Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.

lunes, 29 de agosto de 2011

Michel Petrucciani

Aquejado de una gravísima enfermedad ósea (osteogénesis imperfecta), apenas llegaba al metro de altura, superó su discapacidad hasta el punto de convertirse en un artista de talento y renombre internacional, entre los mejores pianistas de jazz del mundo.
Su padre, Antoine Tony Petrucciani, guitarrista de jazz, fue su profesor de música (le enseñó a tocar el piano) y posteriormente colaboró en varios de sus discos. Sus dos hermanos también son músicos (alumnos de Tony): Louis es contrabajista y Philippe, guitarrista.
Estudia piano clásico y a los 12 años actúa acompañado por su padre en la guitarra y su hermano Louis en el contrabajo.
Su enorme talento le hace destacar desde muy joven y a los 17 años graba su primer disco.
El año siguiente inicia con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano, una serie de espléndidas grabaciones para el sello francés OWL.
En 1982 se traslada a California y se convierte en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd, cuando éste regresa a la escena después de un prolongado retiro.
También actúa a dúo con Lee Konitz. Aunque sigue grabando en Francia, sus estancias en Nueva York propician sus primeros discos americanos, hasta que en 1985 inicia su período en el sello "Blue Note" con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund. El año siguiente actúa en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publica bajo el título de "Power of Three", uno de sus grandes discos.
En trabajos posteriores - "Music", "Playground"-, se acerca a las fórmulas de la fusión eléctrica con producciones en las que se diluyen sus mejores virtudes.
Su último disco para Blue Note es un solo en homenaje a Duke Ellington, uno de sus compositores favoritos, y una clara influencia para cualquier pianista.
     En 1994 vuelve a grabar para una compañía francesa, Dreyfus, con "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda. También en este año se le condecora como Caballero de la Legión de Honor de París.
Su absorbente personalidad le hacía preferir las formaciones reducidas, y en los últimos años una de las más fructíferas fue su insólito y excepcional encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conference de Presse".
Pero por encima de todo se vuelca en el solo, del que era un verdadero maestro. El doble CD recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica.
En 1997 da un nuevo giro formando un grupo más amplio, un sexteto en el que se integran dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que graba "Both Worlds". Michel Petrucciani actuó con relativa frecuencia en nuestro país en solitario en varios de los festivales de jazz que se organizan en España, cautivando siempre al público con la amplitud estilística característica de su pianismo.
La manera de tocar de M. Petrucciani se caracterizaba por el ritmo, el sonido que imprime al piano, y una excepcional independencia polirrítmica de las manos derecha e izquierda. También como compositor, tenía preferencia por la música brasileña, siempre presente en sus discos.
Su fallecimiento se produce el 5 de enero de 1999, a causa de una afección pulmonar, sería enterrado en el
cementerio del Père Lachaise de París, junto a la tumba del, probablemente, mejor pianista frances de todos los tiempos, Frédéric Chopin. 
Podéis comprobar en esta foto, como tuvieron que adaptar el pedal del piano para que pudiera llegar con el pie.
Personalmente, considero a Michel Petrucciani, además de como uno de los mejores pianistas de jazz de todos los tiempos, como un ejemplo de superación para todos, del que tenemos que extraer una lección que debería acompañarnos durante toda nuestra vida.
Caravan


viernes, 26 de agosto de 2011

Daniel Barenboim

Daniel Barenboim a los 13 años
Daniel Barenboim nació en Buenos Aires, el 15 de noviembre de 1942. Pianista y director de orquesta argentino de familia judía de origen ruso, nacionalizado israelí y español, y con la ciudadanía palestina. Logró la fama como pianista, aunque con posterioridad ha obtenido gran reconocimiento como director de orquesta.
Barenboim comenzó sus lecciones de piano a la edad de cinco años con su madre y las continuó después con su padre que quedó como su único profesor. En agosto de 1950, con tan sólo 7 años, interpretó su primer concierto en Buenos Aires.
En 1952, la familia Barenboim se trasladó a Israel. Dos años más tarde, sus padres lo enviaron a Salzburgo para que diera clases de dirección con Igor Markevich. Durante aquel verano conoció a Wilhelm Furtwängler para quien tocó al piano.
En 1955 estudió armonía y composición con Nadia Boulanger en París.
El debut de Barenboim al piano se produjo en Viena en 1952, en París ese mismo año, en Londres en 1956 y en Nueva York en 1957 bajo la batuta de Leopold Stokowski. En los años siguientes se sucedieron regularmente los conciertos por Europa, Estados Unidos, Sudamérica, y el Lejano Oriente.
Su primera grabación data de 1954. Más tarde grabraría las sonatas para piano de Mozart y Ludwig van Beethoven y conciertos de Mozart (interpretando al piano y dirigiendo), Beethoven (con Otto Klemperer), Johannes Brahms (con John Barbirolli) y Bela Bartók (con Pierre Boulez).
Tras su debut como director con la Orquesta filarmónica de Londres en 1967, recibió invitaciones de numerosas orquestas sinfónicas europeas y americanas.
 Entre 1975 y 1989 fue director musical de la Orquesta de París donde dirigió numerosas piezas de música contemporánea.
Su debut como director de ópera tuvo lugar en 1973 con la representación del Don Giovanni de Mozart en el Festival de Edimburgo.
En 1981 debutó en Bayreuth, donde dirigió con regularidad hasta 1999.
Barenboim es el director musical de la Orquesta Sinfónica de Chicago, cargo al que accedió en 1991 en sustitución de Georg Solti. Es además el director musical general de la Deutsche Staatsoper de Berlín desde 1992.
Además de sus actividades como pianista y director de orquesta, Barenboim ha compuesto varios tangos.
Barenboim contrajo matrimonio con la notable chelista británica Jacqueline du Pré, cuya carrera se vio trágicamente truncada por una esclerosis múltiple.
Wagner en Israel.
El 7 de julio de 2001, Barenboim dirigió la Berlin Staatskapelle en la representación de la ópera de Wagner Tristán e Isolda en el festival de Israel celebrado en Jerusalén. El público estalló en griterío y Barenboim fue tildado de fascista por algunos de los presentes. La música de Wagner ha sido tabú en Israel por las teorías de Adolf Hitler sobre la pureza racial y la exterminación de los judíos alimentadas en parte por los escritos antisemitas de Wagner, su compositor favorito. En la Alemania nazi, su música fue utilizada para la propaganda nacional-socialista e interpretada en los campos de concentración.
Barenboim iba a interpretar en un principio el primer acto de La Valquiria con tres cantantes, entre los que se encontraba el tenor Plácido Domingo. Sin embargo, las protestas de los supervivientes del holocausto y del gobierno israelí forzaron a la organización del festival a buscar un programa alternativo.
Barenboim accedió a sustituir la pieza ofensiva por composiciones de Schumann y Stravinsky, aunque no sin mostrar su desacuerdo con la decisión. Así, finalizado el concierto, declaró que iba a interpretar una pieza de Wagner como bis e invitó a aquellos de los presentes que tuvieran alguna objeción a abandonar la sala.
La mayoría del auditorio respondió con una ovación, pero una minoría expresó su desaprobación. Barenboim estuvo media hora explicando en hebreo a la audiencia sus razones para interpretar la pieza y solicitando a los que protestaran que permitieran que la música se pudiera escuchar.
Barenboim dijo que había decidido desafiar el tabú cuando en una conferencia de prensa a la que había asistido la semana anterior había escuchado un teléfono móvil con la melodía de La cabalgata de las valquirias:
"Si puede escucharse en el timbre de un teléfono, ¿por qué no puede intepretarse en una sala de conciertos?".
Barenboim ha expresado su desacuerdo con la ocupación israelí de la franja de Gaza y Cisjordania, donde suele realizar representaciones, diciendo que su patria adoptiva está "perdiendo su capital moral al combatir contra la identidad de un pueblo".
En 1999, junto con el escritor estadounidense de origen palestino Edward Said, con quien le unió una gran amistad, fundó la West-East Divan Orchestra, una iniciativa para reunir cada verano un grupo de jóvenes con talento de Israel y países árabes. Por ello, ambos recibieron el Premio Príncipe de Asturias en 2002.
En este año 2011 ha sido propuesto para el Premio Nobel de la Paz por su trabajo en favor de la paz y la convivencia en Oriente Medio.
En este verano de 2011 tuve la gran suerte de poder verlo en directo como director de la Orquesta West-Eastern Divan, en el marco incomparable de la Plaza de toros de Ronda, interpretando la sinfonía nº 4 y nº 7 de Beethoven, todo un lujo para nuestro pueblo. 
Movimiento nº 3 de la sonata Claro de Luna de Beethoven

jueves, 25 de agosto de 2011

Hélène Grimaud

Su familia cambio de apellido (de Grimaldi a Grimaud) antes que naciera. Descubrió su habilidad para el piano a los 7 años e ingresó al Conservatorio de París en 1982.
Hélène Grimaud tenía quince años cuando salió su primer disco, en 1985. No se hablaba especialmente de ella en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de París, donde era alumna de Jacques Rouvier, tras haberlo sido de Pierre Barbizet en el Conservatorio de Marsella. Tenía quince años y grabó la Segunda Sonata de Sergei Rachmaninov, una obra exuberante que requiere medios pianísticos de primer orden, una ciencia del sonido, de la organización de los planos sonoros, una idea superior de la forma y una gran inspiración para mantener la distancia.
Hélène Grimaud salió victoriosa de este examen iniciático, salvando todos los obstáculos, tocando con sabio desenfreno, organizando de forma magistral esa gran forma cíclica tan difícilmente puesta de relieve por pianistas menos dotados que esta joven e intrépida mujer.
Pero su carrera aún no estaba lanzada. Por extraordinario que fuera, un disco grabado por una joven desconocida no podía abrirle las puertas de la carrera. Durante el verano de 1987, con una modestia y un sentimiento de duda que caracterizan su atractiva personalidad, Hélène Grimaud corrió el riesgo de presentarse ante Jorge Bolet, que daba clases públicas de interpretación en el Festival Internacional de Piano de La Roque d'Anthéron (sur de Francia). Cuando ya la conocían los especialistas, Hélène Grimaud tocó para el gran pianista americano de origen cubano. Eligió "Après une lecture du Dante", de Franz Liszt. Atreverse con esta gran obra ante Jorge Bolet podía ser peligroso. Quedó entusiasmado. 
Hélène Grimaud ha tenido otros encuentros altamente formadores, al frecuentar asiduamente el Festival del violinista lituano Gidon Kremer, en Lockenhaus (Austria), ha participado en numerosos festivales y conciertos en el mundo entero y tocado con los mejores directores y orquestas.
 Es una de las artistas más populares en Francia gracias a la sensibilidad de su forma de tocar, su espontaneidad, su capacidad para comunicar con el público, para captar su atención en cuanto sube al escenario.
También es conocida por su pasión por los lobos. Hélène Grimaud estudia el comportamiento de este animal tras haber obtenido todos los diplomas necesarios (¡y no se ha presentado a ningún certamen de piano!). No se trata de un pasatiempo: Hélène Grimaud es corresponsal de varias organizaciones científicas. Esta mujer solitaria y secreta comparte su vida con una jauría de lobos, de la que nunca se aleja mucho tiempo.
Bach - Bussoni Chaconne BWV 1004

domingo, 21 de agosto de 2011

Lang Lang


Ha sido elegido el mejor pianista del mundo actualmente. Capaz de tocar hasta 13 teclas por segundo.
Comenzó a tomar lecciones de piano a la edad de 3 años con la profesora Zhu Ya-Fen.
 A los 5 ganó el Concurso de Piano de Shenyang y tocó en su primer recital público.
 Entró en el Conservatorio Central de Música de Pekín cuando tenía 9 años, estudiando con el profesor Zhao Ping-Guo.
A la edad de 11, ganó el primer premio por la actuación artística destacada en el Cuarto Concurso Internacional de Jóvenes Pianistas en Alemania. En 1995.
A los 13 años de edad, tocó completos los 24 Estudios de Chopin en el Pekín Concert Hall y ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Jóvenes Músicos de Tchaikovsky en Japón, donde tocó el Concierto para Piano n.° 2 de Chopin con la Orquesta Filarmónica de Moscú en un concierto retransmitido por la cadena de televisión NHK.
A los 14 aparece como solista en el concierto inaugural de la Sinfónica Nacional de China, retransmitido por la cadena CCTV y a la que acudió el presidente Jiang Zemin.
Al año siguiente comenzó a estudiar con Gary Graffman en el Instituto Curtis en Filadelfia.
El descubrimiento de Lang Lang llegó en 1999, cuando tenía 17 años, con la dramática sustitución en el último minuto (presentada por Isaac Stern) de un indispuesto André Watts en el Festival "Gala de la Centuria" de Ravinia, en el cual tocó el Concierto para Piano n.° 1 de Tchaikovsky con la Orquesta Sinfónica de Chicago (dirigida por Christoph Eschenbach).
The Chicago Tribune le llamó el más grande, más excitante talento del teclado descubierto en muchos años.
En 2001 hizo su debut con todas las butacas vendidas en el Carnegie Hall con Yuri Temirkánov, viajando a Pekín con la Orquesta de Filadelfia en una gira que celebraba su centésimo aniversario, durante el cual actuó para una audiencia de 8.000 personas en el Gran Salón del Pueblo, e hizo su aclamado debut en los Conciertos Sinfónicos de la BBC, a lo que la crítica del The Times de Londres escribió: "Lang Lang tuvo un éxito rotundo en el Royal Albert Hall... Esto bien podría ser historia en la actuación."
En 2003, volvió a los Conciertos Sinfónicos de la BBC para el concierto de Primera Noche con Leonard Slatkin. Tras su reciente debut en un recital en la Filarmónica de Berlin, el Berliner Zeitung escribió: "Lang Lang es un intérprete espléndido con un detalle artístico que está siempre al servicio de la música."
Lang Lang ha actuado con las principales orquestas del mundo, incluyendo la Sinfónica de Boston, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta de Cleveland, la Orquesta Sinfónica de Detroit, la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de San Francisco, la Filarmónica de Berlín, la Filarmónica de Londres, la Orquesta de París, la Filarmónica de Hong Kong, la Sinfónica de Sydney, la Filarmónica de Israel y la Orquesta Filarmónica de San Petersburgo. Ha colaborado con directores que incluyen a Daniel Barenboim, Charles Dutoit, Christoph Eschenbach, Valery Gergiev, Mariss Jansons, James Levine, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Simon Rattle, Wolfgang Sawallisch, Yuri Temirkánov, Michael Tilson Thomas y Franz Welser-Möst.
Lang Lang graba en exclusiva para Deutsche Grammophon.
Durante 2007 Lang Lang hace una aparición con Andrea Bocelli celebrando sus 15 años de carrera a partir de 1992 con la canción "Io Ci Saró" y de igual manera en el 2008 sale en el disco de Andrea Vivere Live in Tuscany tocando en el Teatro del Silenzio con las melodias "Io Ci Saró" y " Hungarian Rhapsody", aceptando Andrea que Lang Lang es un pianista incomparable.
En 2007 participa en la grabación de seis pistas en el álbum de Mike Oldfield, Music of the Spheres, que cuenta con la dirección orquestal de Karl Jenkins y que no sería lanzado hasta el primer trimestre de 2008.
El libro de su biografía titulado "El viaje de mil millas" ha sido un bestseller en China. Lang Lang ha recibido numerosos premios y ha sido visto por millones de telespectadores en todo el mundo. Ha actuado con Gergiev y la Orquesta de Kirov en el Great Hall del Conservatorio de Moscú en una actuación que fue retransmitida por la Televisión Nacional Rusa. Su actuación de 2004 con Sir Simon Rattle y la Filarmónica de Berlin en el Waldbühne, a la que asistieron 23.000 personas y que fue retransmitida internacionalmente por televisión. En el verano de 2002, se convirtió en el primer galardonado del Premio Leonard Bernstein en el Festival de Schleswig-Holstein, como reconocimiento a su distinguido talento musical.
Además de su carrera musical, se dedica apasionadamente a compartir música con la gente joven y en 2004 fue nombrado por UNICEF embajador internacional de buena voluntad.
En 2009 la revista The Times, lo eligió como una de las 100 personas más influyentes del mundo.
Vals Brillante de Chopin

sábado, 20 de agosto de 2011

Evgeny Ígorevich Kissin

Pocos son los elegidos para arrancar de una manera tan temprana y fulgurante.
 Con tan solo dos años, Kissin era capaz de reproducir de oídas unas melodías al piano.
 A los seis, ingresa en la Academia Rusa de Música Gnessin, para niños prodigio, y ahí despunta por encima de todos sus compañeros.
A los doce años toca en público los conciertos para piano de Chopin.
Ya adolescente, solventa con pasmosa facilidad las más difíciles piezas del repertorio.
El despegue internacional de su carrera llega en 1988, cuando Karajan le llama para tocar bajo su batuta el Concierto para piano nº 1 de Chaikovsky.
Kissin ofrece una versión actualizada (aunque no tanto) del prototipo de pianista ruso: portentoso virtuosismo, capacidad para dominar con prodigiosa soltura los más arduos escollos técnicos, reflejos y garra muscular sobre el teclado, repertorio básicamente centrado en el romanticismo (Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, Brahms) y en los autores rusos (Chaikovsky, Rachmaninov, Scriabin, Shostakovich, Prokofiev).
El paso del tiempo no le ha quitado su cara de niño, pero sí ha depurado algunos aspectos de su estilo musical. Por ejemplo, ha templado la contundencia a veces excesiva de sus sonoridades y ha enriquecido su paleta tímbrica. También su visión de la partitura ha ganado en profundidad sin por ello renunciar a sus espectaculares dotes virtuosísticas.
El tiempo ha depurado algunos aspectos de su estilo musical. Si algunos todavía ponen en duda que Kissin pertenezca al olimpo de los grandes pianistas actuales es porque en él sigue hablando la insultante facilidad del predestinado. 
Primer movimiento del concierto para piano nº 2 de Rachmaninov

jueves, 18 de agosto de 2011

Friedrich Gulda


Pianista de origen austriaco nacido en 1930. Después de haber estudiado piano con Pazofsky y Grossmann, en 1942 se pone bajo la dirección de Bruno Seidhofer el cual por su parte había sido discípulo de Fr. Schmidt. Gulda amplia sus conocimientos musicales estudiando composición con Josef Marx. En 1944, con 14 años de edad gana el concurso internacional Ginebra.
Efectivamente, fue un ejecutante realmente talentoso que siguió creciendo, y de tal forma que en 1950 – con 20 años de edad- se presenta en el Carnegie Hall de Nueva York  con gran éxito, interpretando para el público la versión integra de las 32 sonatas de Beethoven.
 Para comienzos de los años cincuenta del siglo pasado el prestigio de Friedrich Gulda era muy grande. Sin embargo y sin desmerecer su orientación pianística, comenzó a orientarse de manera paulatina hacia la música del jazz. Este hecho llegó en ese momento a tal nivel, que fue invitado inclusive a los festivales de jazz de Newport. Creó además una Big Band  que se llamó “Eurojazz Orchestra”  y un concurso internacional de jazz en Viena. Gulda dio conciertos en los cuales hubo mezcla de música clásica con jazz.
Este pianista, al cual algunos lo juzgaban como un excéntrico, llegaba a dar conciertos en los cuales el auditorio presente no sabía que era lo que iba a escuchar: Gulda decidía prácticamente en el momento de sentarse al piano si tocaba una sonata de Mozart o alguna composición suya basado en un tema de la música “sincopada” o ambas cosas. Inclusive su excentricismo pasó a lo inimaginable: tocar a través de la televisión… completamente sin ropas. Pero se le toleraba dado que era un excelente pianista.
No debemos pensar en forma alguna que haya abandonado la música que lo llevó al estrellato, dado que llegó a efectuar estudios profundos y analíticos de las sonatas de Beethoven, recordando ello lo que Artur Schnabel había hecho varias décadas atrás.
En este aspecto, Gulda recomendaba ser muy cuidadoso con las interpretaciones de las sonatas de Beethoven. Por ejemplo destacaba que las indicaciones del genio de Bonn con respecto al uso del pedal no podían ser tomadas en cuenta en los días actuales. Ello lo fundamentaba en que en esa época recién comenzaba el uso de este recurso mecánico, y que su reverberación era inferior a los días actuales. Por lo tanto era necesario hacer las debidas diferencias en este aspecto para que el sonido no salga “sucio”. También aclaraba que no existía problema alguno en ejecutar estas sonatas de acuerdo a como fueron apareciendo, en orden cronológico. Ello se debe a que cada una de ellas  ― las 32 ― tienen su propio mundo, sus propias características. Inclusive, aclaraba Gulda, Beethoven le quiso poner un nombre a cada una de estas obras. Teniendo esto en cuenta, no se puede decir que “el escuchar una sonata de Beethoven, es haber escuchado todas”. Este gran artista austriaco tuvo en muy alto concepto a este compositor  alemán. En efecto, llegó a expresar que cuanto mayor nivel tiene el pianista el que ejecuta estas sonatas, menos son las libertades que se puede tomar. La obra en cuestión debe “poseer” al intérprete y no a la inversa.
 Gulda fue además un excelente ejecutante de la música de Mozart y también creador de excelentes “cadencias” para los conciertos para piano y orquesta del genio de Salzburgo. Tuvo el privilegio de haber orientado de manera muy significativa a Martha Argerich. En ese sentido esta gran pianista expresó en cierta ocasión que llegó a admirarlo mucho, especialmente por su personalidad “un poco menos que subversiva...”.
Friedrich Gulda publicó un libro: “Worte zur Music”.
Su excentricismo llegó hasta el límite de fingir su propia muerte, envió un fax anónimo a la agencia de noticias APA anunciando que un infarto había puesto fin a su vida el 28 de marzo de 1999 en el aeropuerto de Zúrich. Al año siguiente, un infarto masivo de miocardio pondría fin a su vida, el 27 de enero de 2000, justo el día en que nació uno de sus ídolos Wolfgang Amadeus Mozart, contaba en ese momento 69 años de edad.
http://www.gulda.at/
Concierto nº 20 para piano y orquesta de Mozart K466
Aquí lo podeis ver dirigiendo la orquesta y tocando el piano a la vez, realmente prodigioso.

martes, 16 de agosto de 2011

Glenn Gould

Sus padres fueron Russell Herbert (Bert) Gould y Florence (Flora) Emma Greig Gould. Recordemos que Greig es la pronunciación original en Escocia de su nombre, diferente a la variante noruega Grieg. Su primera maestra de piano fue su madre, su abuelo era primo de un famoso pianista y compositor noruego llamado Edgard Grieg.
A la edad de 10 años entró en el Real Conservatorio de Música de Toronto, donde estudió piano con Alberto Guerrero, órgano con Frederick C. Silvestre y Teoría de la música con Leo Smith.
En 1945, Gould hizo su primera actuación en público (con órgano) y al año siguiente hizo su primera aparición con orquesta; interpretando el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Toronto.
Su primer recital para piano en público fue en 1947, y su primera aparición en la radio fue en la CBS en 1950, desde entonces nunca abandonaría este medio de comunicación que le fascinaba.
En 1957, Gould viajó a la Unión Soviética, convirtiéndose en el primer norteamericano en tocar allí desde la Segunda Guerra Mundial. Sus conciertos incluían música de Bach, Beethoven y la música más tradicional de Arnold Schoenberg y Alban Berg, que previamente sorprendieron en la Unión Soviética durante el socialismo.
El 10 de abril de 1964, Glenn realizó su último concierto público en Los Ángeles, California, en el Teatro Wilshire Ebell. Entre las piezas que tocó esa noche estuvo la sonata número 3 para piano de Beethoven y la sonata Opus 92 número 4 de Ernst Krenek. Después de esto y por el resto de su vida se concentró solamente en las grabaciones, la composición y la trascripción.
Excéntrico y encantador, se presentaba a los conciertos con mitones, abrigo y bufanda, independientemente del calor que hiciera, con una desvencijada silla de madera con respaldo y casi sin asiento, con las patas recortadas que hacía que le quedara la nariz a la altura del teclado. No es raro escuchar su voz cantando durante las grabaciones.
Dotado naturalmente de una técnica sorprendente, sus grabaciones son un referente musical para todo músico.
Poco más de veinte años después de su muerte, exámenes científicos le diagnosticaron el síndrome de Asperger. Muchas personas con este desorden creen que Gould lo tenía.
La pequeña silla que utilizaba le identifica fielmente y tiene un lugar de honor en una vitrina de la Biblioteca Nacional de Canadá.
Cada grabación la preparaba con todo detalle como una obra única, y nunca regrabó ninguna pieza, con la notable excepción de las Variaciones Goldberg, cuya primera versión grabó en 1955, al inicio de su carrera, y la segunda en 1981, totalmente distinta, poco antes de su muerte, y empleando tecnología digital en todo el proceso.
Gould publicó más de 60 discos con un repertorio que abarcó desde Bach hasta Schoenberg, desde Beethoven hasta Shostakovich, a quien popularizó en Occidente. De Bach dejó un inigualable patrimonio de grabaciones.
Es el único músico cuya interpretación viaja hacia las estrellas. La nave Voyager 1, que despegó de la Tierra el 5 de septiembre de 1977 en busca de vida extraterrestre, lleva -entre otras muestras representativas de actividad humana- una grabación del preludio y fuga número 1 del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach volumen I, interpretada por Glenn Gould.
 En 1993, se hizo una película sobre él titulada "Thirty two short films about Glenn Gould". (Treinta y dos películas cortas sobre Glenn Gould) dirigida por François Girard y Don McKellar, que merece la pena ver para comprender mejor a este gran artista.
Personalmente, lo considero como el mejor interprete de Bach que ha existido, cuando toca parece que no está en este mundo, el espíritu de Bach nos habla a través de sus dedos.

Variaciones de Goldberg de Bach obra completa
El arte de la fuga de Bach
Momentos de Glenn Gould
Documental sobre la vida de Glenn Gould
Película completa "Thirty two short films about Glenn Gould" dirigida por François Girard y Don McKellar

miércoles, 3 de agosto de 2011

Craig Amstrong

Estudio composición, piano y violín en la Real Academia de la Música de Londres entre 1977 y 1981, siendo galardonado con los premios Charles Lucas y la beca de composición Harvey Lohr, además de muchos otros premios más.
Es mundialmente conocido como compositor de bandas sonoras de películas, entre las que podemos citar Mouling Rouge,  por la que obtiene en el año 2002 el premio BAFTA, Globo de Oro, el Word Sountrack y el Golden Satellite Award;  Wall street, el dinero nunca duerme; Elisabeth, la edad de oro; El increible Hulk; y muchísimas más.
También ha compuesto para artistas de la talla de U2, Madonna, Luciano Pavarotti, Masive Attack. etc...
A pesar de sus logros dentro de la música, Craig sigue siendo un hombre modesto y pragmático, como él mismo dice: no le gusta que le traten como a un ser superior, sino como a una persona que gracias a su trabajo consigue crear composiciones que hacen disfrutar a la gente, y si puede con ello conseguir que sean más felices en ese momento, habrá culminado su objetivo.  
En el año 2010 la Reina de Inglaterra le concedió La Orden del Imperio Británico.
Piano Works the film de Craig Amstrong