Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.

domingo, 27 de noviembre de 2011

Valentina Igoshina

Valentina Igoshina nació en 1978 en Bryansk. Su madre fue su primera maestra, dándole clases de piano a los 4 años de edad. A los 12 años entra en el Conservatorio Tchaikovsky, siendo alumna de Larisa Dedova y del insigne profesor, Sergueï Dorensky.
Ha ganado muchos concursos internacionales de piano: Con tan sólo 14 años ganó el concurso Artur Rubinstein en Bydgoszcz de Polonia, más tarde a los 18 años ganará el concurso internacinal de piano Sergueï Rachamaninov de Moscú, en 2003 el Queen Elizabeth de Bruselas y en 2006 el Concurso Internacional de Piano “José Iturbi” de España.
Debutó en Londres en 2002 en el Teatro Queen Elizabeth, en las "Harrods International Piano Series".
Ha tocado con la Halle Orchertra de Manchester, con la BBC Scottish Symphony Orchestra y con la Orquesta sinfónica de Melbourn de Australia, interpretando el  Concierto núm. 1 para piano de Tchaikovsky en el Fertival Styriarte de Graz, bajo la batuta de Andrés Orozco-Estrada.
Ha dado recitales en el Tonhalle de Zurich y en Milán , en  las series de  "La societa dei Concerti"
Ha participado en numerosos festivales internacionales como  "Dushniki Zdoi", "El festival Ravello Music" y en Milan  las series de "La Societa dei Concerti"
Los momentos culminantes de esta última temporada fueron sus intervenciones en el Festival de la Radio francesa en Montpellier, en el Festival Internacional de piano de "La roque D'Antheron, en el "Rachmaninov Cycle" de Saint-Etienne, en el Festival Chopin de Nohant, en el Festival de piano de Valois, en el Festival Noches de piano de Annecy, y en el Piano de Jacobins en Toulouse.
 En España, interpreta el Concierto para piano núm. 21 de Mozart con la Real Filarmónica de Galicia bajo la dirección del Maestro Ros Marbà, Rapsodia sobre un tema de Paganini, op.43 con la Orquesta sinfónica de Tenerife con el Maestro Lu Jia,  un recital en el Ciclo Jóvenes Interpretes de Madrid,Rapsodia sobre un tema de Paganini, op.43 con la OBC en Barcelona con el Maestro Josep Caballé - Domènech y el concierto n. 2 de Prokofiev nuevamente con la Real Filarmónica de Galicia la dirección del Maestro Ros Marbà.
Recientes y futuros proyectos incluyen: participar en el Festival Chopin de Lyón; recitales en Avignon, Nantes, Antibes, Uzes, La Roque d’Antheron, París, en Alemania durante el Ludwigsburger Schlossfestpiele y en Portugal, Varzim y Lisboa.  En Santiago de Chile, el Concerto para piano núm. 2 de Rachmaninov. Chopin n. 1, en Francia : Un recital en Saint-Etienne  y el concierto n. 5 de  Prokofiev . En  San Paolo ( Brazil) “variations on Paganini’s theme ” con la Opera Orchestra de San Paolo y Rachmaninov n. 3 con la Macao  Symphony Orchestra bajo la dirección del Maestro Lu Jia .
Valentina IGOSHINA sacó a la venta su primera grabación (Mussorgsky - Cuadros para una Exposición y El Carnaval de Schumann) con el sello discográfico Warner Classics International en 2005.
Ha sido difundida en directo por las emisoras radiofónicas de la BBC y de Classic FM en el Reino Unido, y también se puede ver y escuchar su interpretación de algunas obras de Rachmaninov y de Chopin en dos biografías realizadas por Tony Palmer, The Harvest of Sorrow (1998), sobre S.Rachmaninov, y The Mystery of Chopin: The Strange Case of Delphina Potocka (1999; editado en formato DVD en 2001). Claverdons Film de Londres sacó un DVD (distribuido por Warner Vision).
Su segundo CD, del sello Lontano (distribuido por Warner Classics and Jazz), incluye todos los valses de Frederic Chopin.
Actualmente es profesora en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú.
Fantasia Impromptu de Chopin
Vals brillante de Chopin

miércoles, 23 de noviembre de 2011

Giuseppe Andaloro

 Giuseppe Andaloro nació en Palermo en 1982. 
Estudió con Sergio Fiorentino y Vincenzo Balzani, y se tituló con honores en el Conservatorio Verdi de Milán. Entre los concursos que ha ganado destacan el Ferruccio Busoni de Bolzano en Italia, el Mundial de Piano de Londres, el Internacional de Música de la Ciudad de Oporto en Portugal, el Internacional de Música de Sendai en Japón, el Gran Premio Internacional de Piano de Rabat, el Casella de Nápoles, el Durante de Frattamaggiore y el Premio Venecia.
Ha participado en el los festivales Klavier-Rurh de Salzburgo, Chopin de Zdrój, Música Joven de Praga, de Sendai, de Pleven, Due Mondi de Spoleto, de Todi, de Ancona, Perugia Clásico, de Mecklenburg-Vorpommern y de Rittergut-Benningsen. Se ha presentado en importantes salas de concierto en Salzburgo, Roma, Palermo, Londres, Oxford, París, Tokio, Sapporo, Osaka, Hong Kong, Oporto, Cracovia, Praga, Tel Aviv, Fort Worth, Montevideo y Pretoria.
Asimismo, el maestro Andaloro ha tocado como solista con la Filarmónica de Londres, la Camerata Filarmónica de Berlín, los London Mozart Player, la Filarmónica de Sapporo, la Filarmónica Haydn de Trento y Bolzano, la Filarmónica de Roma y de Lazio, la Orquestra Nacional de Oporto, la Filarmónica de Sendai, la Orquesta Nacional Checa y la Filarmónica de Cracovia, entre otros conjuntos. Ha colaborado con los violinistas Sarah Chang, Sergei Krilov, Tatsuo Nishie y Anna Tifu, el trompetista Gabriele Cassone y el violonchelista Roderic von Benningsen.
 Giuseppe Andaloro ha sido miembro de jurados de concursos internacionales de piano, y dado clases magistrales internacionales. Es profesor en la Academia de la Sociedad de Steinway en Verona. También es compositor y director de orquesta.
 En 2005 fue galardonado con el Premio al Mérito Artístico por el Ministerio Italiano de Cultura.
Concierto para piano y orquesta nº 2 de Liszt - 1ª parte
Concierto para piano y orquesta nº 2 de Liszt - 2ª parte
Concierto para piano y orquesta nº 2 de Liszt - 3ª parte

viernes, 18 de noviembre de 2011

Leonard Bernstein

Bernstein nació en Lawrence, Massachussets, en 1918. Desde niño aprendió a tocar el piano y más tarde estudió en Harvard con Walter Piston. Antes de graduarse en 1939, hizo un debut no oficial como director con su propia música para The Birds. Luego, en el Curtis Institute, estudió piano con Isabella Vengerova, dirección con Fritz Reiner y orquestación con Randall Thompson.
En 1940 asistió a los recién creados cursos de verano de la Boston Symphony en Tanglewood con el director Serge Koussevitzky, de quien más tarde sería asistente. Su primer puesto permanente como director lo logra en 1943, como conductor asistente de la New York Philharmonic. El 13 de noviembre de 1943 sustituyó a un enfermo Bruno Walter en un concierto en el Carnegie Hall, concierto transmitido a nivel nacional por radio y que fue recibido por entusiasmo por la crítica. Pronto orquestas de todo el mundo lo querían como director invitado.
En 1945 fue nombrado director musical de la New York City Symphony, puesto que mantuvo hasta 1947, y tras la muerte de Koussevitzky en 1951, encabezó los departamentos orquestal y de dirección en Tanglewwod. Ese año también se casó con la actriz y pianista chilena Felicia Montealegre y comenzó a dirigir el Creative Arts Festival en la Universidad de Brandeis.
En 1958 se convierte en director musical de la New York Philharmonic y desde entonces dirige a esta orquesta en más conciertos que cualquier otro de sus anteriores conductores. Después de dejar el cargo siguió colaborando con la orquesta y más de la mitad de sus cuatrocientas grabaciones las realizó con la New York Philharmonic.
Paralelamente Bernstein recorrió el mundo como director. En 1946 actúa en Londres y en Praga, en 1947 en Tel Aviv, iniciando una relación con Israel que duró hasta su muerte, y en 1953 fue el primer director norteamericano en dirigir una ópera en La Scala de Milán, Medea de Cherubini con María Callas.
Bernstein fue un líder en la promoción de compositores norteamericanos, en particular Aarón Copland, con quien mantuvo una duradera amistad. Bernstein interpretó y grabó casi todas las obras de Copland, muchas de ellas dos veces, y dedicó varios de sus conciertos televisados, Young People"s Concerts, a la música de su colega.
Pero el repertorio de Bernstein también abordó la literatura estándar, aunque es mejor recordado por sus versiones de Haydn, Beethoven, Brahms, Schumann, Sibelius y Mahler. Particularmente notables fueron sus interpretaciones de las sinfonías de Mahler con la New York Philarmonic en los 60, las que en cierta medida restauraron la reputación de Mahler como compositor.
Inspirado por su herencia judía, Bernstein completó su primera obra a gran escala, la Sinfonía N°1 Jeremías en 1943. Estrenada al año siguiente, esta partitura recibió el New York Music Critics" Award. La Sinfonía N°2 The Age of Anxiety fue estrenada por Koussevitzky y la Sinfonía N°3 Kaddish, compuesta en 1963, fue estrenada por la Filarmónica de Israel. Kaddish fue dedicada a la memoria de John F.Kennedy.
Otras importantes composiciones son Preludio, Fuga y Riffs para clarinete y banda de jazz (1949), Serenata para violín, cuerdas y percusión (1954), Danzas sinfónicas de West Side Story (1960), Chichester Psalms para coro, niño soprano y orquesta (1965), Mass, a theatre piece para cantantes, instrumentistas y bailarines, encargada para la apertura del John F.Kennedy Center for the Performing Arts en Washington D.C. y estrenado alli en 1971, Songfest para cantantes y orquesta (1977), Divertimento para orquesta (1980), Halil para flauta y pequeña orquesta (1981), Touches para piano (1981), Missa Brevis para cantantes y percusión (1988), Thirteen Anniversaries para piano (1988), Concerto Jubilee Games (1989) y Arias and Barcarolles para cantantes y piano (1988).
Bernstein también escribió una ópera, Trouble in Tahiti, en 1952, y su secuela, A Quiet Place, en 1983. Colaboró con el coreógrafo Jerome Robbins en tres ballets, Fancy Free (1944), Facsímile (1946) y Dybbuk (1975). Además compuso la partitura para la premiada película On the Waterfront en 1954 y música incidental para Peter Pan (1950) y The Lark (1955).
Finalmente están sus sustanciales contribuciones a la escena musical de Broadway a través de On the Town (1944), Wonderful Town (1953), Candide (1956), West Side Story (1957), cuya música también adaptó para la premiada versión fílmica, y 1600 Pennsylvannia Avenue (1976).
La música de Bernstein se presenta en festivales a través de todo el mundo, mientras que en 1985 la National Academy of Recording Arts and Sciences le otorgó el Lifetime Achievemente Grammy Award debido a su dedicación y los 11 premios Grammy obtenidos durante su carrera, en 1981 fue premiado con la medalla de oro por la American Academy of Arts and Letters, en 1979 recibió un Tony Award por sus contribuciones al teatro y en varias ocasiones fue honrado por instituciones de Alemania, Italia, Israel, México, Austria, etc.
Famosos fueron también sus conciertos televisados que inició con el programa Ómnibus en 1954 y que continuó con el Young People"s Concert en 1958, programa que se extendió por catorce temporadas. Además apareció en varios otros programas, eventos y conciertos televisados a nivel mundial, escribió cuatro libros entre 1959 y 1982, ofreció conferencias en Harvard y realizó clases magistrales en Tanglewood.
Finalmente no debe olvidarse el interés de Bernstein por la paz mundial y su memorable concierto para celebrar la caída del muro de Berlín en diciembre de 1989, en donde reunió mientras aún se desmantelaba el muro, a músicos representantes de Alemania Oriental y Alemania Occidental, así como de las cuatro potencias que habían dividido, para representar esta nueva era de cooperación.

Leonard Bernstein ha sido una de las figuras más influyentes sobre la música clásica en la segunda mitad del siglo veinte. Compositor, director, conferencista, escritor y, a menudo, una personalidad controvertida frente a los medios, Bernstein tuvo un impacto dramático sobre la aceptación y apreciación de la música clásica de parte de la audiencia popular.
Su propia obra como compositor, particularmente sus partituras para comedias musicales tales como West Side Story y On the Town, ayudó a forjar una nueva relación entre música clásica y música popular.
Primer movimiento Allegro del concierto para piano y orquesta nº 17 de Mozart

Segundo movimiento Andante del concierto para piano y orquesta nº 17 de Mozart

Tercer movimiento Allegretto del concierto para piano y orquesta nº 17 de Mozart

lunes, 14 de noviembre de 2011

Jordan Rudess

A Jordan no lo podemos incluir como un pianista puro, sino como uno de los mejores teclistas actuales, pero he pensado que también debe tener un hueco en esta lista, porque la innovación, la originalidad y el futuro de su música merecen que sean conocidos.
Fue reconocido por su profesor de segundo año por su habilidad para tocar el piano e inmediatamente recibió tutoría profesional. A los 9 años, ingresó en la prestigiosa Juilliard School of Music dentro de la división pre-universitaria de piano clásico, pero a medida que iba creciendo se fue interesando más por los sintetizadores y el rock progresivo. En contra de sus padres y tutores dejó la música clásica y comenzó su carrera solista como un teclista de rock progresivo.
Después de participar en varios proyectos en los años 80, obtuvo reconocimiento internacional en 1994 cuando fue elegido como Best New Talent ("mejor talento nuevo") en la encuesta de lectores de la Keyboard Magazine, después del lanzamiento de su álbum solista Listen.
Dos de las bandas que lo llaman fueron The Dixie Dregs y Dream Theater; ambas lo invitaron a unirse a sus proyectos respectivos. Jordan escogió a los Dregs principalmente porque al no ser un miembro de tiempo completo tendría menor impacto en su joven familia, opción que no tuvo con Dream Theater.
Estando con los Dregs, Jordan formó un así llamado power duo con el baterista Rod Morgenstein. El génesis de este emparejamiento ocurrió cuando un fallo de electricidad ocasionó que dejaran de funsionar todos los instrumentos de los Dregs excepto el de Jordan, así que él y Rod improvisaron juntos hasta que la electricidad se restableció y el concierto pudo continuar. La química entre los dos fue tan fuerte que decidieron actuar juntos regularmente (bajo el nombre Rudess/Morgenstein Project, después RMP) y desde entonces, han lanzado un álbum en estudio y uno en vivo.
Jordan se encontró una vez más con Dream Theater cuando él y Morgenstein hicieron de teloneros en una de las giras de Dream Theater por Norteamérica.
En 1997, cuando se le pidió a Mike Portnoy crear un supergrupo para Magna Carta Records, Rudess fue escogido para tomar el puesto de teclista en la banda, que tenía también a Tony Levin (en el bajo) y al colega de Mike de Dream Theater, John Petrucci (en la guitarra). Después de la grabación de los dos álbumes de Liquid Tension Experiment, Portnoy y Petrucci le pidieron que se uniera con ellos a la agrupación Dream Theater. Al tener a Rudess como nuevo teclista, despidieron a su teclista de entonces, Derek Sherinian, para abrirle camino a Jordan.
Jordan ha sido el teclista a tiempo completo de Dream Theater desde la grabación de Metropolis, Pt. 2: Scenes From a Memory de 1999. También grabó otros cinco álbumes en estudio desde entonces, Six Degrees of Inner Turbulence en el 2002, Train of Thought en el 2003, Octavarium en el 2005, Systematic Chaos en el 2007, Black Clouds & Silver Linings en el 2009 y A Dramatic Turn Of Events en el 2011. Adicionalmente apareció en los álbumes en vivo Live Scenes From New York, Live at Budokan, Score y Chaos in Motion.
En 2010 Rudess hizo el estreno mundial de su obra "Explorations for keyboard and orchestra", específicamente el 19 de noviembre, en el Centro Cultural Corp Banca, en Caracas, Venezuela. La misma fue concebida como una obra sinfónico-orquestal con la inclusión de guitarra eléctrica y batería donde se incluían citas del repertorio de Dream Theater. La orquesta seleccionada para acompañarle en dicho estreno fue la "Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao" bajo la batuta del nobel director turco Eren Basbug. En palabras del propio Rudess: "En "Explorations" estaré tocando todas las partes de teclado y sintetizador. Eren Basbug de Turquía estará dirigiendo a la talentosa sinfónica juvenil de Chacao. Sin duda alguna el escenario ya está listo para una noche memorable".
Rudess dice que sus influencias como teclista han sido Keith Emerson, Rick Wakeman y Patrick Moraz. Sus bandas favoritas incluyen a Gentle Giant, Yes, Genesis, Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer, King Crimson, Radiohead, Autechre, y Aphex Twin.
Imagine de John Lennon
Solos de teclado por Jordan Rudess

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Fred Hersch

El pianista y compositor Fred Hersch nació en 1955 en Cincinatti, Ohio. Comenzó a tocar el piano a los cuatro años de edad y, desde sus inicios, se destacó por su prodigiosa capacidad para improvisar sobre obras clásicas. Luego ingresó en el New England Conservatory de Boston, graduándose con honores en 1977.
Más tarde se trasladó a New York, donde de inmediato se convertiría en uno de los principales animadores de la escena de jazz de esa ciudad.
En su dilatada trayectoria ha trabajado con encumbradas figuras de la talla de Stan Getz, Art Farmer, Toots Thielemans, Joe Henderson, Jane Ira Bloom, Charlie Haden, Bill Frisell, Gary Burton y Sam Jones, entre otros. También ha recibido innumerables premios, menciones y honores que incluyen el Guggenheim Memorial Fellowship for composition, un Rockefeller Fellowship, dos nominaciones al Grammy en las categorías Mejor performance instrumental de jazz y Mejor composición instrumental de jazz, becas otorgadas por The National Endowment for the Arts y Meet the Composer, tres nominaciones a los premios de la Jazz Journalist Association en los rubros compositor (2005) y álbum del año y mejor pianista (2006). Además de haber sido ganador en cuatro oportunidades del GLAMA (Gay and Lesbian American Music Award)
También compuso distintas obras comisionadas por el Gilmore Keyborad Festival, el Brooklyn Youth Chorus, el Opus 21 Ensemble, la Doris Duke Fundation’s Millenium Project y el Miller Theater de la Universidad de Columbia.
Fred Hersch ha grabado más de dos docenas de álbumes como solista o líder de banda y participó como colaborador, en dúo o como sesionista, en más de un centenar de álbumes.
Su discografía incluye álbumes en solo piano, dúos diversos y tríos con distinto personal a cargo del tándem rítmico (Marc Johnson y Joey Baron, Michael Formanek y Jeff Hirschfield, Drew Gress y Tom Rainey y el más reciente integrado por John Hebert y Nasheet Waits). También lideró The Fred Hersch Trio + 2 ( Drew Gress, Tony Malaby, Nasheet Waits y Ralph Alessi) e hizo una notable exposición para octeto instrumental y dos voces (Kurt Elling y Kate McGarry) sobre textos del poeta Walt Whitman en el álbum Leaves of Grass.
Este año lanzó dos álbumes. Una relectura en solo de piano de la obra de Jobim en Fred Hersch Plays Jobim y un nuevo proyecto grupal bajo la denominación Pocket Orchestra que incluye a Ralph Alessi en trompeta, Jo Lawry en voces y Richie Barshay en percusión, materializado en el álbum The Fred Hersch Pocket Orchestra Live at Jazz Standards.
Asimismo resulta digno mencionar su labor filantrópica a favor de instituciones abocadas a la lucha contra el SIDA y su profusa tarea como educador que incluye tareas en el programa de jazz de la Escuela de Música de Manhattan y colaboraciones en los institutos de estudios avanzados de las Universidades de Princeton, Michigan e Indiana.
Fred Hersch ocupa un lugar de privilegio en el espacio destinado a los músicos más sobresalientes de su tiempo. A lo largo de su trayectoria ha sabido elaborar un notable cuerpo de trabajo en el que conviven en perfecta simetría sus propias composiciones y la recreación de clásicos del repertorio de jazz. Hersch ha sabido resolver distintas ecuaciones instrumentales con inhabitual coherencia estética y ha logrado mantener una homogénea identidad estilística a la hora de abordar obras de otros compositores.
Su extraordinaria técnica, la frescura de sus ideas y la cualidad sonora que lo distingue, emergen con similar intensidad sin importar el formato elegido (solo, dúo, trío, etc.) o que se trate de una de sus composiciones o de la reinvención de un clásico de Thelonious Monk o Rogers & Hammerstein o Antonio Carlos Jobim.
En su estilo confluyen el rigor académico y la espontaneidad expresiva y la elusión del alarde técnico en favor de un equilibrado lirismo, factores que le han permitido construir un sólido alegato que se funda en un vocabulario accesible pero alejado de lo banal y que se aparta deliberadamente del desborde revelador para alcanzar un perfil de reflexiva introspección.
Elegido como mejor pianista de jazz del año 2011 por la International Jazz Journalist Association (IJJA)
In walked Bud de Fred Hersch

sábado, 5 de noviembre de 2011

Alexandre Tharaud

Nació en París en 1968, en el seno de una familia de artistas, su padre era cantante y director de Óperas y su madre bailarina. Precisamente sería su padre quien le hace estudiar piano a la edad de 5 años, con Carmen Taccon-Devenat.
A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París, y a los 17 gana el primer premio de piano en la clase de Germaine Mounier.
En 1987 , gana el Concurso Internacional Maria Canals de Barcelona. En 1988, el Concurso de Citta di Senigallia en Italia . En 1989 , recibió el 2 º premio en el Internacional de Munich .
 A raiz de todo ello, su carrera va creciendo rápidamente en Europa, en América del Norte y Japón .
En 1997 es asesor de música para la serie de conciertos de la Biblioteca Nacional de Francia, que concede gran importancia a la música de cámara, practica con el pianista Michel Dalberto , el Cuarteto Ébano , el violinista Pierre Amoyal , los flautistas Philippe Bernold y Gales Patrick , el clarinetista Michel Portal y Michel Lethiec , el violonchelista Jean-Guihen Queyras .
Para aquellos que cuestionan la relevancia de tocar la música de piano, escrito originalmente para clavecín, dijo no estar seguro de la "autenticidad a través de un instrumento" . Se ajusta bien a la línea de los pianistas del siglo XX como Yvonne Lefebure y Marcelle Meyer , que defendió y ayudó a transcribir estas obras del siglo XVII y siglo XVIII, interpretadas para piano.

Alexandre Tharaud se ha presentado en recitales de todo el mundo: Teatro Colón de Buenos Aires, Champs-Elysées, Arsenal de Metz, Philharmonie de Cologne, Philharmonie d’Essen, South Bank de Londres, Concertgebouw d’Amsterdam, Kennedy Center de Washington, Casino de Bern, Cité de la Musique, Philharmonie de Cracovia, Hoam Art Hall de Seul l, Hyogo Performing Arts Center, Oji Hall et Suntory Hall de Tokio.
Actúa regularmente en grandes festivales: PROMS de Londres, La Roque d’Anthéron, Festival du Schleswig-Holstein , Noches de Diciembre de Moscú, etc.
Con el cellista Jean-Guihen Queyras, grabó la Sonata Arpeggione de Schubert, aclamada por la prensa (Gramophone, Chamber Music Choice/BBC Music Magazine, ‘E’ (Excepcional) de Scherzo). El dúo se ha presentado en Alemania, Holanda, Bélgica, Estados Unidos, Inglaterra, Corea y Japón.
Como solista, Alexandre Tharaud se ha presentado con las siguientes orquestas francesas: Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio-France, Orchestre National de Lille, Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine, Ensemble Orchestral de Paris, Orchestre du Capitole de Toulouse, Orchestre Philharmonique de Nice, Orchestre National de Lyon) y en otros países: las Sinfónicas de Taiwan, de Singapur, de Tokio, de Varsovia, la Orquesta de la Radio de Baviera, La Orquesta de Cámara de Holanda, etc...
Ha sido dirigido por Yutaka Sado, Jean Fournet, Georges Prêtre, Stéphane Denève, Klaus Peter Flor, Jean-Jacques Kantorow, Marc Minkowski, Matthias Pintscher, etc.
Muchos compositores le han dedicado obras. Estrenó el Ciclo Outre-Mémoire y el concierto para piano de Thierry Pécou. Ha tenido gran éxito con sus recitales “Homenaje a Rameau” combinando obras de este compositor con obras de compositores actuales.
Alexandre Tharaud es un embajador de la asociación de Kiwi, para los niños con discapacidad.
Su piano es sinónimo de la sensibilidad del interior.
Gymnopédies nº 1 de Erik Satie

martes, 1 de noviembre de 2011

Bobo Stenson

Bo Gustav Stenson, conocido como Bobo Stenson, nació en 1944 en Västerås, Suecia.
Comenzó a recibir clases de piano clásico a la edad de 7 años. 
Su hermano que tocaba la batería le hizo interesarse por la música jazz durante su adolescencia.
En 1963 comienza a ser conocido, tocando con frecuencia en Estocolmo, donde acompañó a una larga lista de músicos visitantes estadounidenses como Sonny Rollins, Stan Getz y Gary Burton.
También trabajó estrechamente con Don Cherry desde el principio de la estancia del trompetista en Escandinavia.
Los años 70 fue un periodo intenso para Bobo Stenson, tocando en muchos grupos, entre ellos la antigua banda de Rena Rama con Palle Danielsson y formó un trío muy popular junto a Arild Andersen y Jon Christensen, más tarde también con Jan Garbarek.
En 1988 se incorporó al cuarteto de Charles Lloyd con el cual estuvo en el año 1990 en el San Juan Evangelista, dentro del 10º Festival de Jazz; y ha participado en los festivales más importantes de jazz con el septeto de Tomasz Stanko.
No hay otro trío de jazz contemporáneo con un líder como pianista que su música abarque la más amplia gama de registros musicales como los suecos Bobo Stenson Trio. Su nuevo álbum “Cantando” en el que la base de sus temas es de su actuación en Barcelona, se caracteriza por su largo alcance: composiciones originales, improvisaciones de grupo, stándars, la música de Astor Piazzolla, Ornette Coleman y Alban Berg, del compositor checo Petr Eben, una balada cubana de Silvio Rodríguez, una pieza de Don Cherry inspirada por la música kora del África Occidental… Todos estos elementos se encuentran en el rico sonido del Trío Stenson.
Stenson pronto llegó a ECM con una amplia comprensión de los enfoques del piano moderno en el jazz, y co-dirigió una de las bandas más influyentes de la década de los 70, el Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet. Su asociación musical con el bajista Anders Jormin (nacido en 1957) data de la década de 1990, cuando tocaban juntos en los grupos de Don Cherry, Charles Lloyd y Tomasz Stanko. Anders, con su profundo interés en las formas populares, así como en el jazz tradicional, ha traído nuevos colores a la música de Bobo. El noruego Jon Christensen fue durante muchos años el baterista del trío, hasta que en 2004 se unió en Estados Unidos al veterano Paul Motian en el álbum "Goodbye". Durante los tres últimos años el joven músico sueco Jon Fäit (nacido en 1979) ha ocupado el taburete del baterista.
Un músico interesante y flexible, que combina ondas de energía con una atención meticulosa a los detalles, se involucra en movimientos rápidos dialogando con sus distinguidos colegas.
Stenson fue elegido como miembro de la Royal Academy of Music en 2005 y fue galardonado con la Medalla de Litteris et Artibus 2006
Trio Bobo Stenson, "Alfonsina y el mar"