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El piano tiene 88 teclas para hablarte de sentimientos, estos artistas conocen su lenguaje, disfrútalos.
Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.
Pianista canadiense nacido en Montreal el 5 de septiembre de 1961. Comenzó sus estudios de piano a la edad de cinco años. Su padre, farmacéutico de profesión, también era un pianista aficionado, y presenta al joven Marc-André a Charles-Valentin Alkan, Leopold Godowsky, y Kaikhosru Shapurji Sorabji.
Estudió en École de musique Vincent-d'Indy en Montreal y luego en la Universidad del Templo en Filadelfia. En 1989 le concedieron el Premio de Virginia Parker Prize.
Ha dado conciertos en muchas ciudades, como por ejemplo en festivales como Kissingen Malo, Belfast, Cervantino, La Grange de Meslay, Rarezas del Piano de Husum, Lanaudière, Ravinia, La Roque d’Anthéron, Piano de Ruhr, Halifax (Nueva Escocia), Piano de Singapur, Snape Maltings (Snape Maltings) Fiestas de promoción, Turku y Cuerdas de Ottawa del Futuro, así como los Festivales de Chopin de la Bagatela (París), Duszniki y Valldemossa.
Marc-André Hamelin aparece con regularidad tanto en el Pasillo Wigmore Serie Masterconcert como en la Serie del Piano Internacional en el Banco del Sur de Londres.
Ha realizado grabaciones de una amplia variedad de compositores con la etiqueta Hyperion. Su grabación de Leopold Godowsky's Estudios completos de Chopin ganó el premio de la Revista del Fonógrafo.
Es conocido por sus interpretaciones de compositores menos conocidos, sobre todo de los últimos del siglo XX: Leo Ornstein, Nikolai Roslavets, Georgy Catoire, Nikolai Kapustin, Franz Liszt, Nikolai Medtner y Frederic Rzewski, entre otros.
Hamelin también ha realizado varios trabajos, incluso estudios para todas las claves menores, completados en 2009 y publicadas en el septiembre de 2009 por Edición Peters, con una grabación de la marca Hyperion.
En 1985 ganó el Carnegie Hall Concurso internacional para la Música americana.
En 2004 Hamelin recibió el premio de registro internacional en Cannes.
Más recientemente, ganó el Premio de Juno de 2008 por el Álbum Clásico del Año: Solo o Conjunto de la Cámara — Concierto de Alkan para Piano del Solo.
Su primera mujer fue la soprano Jody Karin Applebaum. Actualmente vive en Boston, Massachusetts con su esposa, Cathy Fuller, pianista y locutora de música clásica para la WGBH. http://www.marcandrehamelin.com/
Diana Krall nació el 11 de noviembre de 1964 en Nanaimo, una pequeña localidad de pescadores de la isla de Vancouver, en Canadá. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz, y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano.
Comenzó a dar clases de piano con tan sólo 4 años. Cada domingo la familia al completo se reunía para interpretar clásicos de Nat King Cole o Frank Sinatra. «Nos turnábamos -recuerda ella en entrevistas-; ni siquiera puedo recordar cuándo no estábamos tocando.» Su primera influencia musical consciente fueron las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre, y que ella intentaba reproducir nota por nota.
De adolescente, Krall se unió a la banda de jazz de su escuela superior, y a los quince años logró su primer trabajo remunerado: tocaba el piano tres noches a la semana en un restaurante local. Por entonces, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, a imitación de sus admiradas Roberta Flack o Nina Simone, aunque sólo se sentía del todo cómoda como instrumentista.
En 1981 ganó una beca del Festival de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa escuela de música Berklee, en Boston, Estados Unidos. Allí residió durante un año y medio de riguroso aprendizaje, tras lo cual volvió a cruzar la frontera canadiense para regresar a su pueblo natal.
Una noche, el reconocido bajista Ray Brown la escuchó tocar en un pequeño local de Nanaimo. Impresionado, se presentó en el camerino y le propuso ser su mentor y manager. Krall aceptó encantada, iniciando una relación profesional que se mantendría hasta el fallecimiento de Brown, en julio de 2002.
Siguiendo el consejo de Brown, Diana se mudó a Los Ángeles. Allí, con una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director musical de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Rowles la animó a complementar su habilidad al piano desarrollando del todo sus posibilidades vocales, de las que todavía se sentía insegura.
Tras residir una temporada en Toronto, a principios de los años noventa se mudó a Nueva York, donde formó su propio trío. Después de hacerse un hueco en la escena local, publicó en el pequeño sello discográfico Justin Time, con base en Montreal, su primer álbum: Stepping out (1990). En este prometedor debut participaron prestigiosos músicos como Jeff Hamilton o John Clayton.
En 1994 publicó para el sello GRP Only trust your hear, en el que contó con la colaboración al bajo de su viejo amigo Ray Brown. Para este disco contó con un productor de lujo: el veterano Tommy LiPuma, cuya trayectoria incluye trabajos con Barbra Streisand, Miles Davis, João Gilberto o Natalie Cole. Ambos quedaron tan satisfechos con el resultado que LiPuma ha seguido produciendo todos sus trabajos posteriores.
Tras emprender su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, en 1996 presentó All for you, un delicioso homenaje a la música de Nat King Cole, publicado por el clásico y renovado sello de jazz Impulse! No sólo recibió críticas excelentes (el diario The New York Times lo eligió entre los diez mejores discos del año), sino que además obtuvo unas ventas sorprendentes para su género y una nominación a los Premios Grammy.
Su siguiente disco, Love scenes (1997), la situó definitivamente entre los grandes del jazz. Participó en eventos de prestigio como las galas de ese año de tributo a Ella Fitzgerald (en el Carnegie Hall) y a Benny Carter (en el Lincoln Center), y durante semanas fue la atracción de la Oak Room, la prestigiosa sala de conciertos del Algonquin Hotel de Manhattan.
Sin embargo, pocos imaginaban hasta dónde podía llegar su popularidad. Con When I look in your eyes (1999) logró su primer disco de platino (un millón de ejemplares vendidos) y el Premio Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz. También fue la primera artista de jazz nominada en la categoría de Álbum del Año en veinticinco años, y en participar en el Festival Lilith Fair (habitual escenario de cantantes de pop, como Alanis Morissette o Sheryl Crow).
Su música empezó a sonar en populares series de televisión como Sexo en la ciudad, o en películas como Otoño en Nueva York o The Score. Un golpe maestro (de Robert De Niro). Celebridades como Sting, Elton John o Harrison Ford declararon su afición a la joven cantante, que en 2000 recibió la Orden de la Columbia Británica, como embajadora de esa provincia y de la cultura canadiense en todo el mundo.
The look of love (2001), su siguiente paso discográfico, en el sello Verve, se planteó como un homenaje a las baladas de Frank Sinatra en clásicos como Only the lonely. A Krall se le ocurrió llamar a uno de sus músicos favoritos, el alemán Claus Ogerman, responsable del sonido de discos clásicos de Sinatra, Streisand o Antonio Carlos Jobim. El único problema era que Ogerman llevaba por entonces diecisiete años apartado de los arreglos para otros músicos de jazz, y concentrado en sus propias composiciones para piano y violín. Ello no impidió que, durante una gira por Europa, concertaran un encuentro en Munich.
El veterano músico y arreglista quedó impresionado con el talento y los conocimientos de Krall, y ambos coincidieron en su gusto por las películas antiguas. Sin dudarlo, Ogerman se sumó al proyecto y dirigió a la Orquesta Sinfónica de Londres en el acompañamiento de clásicos como Cry me a river o I get along very well without you, y una versión en español de Bésame mucho. Por supuesto, The look of love fue un éxito, y ganó dos Premios Grammy.
A continuación, Krall publicó su primer disco en directo, Live in Paris (2002), grabado en diciembre de 2001 durante una serie de recitales en el Olympia de la capital francesa. Este álbum ya anticipaba la versatilidad que iba a mostrar la cantante, con un repertorio que engloba siete décadas de la mejor música americana: desde los estándares de Tin Pan Alley de los años veinte o el I’ve got you under my skin de Cole Porter, hasta una canción de Billy Joel.
Diana se encontraba en la cima de su carrera cuando recibió el golpe más duro de su vida. Su madre, Adella, ya había recibido un trasplante de médula ósea en 1996 para tratar de superar un cáncer, pero recayó cuatro años más tarde y se sometió a un segundo trasplante en otoño de 2001. Sin embargo, esta vez no mejoró, y falleció en mayo de 2002, a los sesenta años de edad.
Esta tragedia dio lugar a las sensibles composiciones de The girl in the other room, publicado en abril de 2004, y también la convirtió en una activa luchadora contra el cáncer (en marzo de 2004 ofreció un concierto benéfico con su marido, el músico británico Elvis Costello, y con Elton John, para recaudar fondos para un hospital de Vancouver que lucha contra la leucemia).
En el álbum, Krall expande considerablemente sus horizontes estilísticos al incorporar canciones de cantautores americanos modernos -como Tom Waits o Joni Mitchell- a su repertorio habitual de estándares del bop y el swing. También contiene seis canciones escritas a medias con su marido.
La relación con el ídolo del pop de los años ochenta fue esencial en el cambio de rumbo de la artista de jazz, que anteriormente nunca había presentado composiciones propias. Ambos se conocieron durante la entrega de los Premios Grammy de 2002, y decidieron colaborar juntos. Basándose en las largas conversaciones que mantuvieron acerca de la muerte de Adella y de cómo ésta afectó a Diana, Costello escribió las letras para una serie de melodías que la artista compuso. La relación profesional se convirtió también en sentimental, y se casaron en diciembre de 2003.
Las canciones de The girl in the other room muestran una faceta desconocida de la artista que ganó su primera nominación a los Grammy con un disco dedicado a las baladas de Nat King Cole: más vital, más pop, y al mismo tiempo más introspectiva que nunca. También supusieron su mayor triunfo comercial, con ventas millonarias tanto en Estados Unidos como en Europa.
Sus padres fueron Russell Herbert (Bert) Gould y Florence (Flora) Emma Greig Gould. Recordemos que Greig es la pronunciación original en Escocia de su nombre, diferente a la variante noruega Grieg. Su primera maestra de piano fue su madre, su abuelo era primo de un famoso pianista y compositor noruego llamado Edgard Grieg.
A la edad de 10 años entró en el Real Conservatorio de Música de Toronto, donde estudió piano con Alberto Guerrero, órgano con Frederick C. Silvestre y Teoría de la música con Leo Smith.
En 1945, Gould hizo su primera actuación en público (con órgano) y al año siguiente hizo su primera aparición con orquesta; interpretando el Concierto para piano nº 4 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica de Toronto.
Su primer recital para piano en público fue en 1947, y su primera aparición en la radio fue en la CBS en 1950, desde entonces nunca abandonaría este medio de comunicación que le fascinaba.
En 1957, Gould viajó a la Unión Soviética, convirtiéndose en el primer norteamericano en tocar allí desde la Segunda Guerra Mundial. Sus conciertos incluían música de Bach, Beethoven y la música más tradicional de Arnold Schoenberg y Alban Berg, que previamente sorprendieron en la Unión Soviética durante el socialismo.
El 10 de abril de 1964, Glenn realizó su último concierto público en Los Ángeles, California, en el Teatro Wilshire Ebell. Entre las piezas que tocó esa noche estuvo la sonata número 3 para piano de Beethoven y la sonata Opus 92 número 4 de Ernst Krenek. Después de esto y por el resto de su vida se concentró solamente en las grabaciones, la composición y la trascripción.
Excéntrico y encantador, se presentaba a los conciertos con mitones, abrigo y bufanda, independientemente del calor que hiciera, con una desvencijada silla de madera con respaldo y casi sin asiento, con las patas recortadas que hacía que le quedara la nariz a la altura del teclado. No es raro escuchar su voz cantando durante las grabaciones.
Dotado naturalmente de una técnica sorprendente, sus grabaciones son un referente musical para todo músico.
Poco más de veinte años después de su muerte, exámenes científicos le diagnosticaron el síndrome de Asperger. Muchas personas con este desorden creen que Gould lo tenía.
La pequeña silla que utilizaba le identifica fielmente y tiene un lugar de honor en una vitrina de la Biblioteca Nacional de Canadá.
Cada grabación la preparaba con todo detalle como una obra única, y nunca regrabó ninguna pieza, con la notable excepción de las Variaciones Goldberg, cuya primera versión grabó en 1955, al inicio de su carrera, y la segunda en 1981, totalmente distinta, poco antes de su muerte, y empleando tecnología digital en todo el proceso.
Gould publicó más de 60 discos con un repertorio que abarcó desde Bach hasta Schoenberg, desde Beethoven hasta Shostakovich, a quien popularizó en Occidente. De Bach dejó un inigualable patrimonio de grabaciones.
Es el único músico cuya interpretación viaja hacia las estrellas. La nave Voyager 1, que despegó de la Tierra el 5 de septiembre de 1977 en busca de vida extraterrestre, lleva -entre otras muestras representativas de actividad humana- una grabación del preludio y fuga número 1 del Clave bien temperado de Johann Sebastian Bach volumen I, interpretada por Glenn Gould.
En 1993, se hizo una película sobre él titulada "Thirty two short films about Glenn Gould". (Treinta y dos películas cortas sobre Glenn Gould) dirigida por François Girard y Don McKellar, que merece la pena ver para comprender mejor a este gran artista.
Personalmente, lo considero como el mejor interprete de Bach que ha existido, cuando toca parece que no está en este mundo, el espíritu de Bach nos habla a través de sus dedos.
Comienza sus estudios de piano con su madre a la edad de 5 años. A los 9 años ingresa en la Escuela de Música "Vicent d'Indy" de Montreal (Canadá), a los 17 ya es Maestra de música por la Universidad de Montreal. Marcha a París y recibe clases de Yvonne Lefebure durante 2 años, después continuará sus estudios en Nueva York, en la prestigiosa Escuela de Música "Juilliard" recibiendo las clases de Sascha Gorodnitzki.
Ha dado recitales en Canadá, Polonia, Francia, Israel y ha actuado con las más prestigiosas orquestas.
Ha obtenido numerosos premios: Concurso Internacional de Piano de Montreal, Concurso Internacional de Piano Arthur Rubinstein...
Precisamente, el mismo Arthr Rubistein dijo de ella en 1975: "Para mí ha sido una revelación; nunca he oído interpretar la gran Sonata de Liszt con la fuerza, el temperamento, la comprensión y la belleza de sonido y, sobre todo, con la emoción y ese completo dominio técnico. Su sorprendente bagaje técnico es simplemente un instrumento que ella utiliza para su profundamente sentido amor por la música de los maestros. No puedo recomendar lo bastante a una joven artista de tal calibre y lo hago solamente para proporcionar a mis fieles públicos en todo el mundo, el mismo gozo que yo sentí escuchándola."
Es de reseñar, que en 2002 se le detectó un tumor en su brazo izquierdo del que se operó, y esto la obligó, mientras se recuperaba, a dar conciertos sólo para su mano derecha, durante casí 2 años.
Ha dado más de 2000 conciertos en todo el mundo, y aún sigue deleitando al público con sus grandes interpretaciones.
Sin duda el mejor pianista y compositor de jazz canadiense, con un talento innato desde su infancia. Fue seguidor de Art Tatum, con el que compartía una gran técnica a la hora de interpretar, asombrando por la velocidad con que tocaba las notas. Fundó una escuela de jazz en Toronto llamada la Escuela Superior de Música Contemporánea.
