1987 el compositor Aribert Reimann en una visita a Ankara al poder escuchar al joven pianista con diecisiete años. Inmediatamente pidió al pianista estadounidense David Levine, que viajaba con él, que lo acompañara al conservatorio, utilizando la frase ya famosa: “Debes escucharlo, este chico toca como un demonio.”
Marcha Turca de Mozart, con un toque de jazz, por Fazil Say.
Sonata nº 23 en FA menor "Apassionata" de Beethoven
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Beethoven
Rapsodia en azul de Gershwin
Sinfonía de Estambul de Fazil Say
Varias interpretaciones,

sábado, 20 de septiembre de 2014

Derek Paravicini

Derek Paravicini nació en Londres el 29 de Julio de 1979. Nacido prematuramente, con 25 semanas y poco más de un kilo de peso, perdió la vista y posteriormente se descubrió que presentaba rasgos de autismo severo. Pero con apenas 2 años empezó a tocar él solo el piano.
Es un virtuoso del piano pero para él tocar este instrumento va más allá de la música, es la única forma que tiene de comunicarse con la gente porque es ciego y además autista y por eso, dice su profesor, Adam Ockelford, nunca está solo cuando interpreta.
"La música es su pegamento social, lo que le permite comunicarse" asegura Ockelford, profesor del joven durante cerca de 30 años: "Derek ama la música, pero más importante que su amor a la música es que ama a las personas. Y la música es la forma de llegar a ellas".
Afable y educado, Paravicini interpreta de memoria al piano las melodías que los periodistas le piden en un encuentro en el que se ha presentado la iniciativa de la Fundación Orange de traer a España a este músico y a su profesor para explicar cómo la música ayuda a los niños que padecen autismo.
Y es que Derek tiene un repertorio de decenas de miles de piezas que puede tocar en cualquier estilo y tono, música a la que aporta su creatividad y que innova constantemente, ya que es la forma que tiene de comunicarse con la gente que le rodea.
"Conocí a Derek cuando tenía 5 años", relata Adam Ockelford, entonces profesor de la escuela Linden Lodge para ciegos en Londres: "estaba al piano, y él me empujó y empezó a tocar. Parecía que quería tocar todas las notas a la vez, utilizando golpes de artes marciales, codos y su propia nariz. Como no podía ver, no sabía cómo debía tocar pero yo nunca había visto a nadie, y mucho menos a un niño, tocar con tanto entusiasmo".
El profesor tenía un difícil reto: "¿Cómo podía enseñarle si no me dejaba acercarse a su piano?. Como era pequeño, le cogía, le llevaba a un rincón y eso me daba diez segundos para regresar corriendo al piano y tocar unas notas, hasta que él llegaba", un juego que le pareció interesante porque el niño "no entendía las palabras pero sí entendía muy bien la música".
A su lado, el joven músico remarca todas las afirmaciones que va realizando su profesor, que continúa con la historia de este niño que a los 10 años tocó junto a la Royal Philarmonic Pop Orchestra su primer gran concierto, el primero de muchos otros que lleva interpretando desde entonces.
Porque a Derek le gusta tocar en público y así lo demuestra hoy en su primera visita a Madrid y a España, donde esta tarde interpretará un concierto y participará en un taller en el Colegio Oficial de Médicos de Madrid, en el que Adam Ockelford dará una conferencia para educadores, médicos y profesores.
El profesor se dio cuenta de que muchos niños con necesidades especiales tenían una extraordinaria habilidad para la música, línea de trabajo que le llevó a establecer la teoría "zygonic" del entendimiento de la estructura musical, que sostiene que la imitación, algo que puede darse en cualquier campo de la percepción sonora y en todos los niveles, es la máxima potencia en música.
Pero lo que hace especial a este joven ciego y autista es que no copia la música, sino que introduce su personalidad en ella.
Mientras habla con algún periodista, el profesor continúa pendiente de Derek que interpreta de memoria las melodías que le van pidiendo y de vez en cuando le anima con alguna palabra para que sepa que se encuentra cerca.
Aunque sea una canción que desconozca, si su melodía es repetitiva o sencilla, a Derek le basta escucharla una sola vez par poder interpretarla. Si es más larga y complicada, necesita varias horas para poder tocarla al piano de memoria.
"Compuse un concierto para él con 11.000 notas para tocar con orquesta y solo necesitó 50 horas para saber su parte", dice.
Lo más sorprendente es que puede acordarse de la música que le pidió una determinada persona aunque hayan transcurrido muchos años, explica Ockelford durante la rueda de prensa, en la que Derek contesta algunas preguntas y subraya las explicaciones de su profesor: "I did, yes" (Lo hice, sí), señala cuando su maestro recuerda alguna de sus vivencias.
Ockelford insiste en la necesidad de que se "escuche" a los niños que padecen el transtorno del autismo: "todos quieren comunicarse".
Popurrí de obras demostrando su fabulosa memoria y virtuosismo
Con su profesor Adam Ockelfor en una demostración
Documental sobre él mismo

lunes, 8 de septiembre de 2014

Luis Lugo



Luis Lugo nació en La Habana, Cuba. Recibió una herencia musical de sus padres que resulta clave en su futura formación; su madre Mercedes Lugo fue profesora de piano y directora de coros y su padre Manuel Borges fue un  verdadero aficionado virtuoso del piano. Comenzó sus estudios a  temprana edad y continuándolos por once años en la Escuela Provincial de Música “Amadeo Roldan” de la Habana. Cuando cursaba el quinto año del nivel  elemental fue invitado por el vicerrector del conservatorio Tchaikovsky de Moscú Mtislav Smirnov a continuar sus estudios de piano en la famosa escuela central del conservatorio Tchaikovsky de Moscú.
Meses más tarde se vincula con el eminente pianista ruso Rudolf Kerer, siendo audicionado periódicamente durante esos años.
En sus años estudiantiles Lugo fue galardonado con diferentes premios como reconocimiento a su exitoso desempeño en los diferentes escenarios de Cuba como artista de la “Agrupación nacional de conciertos” del Ministerio de Cultura de Cuba: Diploma de destacados festivales I, II de jóvenes intérpretes de la Habana, Festival Barroco, diplomas de honor y excelencia del Conservatorio Amadeo Roldán, tercer premio en el concurso nacional de piano “Amadeo Roldan”, giras a los centros artísticos más importantes de Cuba.
Estudio en el Instituto Superior de la Habana con el joven pianista ruso Valery Kamichov (laureado con el 2do. premio del concurso internacional Tchaikovsky de Moscú 1962 alumno de Flier), que lo prepara para el Concurso Internacional de Piano en Moscú.
Tras una prueba de oposición ingresa en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú en la clase del laureado profesor y artista emérito de Rusia “Profiesor” Rudolf Kerer. También recibió clases con Irina Smorodinova (maestro asistente de Rudolf Kerer, ex alumna de Emil Guilels y laureada del concurso Internacional Margaret Long de París) y con Víctor Nosov (vise decano de la facultad de Piano del Conservatorio Tchaikovsky.
Obtuvo los títulos de pianista concertista, Licenciado en Música, Profesor y la disposición especial “Máster of Fine Arts.” del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, tras un brillante examen donde obtuvo el máximo de puntuación con las sonatas de Scarlatty, sonata en h moll de Liszt y el concierto 3 de Rachmaninoff en re menor para piano y orquesta.
Los años posteriores al regreso de Moscú fueron de intensos viajes por toda Cuba integrando diversas delegaciones artísticas en representación de la Agrupación Nacional de Conciertos del ministerio de cultura   y de profundización en sus estudios académicos en diferentes escenas del arte y adquiere una gran experiencia ejecutiva en el área de la gestión cultural: Postgrado de Estética del Instituto Superior de Arte de la Habana, Postgrado de Historia del cine de la Universidad de la Habana, Profesor del Instituto Superior J. Varona y del Instituto Superior de Arte de la Habana, Presidente de Música de la Asociación de Jóvenes Talentos Hermanos Saiz de La Habana y de Santiago de Cuba, especialista y asesor de la dirección de arte de la provincia de Pinar del rió, y secretario ejecutivo de la comisión de desarrollo provincial, y jefe del departamento técnico artístico de la empresa artística de Pinar del Rió, Director musical del Festival Internacional de Boleros de Oro '95. de La Habana, miembro del consejo técnico de Ciudad de la Habana, sustituto del director de la empresa artística “Adolfo Guzmán”, asesor del grupo base material de la dirección de música del ministerio de cultura de Cuba, artista exclusivo de la Albert S. L. de España '92, artista exclusivo de Latín Touch Entertaiment Londres '93, participaciones en los festivales de música “Santiago 84”, Festival Internacional “Lecuona” en la Habana y profesor –repertorista de música opera  lírica y música popular en canto.
Lugo durante su estancia en Moscú actuó  en diferentes ciclos y  festivales organizados para estudiantes extranjeros, realizo   un ciclo de recitales en el Museo Gorki de Moscú, conciertos en la ciudad de  Sochi en el Mar Negro y en el concurso Internacional Vioty de Italia entre otros.
Lo más significativo:
Inauguro el ciclo de Recitales magistrales de la Agrupación Nacional de Conciertos de Cuba con la mayoría de las obras Liszt en la Iglesia de Paula.
En el  centenario de la muerte de F.Liszt, ofreció un ciclo de tres recitales con las obra más importantes de Liszt.
En 1987 realizó la serie de siete recitales: “Gran Piano”, en el Museo de la Música de la Habana y un ciclo de conferencias y conciertos por un total de 24 hs en el Centro Universitario de Pinar del Rió, por lo cual recibió un reconocimiento especial.
Entre el 1987-88 realizo 2 recitales “Cuba-Máster Piano” en uno de los mayores e  importante de Cuba, el teatro Mella de la Habana (“Tres grandes sonatas del romanticismo”: la sonata no.2 de Chopin, sonata en  si menor de Liszt y la sonata 2 de Rachmaninoff, y el segundo recital “Chopin”,
, y un nuevo ciclo de recitales en la nueva sala Caturla con todo un extenso repertorio de obras universales destacándose el recital “Lecuona in memorian”.

Entre el 1985-91 realizo un ciclo de  20 actuaciones en la sociedad de Periodistas  de Cuba y en el Centro Internacional de prensa con obras clásicas y de la música cubana
1991-92  durante su estadía en Londres recibió invitaciones a actuar en festivales internacionales como “Gran Gran Fiesta” de la Royal Festival, Waterman Centre y Caning House.
En el año 1992 fue elegido  miembro de la prestigiosa asociación “Unión Nacional de Artistas de Cuba”, que agrupa a los artistas más prestigiosos de Cuba.
Lugo formó parte del jurado del primer festival Lírico de la Habana y del Quinto Festival Internacional y Concurso de música de Buenos Aires realizado en el Teatro Colón de Buenos Aires, impartiendo clases magistrales en dicho evento.
A partir del año1995 Lugo irrumpe en la escena artística y social de Argentina, participando en la mayoría de los programas de la televisión abierta y de cable. Desde entonces se ha convertido en una figura prominente, actuando regularmente en los escenarios más importantes de la música clásica y popular incluyendo la mayoría de los festivales de Jazz, Músicas del Mundo y Música Clásica de Argentina.
2002 participo del V festival internacional de música de Buenos Aires en el teatro Colon junto a Sandra Borges Lugo Ariosa.
En el 2003 realizo cuatro recitales en la sala grande del Teatro Colón de Buenos Aires y coordinó el ciclo internacional: “El piano: reflejo de la evolución social del hombre”, con cinco fechas, en el marco del Sexto Festival Internacional de Buenos Aires
Ha sido recibido y elogiado por su trabajo de difusión de la cultura cubana, colaboración y apoyo a artistas locales por instituciones y gobiernos. Su concierto “Luis Lugo piano de Cuba” fue declarado de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación Argentina y de Uruguay. Igual declaración cultural recibió de manos de las ciudades de San Juan, provincia de Buenos Aires, Jujuy, Formosa ,2 en Mar del Plata, Chacabuco, General Pico, Santa Rosa, Salta y huésped de Honor de la Universidad de Rosario en Argentina y su concierto itinerante The Cuban Experience fue declarado de interés parlamentario por la Honorable cámara de diputados de la nación argentina.
Ha actuado en Brasil, España, Italia, Rusia, Gran Bretaña, Angola, Cuba, Chile, Suiza, Ucrania y Argentina.
Su actual repertorio incluye la mayoría de las grandes obras de todos los tiempos, principalmente del romanticismo de Chopin, Liszt, Scriabin, Rachmaninoff, Cesar Frank, Ravel, Prokofiev, autores a los que les imprime un carisma especial ante el público.
Sus inquietudes musicales lo han llevado a diferentes planos de la creación artística como la composición en el terreno de la música clásica ,sinfónica y popular, con un marcado interés en  la trascripción de material temático de obras populares y autóctonas ,situando en la categoría de conciertos el folklore y temas latinos ,incursionando en el mundo de la improvisación jazzística y la música cubana e incorporando a su vez toda la técnica espectacular del mundo electrónico y el láser con los sonidos computarizados, acordes a las exigencias sonoras contemporáneas
Además de sus actividades como compositor y pianista, Lugo ha desarrollado una intensa actividad docente, periódicamente es invitado a dar conferencias y a ofrecer clases magistrales sobre música, estética del piano y técnica pianística en numerosas universidades de San Luis, Católica de Argentina universidad de Sta. fe, Universidad de Mendoza, Festival de música del teatro Colon de Buenos Aires, conferencia en el Congreso de educación en la universidad de Córdoba. Ha ofrecido master clases para Projazz de Santiago de Chile, Universidad Católica de Temuco en Chile. Por el Bicentenario de Liszt ofreció clases y conferencias magistrales en el Conservatorio de Bell Ville donde fue declarado de interés cultural y el conservatorio Gianneo en Cruz del Eje.
Sus últimos “conciertos recitales” como el cierre del mes de los Afrodescendiente en la Av. De Mayo en la ciudad de Buenos Aires, al igual que su presentación en el festival internacional de Percusión de Mar del Plata 2013 recibió los máximos elogios y éxito de público para él y su cantante Jezz Milner.
Ha colaborado con diferentes artículos para algunos medios de prensa en Cuba y revistas en Argentina.
Ha sido profesor y asesor de grandes intérpretes de la actual pianística argentina que han sido ganadores de  premios nacionales en diversos certámenes (Ariel Mansur y Natalia Gonzales 1ro y 2dos premios del concurso organizado por “Festivales Musicales”), iguales reconocimiento recibieron la importante pianista cubana Madaryz Verdecia entre otros ex alumnos que trabajan en distintas universidades de América Latina 
Lugo es también un compositor con un catálogo de obras que incluyen conciertos, sonatas, rapsodias para piano, con orquesta e instrumentos de percusión cubana y música de jazz-cubano y numerosos arreglos y paráfrasis virtuosas de autores cubanos como Lecuona y Cervantes; también escribió obras para teatro musical como “Cuba: Mitos y Leyendas”, para piano solista, banda magnetofónica y 3 actores. Su último trabajo se titula Concierto “Lecuona” para piano, percusión cubana y gran orquesta sinfónica.
El lenguaje musical de Lugo es la combinación del complejo rítmico cubano-africano con su intelecto académico clásico. Su música es fundamentalmente una síntesis entre la cultura clásica universal con un lenguaje muy técnico de la música cubana.
En el pianismo de Lugo se reconocen las influencias de los prominentes pianistas Chucho Valdés, Gonzalito Rubalcaba, Ernesto Lecuona, Keith Jarret, Horowitz, y Alfred Cortot.
En la actualidad prosigue con incontables giras y conciertos por diferentes partes del mundo.
Preside AfroCubanConcertMusic contenidos y desarrollo  artísticos, Agencia con lo cual impulsa proyectos socio culturales en materia discográfica y desarrollo de carreras artísticas, para talentos, cuya finalidad es lograr un impacto de alcance global.
"Hadas" de Luis Lugo
"Rachmaninoff experience"
"Oblivion"
VI festival internacional de música, Teatro Colón de Buenos Aires
Alfonsina y el Mar

sábado, 24 de mayo de 2014

Vijay Iyer


El compositor y pianista Vijay Iyer nació en Albany, Nueva York, el 26 de octubre 1971, está considerado como “uno de los más interesantes y vitales pianistas jóvenes del jazz actual”. La revista cultural The New Yorker le define como uno “de los pianistas más importantes de hoy en día… exageradamente dotado… brillantemente ecléctico”.

Esta joven estrella de origen hindú que fue elegido en 2010 músico del año por la asociación de periodistas de jazz lleva dieciséis discos publicados.

Entre ellos, “Tirtha” (2011), “Solo” (2010) y el multipremiado “Historicity” (2009) en el que participó el trío de Vijay Iyer (Iyer al piano, Marcus Gilmore a la batería y Stephan Crump al contrabajo). Un disco elegido mejor álbum de jazz del año por The New York Times, entre otros imporantantes medios.

Comenzó a tocar el violín clásico con tan sólo 3 años, completando su formación durante 15 años, sin embargo el piano comenzó a tocarlo de forma autodidacta y de oído, pasando a la improvisación deslumbrado por Art Tatum o Cecil Taylor, las categorías “no sirven”, dice, en su forma de ver el mundo. Tampoco en su labor docente en Harvard, donde imparte un curso sobre música en el que cabe Stravinski o Sun Ra, Debussy o Amiri Baraka.

Sus composiciones han sido interpretadas por Ethel, JACK, Brentano String Quartet, American Composers Orchestra, Hermès Ensemble e Imani Winds.

Iyer es un hombre polifacético cuya carrera se ha extendido por las ciencias, las humanidades y las artes, cuenta con una licenciatura en Matemáticas y Física por la Universidad de Yale, además de una Maestría en Física y un Doctorado en Tecnología y Artes por la Universidad de California en Berkeley.
Jazz Báltica 2011
Solo de Vijay Iyer
Improvisación en el Poder mágico del sonido
TriVijay Iyer

jueves, 1 de mayo de 2014

Ivo Pogorelich


Ivo Pogorelich nació en Belgrado, antigua Yugoslavia en el año 1958. Empezó a estudiar piano a los siete años. A los doce, él y su familia se trasladaron a Moscú después de haber pasado su infancia en Yugoslavia. Allí estudió en la Escuela Central de Música (1969-1974) con Evgeny Timakin. Más tarde se graduó en el Conservatorio Chaikovski de Moscú. En 1976 se convirtió en alumno de Aliza Kezeradze, con la que estudia intensamente y que le transmite la tradición de la escuela Liszt-Ziloti. Se casan en en 1980 y permanecen juntos hasta 1996, año en que su esposa muere. A partir de entonces cesan sus grabaciones y sus conciertos más espaciados en el tiempo.
Tras terminar la convalecencia de una seria enfermedad, en 1978 ganó el Concurso Casagrande en Terni, Italia, y en 1980 el Concurso Musical Internacional de Montreal. Paradójicamente, el escándalo provocado por la pianista argentina y miembro del jurado Martha Argerich por su eliminación en las semifinales del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin en Varsovia en 1980, le supuso el salto a la fama internacional gracias a la enorme repercusión mediática que tuvo el enfado de la gran pianista, quien abandonó el jurado declarando que "Pogorelich es un genio".
Su primer concierto lo recitó en el Carnegie Hall en 1981, debutando también en Londres el mismo año. Desde entonces, ha dado varios conciertos como solista y ha tocado con varias de las orquestas más prestigiosas del mundo: Orquesta Sinfónica de Boston, Orquesta Sinfónica de Londres, Orquesta Sinfónica de Chicago, Orquesta Filarmónica de Viena, Orquesta Filarmónica de Berlín, Orquesta de París, entre muchas otras.
El enfoque musical de este pianista serbio es bastante particular. En cierta forma hasta se puede considerar como un verdadero excéntrico. Cuando se presenta ante el público no lo hace con la tradicional etiqueta, sino en ropa de cuero. Sus “tempos” son verdaderamente originales. Esto lo comprobamos cuando lo comparamos con otros pianistas. Es el caso de la Sonata N°3, op.58 de Chopin.
Posee un excelente fraseo y colorido. Da la impresión como si estuviera “dibujando” en el piano. Pone toda su riqueza emocional en sus interpretaciones. En 1988 fue nombrado como “Embajador” de buena voluntad nada menos que por la Unesco. 
Su repertorio es bastante extenso pues ejecuta y graba obras de Bach, Beethoven, Brahms, Chopin, Liszt, Mozart, Músorgski, Prokófiev, Rachmaninoff, Ravel, Scarlatti, Scriabin y Chaikovski.
"Para Elisa" de Beethoven
 Sonata nº 2 de Chopin
Suite inglesa nº 2 de Bach
Sonata nº 31 de Haynd
Sonata nº 11 de Mozart

miércoles, 26 de marzo de 2014

Stanislav Ioudenitch

El pianista Stanislav Ioudenitch es ampliamente reconocido por su fuerte personalidad y convicción musical. Su arte le valió la Medalla de Oro en la 11 Van Cliburn Concurso Internacional de Piano, en la que también se llevó a casa el Premio en Memoria de De Groote Steven a la Mejor Interpretación de Música de Cámara.
Nacido en 1971 en Tashkent, Uzbekistán, Ioudenitch se ha anotado premios en los concursos Busoni, Kapell, Maria Callas, y Nueva Orleans, entre otros. Fue alumno de Dmitri Bashkirov, también estudió con Leon Fleisher, Murray Perahia, Karl Ulrich Schnabel, William Grant Naboré y Rosalyn Tureck. Estudio en la Fundación Internacional de Piano de Italia, la actual Academia Internacional de Piano Lago. Posteriormente, se convirtió en el profesor más joven invitado a dar clases magistrales en la Academia.
Ioudenitch ha colaborado con James Conlon, James DePreist, Günther Herbig, Asher Fisch, Stefan Sanderling, Michael Stern, Carl St. Clair y Justus Franz, y con orquestas como la Filarmónica de Munich, la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, DC, la Filarmónica de Rochester , la Honolulu Symphony y la Orquesta Filarmónica Nacional de Rusia. También ha actuado con la Takács, Prazak, Borromeo, y cuartetos Accorda y es miembro fundador del Trío con piano Park.
Ha actuado en el Carnegie Hall de Nueva York, el Kennedy Center, el Gasteig en Munich, el Conservatorio Verdi de Milán, el Internacional Performing Arts Center en Moscú, la ciudad prohibida en Beijing Concert Hall, el Théâtre du Châtelet de París, Bass Hall en Fort Worth, Jordan Hall del Conservatorio de Nueva Inglaterra, el Orange County Performing Arts Center en California, y el Festival de Música de Aspen, en Colorado.
Grabaciones de Ioudenitch incluyen Stanislav Ioudenitch , medallista de oro , 11 de Van Cliburn Concurso Internacional de Piano para Harmonia Mundi y Trois Mouvements de Petrouchka producido por Thomas Frost. También apareció en jugando en la orilla , el documental ganador del premio Peabody de Peter Rosen para PBS sobre la competición Van Cliburn 2001 y en el PBS Concierto serie. Además de Lago de Como, ha dirigido clases magistrales en el Piano Institute Cliburn-TCU en Fort Worth, en la Universidad de Stanford, la Universidad de Cornell, la Universidad Nacional de Seúl, y el Instituto Internacional para Jóvenes Músicos de Miami.
En la actualidad es profesor asociado de la Música y el Director Artístico del Conservatorio de Música de la Juventud en el Centro Internacional para la Música en University Park en Missouri, EE.UU..

Concierto nº 1 para piano y orquesta de Tchaikovsky
Reportaje del premio Cliburn 2001 en el que alcanzó la medalla de oro

sábado, 15 de marzo de 2014

Stevie Wonder


Stevland Hardaway Judkins nació en, Saginaw, Míchigan, el 13 de mayo de 1950,ciego de nacimiento y tercero de una familia de 6 hijos. Hijo de un pastor protestante y de una madre luchadora, su ceguera le obligó a cambiar su forma de comunicarse con el mundo, sustituyendo las formas por notas, la luz por melodías y los contornos por ritmos, creando un mundo musical lleno de matices.
Sus padres, se separan cuando el pequeño Stevie tenía 5 años, trasladándose junto a su madre y 5 hermanos a Detroit, donde sobreviven no sin grandes esfuerzos. Su voz -fuera de lo normal- hace que su madre lo ingrese en el coro de la iglesia; es su primer contacto con la música. Pero su alma, llena de ritmo y swing, hizo que no tardara en reunirse con otros "negritos" de la parroquia, siguiendo los pasos de "The Miracles" y otros grupos de Rythm & Blues o Jazz, dedicándose a hacer numeritos en las calles del barrio. Eran 5 endiabladas criaturas moviéndose con unos ritmos frenéticos e interpretando una música pagana. Esto hizo que una feligresa denunciara tal "aberración" e interrumpió momentáneamente los comienzos musicales de Stevie, que tuvo que conformarse con oir música en su programa de radio preferido, Sundown y soñar con un piano. La suerte, en este caso sonrió al pequeño Stevie, e hizo que una organización benéfica le regalara una batería, que aunque no era el piano soñado, le sirvió para empezar a crear ritmos. Comienza a tocar con más frecuencia y participa en un grupo con un primo suyo, quien le proporciona una audición para la casa discográfica Tamla-Motown, donde es inmediatamente contratado al quedar encandilados con este personajillo de 11 años.
En los 60, la incipiente casa de discos Motown, creada por negros para producir música negra en un medio blanco-hostil, le rebautiza  como Little Stevie Wonder. La Motown lo lanza y no tardará en alcanzar su primer éxito, "Fingertips"  una canción bailable grabada en directo que le hace conseguir su primer disco de oro y convertirle en una pequeña estrella. A esta edad, 13 años, Stevie es ya un músico y compositor consumado y empieza a codearse con los grandes como Marvin Gaye.
Según van pasando los años decide suprimirse el "little" de su nombre artístico y empieza a grabar  una serie de discos producidos por Clarence Paul. Su voz le estaba cambiando, le creció el bigote y esperaba que en los conciertos las chicas le arrojaran números de teléfono. A su madre le preocupaba que la música descuidara sus estudios y contrató un profesor privado para que viajase con él.
Los éxitos en esta época no le dieron de espalda y a pesar del trabajo que le costaba el eliminar la coletilla de "little Stevie" surgieron grandes temas como "uptight" o "I Was Made To Love Her".
La década de los 70 es la más gloriosa de Stevie. Se quitó definitivamente la coletilla de "pequeño Stevie" desde el momento en que se casó con Syreeta Wright, que trabajaba en el departamento de distribución de la Motown. Colaboró en composiciones de los primeros álbumes de Stevie de los setenta, y aunque su matrimonio no duró mucho, siguieron siendo muy buenos amigos hasta su muerte en el 2006. Tras divorciarse de Syreeta, se volvió a casar con otro miembro de la Motown, Yolanda Simmons, con la que tiene 2 hijos, Aisha Zakiya y Keita Sawandi.
Stevie tomó contacto y postura de la situación social y política del pais, involucrándose abiertamente en los conflictos de su generación.
Stevie conoció a Johanan Vigoda, abogado que le orientó en el complicado mundo de la música y los negocios. La simbiosis que tuvo con él, hicieron que Stevie consiguiera un contrato millonario y una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos en una compañía tan férrea como lo era la Motown. Stevie le dijo:" Tú haces lo mejor que puedas con los negocios y con el dinero, yo hago lo mejor que pueda para dar el mejor producto, asi cualquier cosa que pidas será razonable. El resultado fue un contrato por 7 años y trece millones de dólares.
En el verano del 73, el vehículo en que viajaba sufrió un accidente con un  camión, permaneciendo en coma con momentos en los que se temió por su vida. Se dice que durante el periodo en coma sólo respondía moviendo sus dedos cuando su mánager le cantaba al oído la letra de "Higher Ground". Luego de un tiempo despertó, pero perdió el sentido del olfato, contando así con sólo tres de los cinco para el resto de su vida. Todo esto le causó profunda huella, y le cambió la forma de percibir la realidad que le rodea, y por supuesto su música.
De  1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres "Albumes del año" seguidos por "Innervision", "Fullfillingness first finale" y "Songs in the Key of Life" , para muchos uno de los mejores discos de la música.
Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie. Precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época. Tuvo un paréntesis en el 78, que fué agradecido en la recogida del Grammy al mejor Álbum del año por el ganador de ese año, "gracias Stevie por no sacar disco este año y permitir que sea yo este año el que lo reciba".
Las canciones de esta época estaban llenas de vivencias trascendentales y próximas al Gospel, otras llenas de vitalidad, declaraciones de principios, y plasmación de una realidad y conflictos sociales. La década acaba con una banda sonora para el documental "La vida secreta de las plantas", que a pesar de no tener el éxito comercial del disco anterior, se le concedió el disco de platino, pese a que la película no se presentó al público en general.
Los 80 empiezan con un nuevo trabajo de Stevie Wonder, "Hotter Than July", con ritmo de reggae gracias a su nuevo hit, "master blaster", y se abre a una audiencia más amplia. Lucha para conseguir que el día de nacimiento del premio Nobel de la paz, Martin Luthero King,  fuese considerado dia festivo en estados Unidos. La década  acaba siendo incluido en el  Rock and Roll Hall of Fame en 1989.
Hace colaboraciones  importantes como "Ebony and Evory" con Paul McCartney, "Just Good Friends" con Michael Jackson, junto a Dionne Warwick, Elton John y Gladys Knight en "That's What Friends Are For" con la que consigue un Grammy y en "We Are The World" para el Usa for Africa, la lista sería casi inacabable.
En 1984 lanza "La mujer de Rojo", para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un notable éxito. Su hit "I Just Call To Say I Love You" gana el Oscar a la mejor canción original, y en España una de sus canciones "Don`t Drive Drunk" forma parte de la campaña de la Dirección General de Tráfico.
No fue una época muy pródiga de lanzamiento de discos, de hecho esa será lo habitual hasta nuestros días, pero aun así, produce grandes éxitos con el nombre de "Musiquarium", que cuenta con cuatro temas inéditos de un nivel altísimo, además de una selección de canciones imprescindibles. "In Square Circle", donde de nuevo pudo colarse en las listas de éxito y "Caracteres", álbum bastante desapercibido pero que sigue teniendo, sino la genialidad de Stevie Wonder, esa esencia y toque "Wonder" de buen gusto.
Los 90 es la etapa más oscura de este genio tras la explosión creativa de los años 70, y aprovechamiento de la misma en los 80. Esta decada arranca con otra banda sonora , "Jungle Fever", una película de Spike Lee. Se dedica a ayudas benéficas, apariciones en su emisora de radio, y una vida tranquila en su pais adoptivo Ghana,  y recibir premios como el Grammy a toda una vida.
"Conversation Peace" es una nueva vuelta, con el que consigue 2 grammys, aunque no tuvo un gran éxito comercial. Más colaboraciones como con Pavarotti & Friends ó 98 Degrees en  "True to Your Heart"  para la película Mulan. Realizó una gira mundial, de la cual salió el doble álbum en directo "Natural Wonder" y varios recopilatorios que editó la Motown, Song Review, Ballad Collection y At The Close Of A Century
Comianza el año 2000 con la impaciencia por una esperada publicación de un nuevo disco que no llega, 10 años hay que esperar, desde el Conversation Peace de 1995. Participa en eventos benéficos, colaboraciones con otros artistas, pero su esperado álbum  "A Time To Love"  se hace de rogar.
En 2001, su ex-novia, Angela McAfee, lo acusa de contagiarla por Herpes, ese mismo año fallecen personas cercanas y queridas por él como fueron  Syreeta Wright , ex-mujer y colaboradora en su época de los 70 y buena amiga, su madre Lula Mae Hardaway, su hermano Larry Hardaway, la muerte de Ray Charles, la de Gerald Levert, Luther Vandross..., son desde luego, años negativos para la buena música.
Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP "Songs in the Key of Life", siendo elegido dicho disco tambien para formar parte del The US Library of Congress.
En la lista de 2003 de la revista "The Rolling Stone magazine" con los 500 álbumes más grandes de toda la historia incluyen cuatro de Stevie Wonder, además en 2008 es considerado por la misma revista uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos. En 2004 es incluido, por la prodigiosa revista, en el puesto 15 de los 100 mejores artistas de Rock&Roll de todos los tiempos. La canción "Love's in Need of Love Today", un yá clásico del Songs in the Key of Life, es utilizado -junto a Take 6- para el homenaje a los héroes del atentado del 11 de septiembre de 2001, y cantado a dúo en 2007 con Bono de U2 para el film documental Darfur Now, sobre la terrible catástrofe de Darfur, Sudán.
Su esperadísimo disco A Time To Love, por fin sale al mercado en 2005, volviendo a estar en las listas de éxitos, y teniendo una buena aceptación por parte de la crítica. Artistas como: Alicia Keys, Avia, Mariah Carey, Tim Foreman (Switchfoot), Mary J. Blige, Kanye West, George Michael, Jermaine Jackson, Michael Jackson, Nik Kershaw, Anthony Kiedis (Red Hot Chili Peppers), India.Arie, Musiq Soulchild, John Legend, Jay Kay, Donell Jones, miembros de Jodeci, Maroon 5, the Neptunes, Dru Hill, Babyface, Prince, Beyoncé Knowles y Aaliyah no reniegan de afirmar la influencia que Stevie Wonder ha supuesto para sus obras particulares.
En el año 2007 realiza su primer tour en 10 años por los Estados Unidos. Era algo que su madre hubiera querido que hiciera, y eso le dió fuerzas para iniciar un recorrido por EEUU y Canada en el año 2008, continuando por Europa y Australia para septiembre y octubre de 2008. Sigue trabajando en el proyecto de un disco homenaje a su madre Lula, "The Gospel Inspired By Lula", un disco que comenta no será gospel tradicional. En él podrá haber una canción en Arabe, en Hebreo, en Zulú, abarcando un amplio espectro, al igual que otro proyecto titulado "Through The Eyes Of Wonder". Canciones inspiradas en su única percepción, y donde expresará con su música como es el mundo que nos rodea para una persona invidente. En febrero de 2009 fué la segunda persona que recibió el premio que otorga la Library of Congress Gershwin para la canción  popular. Manifestó su apoyo al presidente demócrata Barack Obama, y comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, con la que tiene 2 hijos más. Ya son 10, el último nacido en el 2005, el mismo día de su cumpleaños.
Contribuyó con la canción "All About The Love Again" para el CD/DVD "Change Is Now: Renewing America's Promise" en favor del presidente Obama. En marzo del 2009 publicó su primer DVD oficial titulado "Live At Last", de sus actuaciones el año anterior en Londres, y acaba este 2009 siendo nombrado Mensajero de la Paz por las Naciones Unidas en reconocimiento a su labor humanitaria a lo largo de los años.
En 2010 una nueva gira le lleva por Europa y Japón, y es nombrado en París Commandeur des Arts et des Lettres. Durante el  2011 pasa a formar parte del Salón de la Fama de las Leyendas del Teatro Apollo de Nueva York, y actúa en Grecia en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos Especiales de verano. El año 2012 recibe dos nuevos e importantes premios, el de Icono Billboard y el BET de honor. En su vida personal se realiza legalmente el divorcio con Kai Millard Morris -con la que se casó el año 2001- compartiendo en común dos hijos. Si el año pasado su participación en el Rock In Río fue considerada la mejor del evento, la de este 2012 en Lisboa consigue hacer las delicias de los asistentes. Rumores apuntan a la publicación para este año 2014 de nuevos trabajos de Stevie Wonder. Uno colaborando con el compositor, productor, y ganador de numerosos Grammy, David Foster titulado When the World Began, otro que se titulará Ten Billion Hearts, y el proyecto gospel dedicado a su madre fallecida Gospel Inspired By Lula.
Los amantes de la música sabemos que Stevie Wonder siempre será un referente tanto mirando al pasado, viviendo en el presente, como soñando con el futuro.
"Isn't She Lovely & Sunshine Of My Life" de Steve Wonder
"Superstition" de Ste
"Latel" de Stevie Wonder
"I wish" de Stevie Wonder

sábado, 8 de marzo de 2014

Ray Charles


Charles nació el 23 de septiembre de 1930, en Albany, Georgia. Comenzó a perder la vista a la edad de 5 años hasta los 7 años, donde quedó ciego completamente, aparentemente a causa de un glaucoma. Cuando todavía era un niño, su familia se mudó a una comunidad de escasos recursos en Greenville, Florida, donde comenzó a mostrar interés por la música. Desde 1937 y hasta 1945 tomó clases en la Escuela de Sordos y Ciegos de la Florida, en la ciudad de San Agustín, donde comenzó a desarrollar sus habilidades musicales. Aunque lo que más aprendía en la escuela era música clásica, Charles mostró un inusitado interés por el jazz y el blues cuando escuchaba la radio. A finales de la década de los cuarenta, Ray Charles Robinson consigue colocar un disco en las listas de su país, y en 1951 obtiene su primer top ten, gracias a «Baby, Let Me Hold Your Hand».
Fué criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición al poner letras religiosas a canciones y viceversa. Thomas A. Dorsey, uno de los fundadores de la música gospel, que también tuvo una carrera significativa en la música popular. Solomon Burke y Little Richard incluso se movieron entre los dos estilos.
Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante con «(The Night Time is) The Right Time» y su canción más popular de 1959, «What'd I Say». La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta en 1959.
Ray Charles integró a su banda a las reilettes (chicas de ray) un grupo de 3 chicas que ya antes se llamaban las cookies. Así mismo una cantantes soprano extra llamada Mary Ann Fisher.
Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues gospel mientras seguía con Atlantic, que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country con el «I'm Movin' On» de Hank Snow.
Luego, se cambió a ABC Records. En ABC, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción «Unchain My Heart» y el número uno en los listados de Billboard, «Hit the Road, Jack». En 1962, Charles sorprendió su nueva audiencia externa con su importante álbum Modern Sounds in Country and Western Music, que incluye los temas «I Can't Stop Loving You» y «You Don't Know Me». Esto fue seguido por una serie de éxitos, incluyendo «You Are My Sunshine», «Crying Time», «Busted» y «Unchain My Heart».
En 1961, Charles canceló un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Contrario a lo que la película biográfica de Ray dice, Charles no fue vetado en Georgia, aunque tuvo que pagar la compensación del promotor. Ese mismo año él hizo un dueto en un álbum con la vocalista de jazz Betty Carter.
En 1965, Charles fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en San Francisco. Pasó un año en libertad condicional y realizó el «Let's Go Get Stoned» de Ashford y Simpson (1966)
Después de 1970, Charles realizó lo que sería un éxito o su pérdida, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna música que fue desechada. Se concentró en espectáculos en vivo, aunque su versión de «Georgia on My Mind», una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y pronto fue proclamada como la canción por excelencia de Georgia en 24 de abril, de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado. Incluso tuvo éxito con su única versión de «America the Beautiful». En 1980 Charles hizo una breve aparición en The Blues Brothers y años más tarde en su secuela Blues Brothers 2000. También hizo repetidas apariciones en Plaza Sésamo y en el Show de los Muppet .
En 1985, «The Night Time is the Right Time» fue usada en el episodio «Happy Anniversary» de The Cosby Show. Los actores usaron la canción para mostrar un canto popular que aumentó el rating del show. En 1986, colaboró con Billy Joel en «Baby Grand» para el álbum The Bridge, participó en U. S. A. for África. En 1987, Charles apareció en el episodio «Hit the Road, Chad», de Who's the Boss, con la canción, «Always a Friend». También apareció muchas veces en el espectáculo The Nanny, tocando con Yetta (Ann Guilbert). La nueva colección de Charles con el público ayudó a una campaña de la Pepsi dietética. En su campaña publicitaria más exitosa, Charles popularizó la frase «You've got the right one, baby!». A la altura de esta fama reencontrada a comienzos de los 90, Charles invitó vocalistas para algunos proyectos. Esto incluía a la canción de INXS «Please (You've Got That...)», en el Full Moon, Dirty Hearts, así como la canción «Designing Women» en su sexta sesión. También apareció (con Chaka Khan) con su viejo amigo Quincy Jones en el éxito «I'll Be Good To You» de 1990. En 2004 Charles realizó un álbum de duetos, Genius Loves Company, que fue nominado en los premios Grammy a mejor álbum vocal pop, álbum del año, y canción del año, ganando el álbum del año y canción del año. Un dueto con Norah Jones, «Here We Go Again», fue nominado a mejor canción.
En 1996, Ray Charles hizo un cameo en la película Espía como puedas.
Falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California.3 Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.
En el año 2004 se estrenó la película Ray, que narra toda su vida. Fue ganadora de 2 Oscars, incluyendo mejor actor y mejor sonido, y además nominada a mejor película. Desde entonces se han seguido publicando recopilatorios en CD e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas en el disco de la película. También se ha publicado su biografía titulada Brother Ray, que narra toda su vida de la manera más cercana a la realidad posible.
La revista Rolling Stone lo nombra Nº. 10 en su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.
En 2009 publica la lista de los 100 mejores cantantes de la historia, los cuales han sido elegidos por todos los cantantes y personas relacionadas con la música. Entre todos ellos Ray ha sido nombrado como mejor cantante masculino y como el segundo mejor cantante de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.
www.raycharles.com
Completo Concierto en 1981
América del 
Canción para el el usted de Ray Charles
"No easy es beging verde" de Ray Charles
Concierto en vivo en Madrid 1975
Fragmento de la película "Ray" estrenada en 2004

domingo, 2 de febrero de 2014

Ingolf Wunder

Nació en la ciudad austríaca de Klagenfurt el 8 de septiembre de 1985. En esa misma ciudad comienza sus estudios musicales a la edad de cuatro años, primero con el violín, y más tarde con el piano, dedicándose por completo a este último. No obstante, demostró tener una gran capacidad técnica también con el primero. Graduado en la Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, Wunder estudia a menudo con Adam Harasiewicz y ha tocado en muchos países, incluyendo Austria, Francia, Alemania, China, Luxemburgo, Chipre, Bélgica, España, Portugal, Estados Unidos, así como en la República Checa, Argentina, Hungría, Italia y Polonia, tanto en recitales de solista, como con orquesta, y también ha aparecido en salas tan prestigiosas como el Konzerthaus de Berlín, el Musikverein de Viena y el Tonhalle de Zurich.
En 2006 interpretó el primer concierto de piano de Chopin con la Amadeus Chamber Orchestra bajo la dirección de Agnieszka Duczmal en el Concert Hall de la Universidad de Poznań.
En 2010 ganó el segundo premio del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, lo que le llevó a firmar como artista exclusivo de Deutsche Grammophon en febrero de 2011. Su primer disco, un recital compuesto exclusivamente por obras de Chopin, salió a la venta en junio de ese mismo año.
Andante espinato y Gran polonesa en Mi # mayor de Chopin
Sonata L33 en si menor de Scarlatti
Varias piezas a modo de presentación
Balada de Chopin
Bolero nº 2 de Chopin






martes, 28 de enero de 2014

Bruno Gelber


Bruno Leonardo Gelber es un pianista argentino nacido en Buenos Aires, Argentina el 19 de marzo de 1941.
De ascendencia austríaca, francesa e italiana, desde su primera infancia vivió el ambiente musical familiar, siendo su padre violinista en la orquesta del Teatro Colón de Buenos Aires y su madre una profesora de piano que influyó mucho en su determinación por seguir la carrera musical y a la que perdió joven, justo al principio de su carrera internacional como pianista.
Gelber empezó a estudiar piano a los tres años y medio, siendo capaz de interpretar sonatas y conciertos desde los cinco años de edad. Fue alumno, desde los seis años y durante una década, de Vincenzo Scaramuzza, que tuvo entre sus discípulos a Marta Argerich, de quien Gelber es coetáneo, y al padre de Daniel Barenboim, entre otros.
Fue víctima de poliomielitis a los siete años de edad, debiendo de quedarse en reposo durante más de un año. Sus padres realizaron las adaptaciones oportunas para que pudiera tocar el piano con el menor esfuerzo posible desde la cama.
Debutó en público a los diez años, interpretando el Concierto para piano n.º 3 de Beethoven, bajo la dirección de su maestro. A los catorce años debutó en el Teatro Colón con el concierto para piano de Robert Schumann, bajo la dirección de Lorin Maazel.
Continuó sus estudios de piano en París a partir de los diecinueve años con la célebre pedagoga Marguerite Long -para la que fue, en sus propias palabras, el último pero el mejor de sus alumnos-, gracias a una beca del gobierno francés. Continuó residiendo en la capital francesa hasta finales de los años ochenta, cuando se trasladó a Mónaco.
Ha celebrado más de cinco mil conciertos en las más importantes capitales del mundo.

En 1959 (a los 18 años de edad) tuvo lugar su debut internacional en Múnich (Alemania), que fue un gran éxito, calificado por el crítico Joachim Kaiser como "casi un milagro".
Se le considera un intérprete especialmente competente en el repertorio de Beethoven para piano, habiendo grabado una integral de sus sonatas para este instrumento.
Ha compartido escenario con directores como Ernest Ansermet, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, George Szell, Kiril Kondrashin, Sir Colin Davis, Bernard Haitink, Riccardo Chailly, Lorin Maazel y Antal Doráti, con las más importantes orquestas del mundo, entre las que pueden citarse la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Viena, la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Chicago, entre otras, y ha sido invitado por los más importantes festivales musicales del mundo
El pianista Arthur Rubinstein dijo que Gelber era «uno de los pianistas más grandes de su generación»1 y además lo seleccionó para participar en la película L’amour de la vie – Artur Rubinstein que el director François Reichenbach dedicó a Rubinstein.
Un accidente automovilístico sufrido en el año 2001 le produjo lesiones que pusieron en peligro la funcionalidad de su mano derecha. Afortunadamente pudo recuperarse y reanudar su brillante carrera.
La prensa especializada lo destaca como uno de los mejores pianistas de su generación y como uno de los cien mejores del siglo.
Concierto nº 1 para piano y orquesta de Bramhs
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Rachmaninov