Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.

sábado, 31 de enero de 2015

Diego Amador "El Churri"

Diego Amador nace en Sevilla en el año 1973, en el barrio sevillano más conocido por las 3000 viviendas.  En su familia siempre ha estado presente el arte flamenco del que ha bebido desde sus más tiernos años. Sus hermanos mayores son Raimundo y Rafael Amador, fundadores del grupo flamenco "Pata Negra".  
El futuro de El Churri, apodo por el que es también conocido, se decidió el día en que su padre apareció en casa trayendo un viejo órgano Hammond. Diego no lo dudó un instante, se sentó en el taburete, acarició el teclado y se puso a tocar ... por bulerías.
Su formación musical es estrictamente “no académica”. Respondiendo a las enseñanzas de sus  familiares mas directos, en su mayoría guitarristas, su primer instrumento,  ha sido naturalmente la guitarra.  Sin embargo ha comenzado a recorrer escenarios, con solo once años, tocando la batería con  el grupo de sus hermanos “Pata Negra”.  Al mismo tiempo, llegarían a sus manos, nuevos instrumentos  , con los que acompañaría a cantantes como la Susi, Remedios Amaya, El Potito, Diego El Cigala y Tomatito. 
   Paralelamente, ha colaborado y compartido escenarios con músicos como Chick Corea, Birelli  Lagreene, Luis Salinas, Jorge Pardo, Carles Benavent. Alex Acuña, Abrahan  Laboriell, Larry Coriel, Jerry Gonzalez , Path Metheny  y Charlie Haden entre otros.
   Su inquietud por la música lo ha convertido en multinstrumentista, a la hora de componer, grabar y producir. Sin embargo, su carrera en solitario, lo define claramente como pianista y cantaor.
El Piano, al que considera “su instrumento”, y del que nunca ha tomado referencia española , lo descubrió a través del Jazz, música que lo ha cautivado en su niñez y lo mantiene abierto a crear y compartir proyectos  con grandes de este género musical. 
     Su inspiración para componer “Flamenco”, sigue siendo aún, la guitarra, lo que le aporta un sentido natural  al tocar por Solea, Bulerías, Rondeña, … ”SER FLAMENCO” es su sello.
El Cante, su faceta  musical menos conocida hasta la aparición de “Rio de los Canasteros”, es sin dudas la revelación que lo termina de convertir, en único en su género.
Cartageneras y Bulerías, Duo de pianos, Diego Amador con David Dorantes
"Solea para el tío Vargas"
"Pellizcos flamencos"
Bulerías el Churri
"Taranta para pianoforte"
"Brujolerías"

sábado, 24 de enero de 2015

Diana Krall

Diana Krall nació el 11 de noviembre de 1964 en Nanaimo, una pequeña localidad de pescadores de la isla de Vancouver, en Canadá. Se crió con su hermana Michelle en un ambiente musical: su abuela era cantante de jazz, y sus padres, Adella y Jim, tocaban el piano.
Comenzó a dar clases de piano con tan sólo 4 años. Cada domingo la familia al completo se reunía para interpretar clásicos de Nat King Cole o Frank Sinatra. «Nos turnábamos -recuerda ella en entrevistas-; ni siquiera puedo recordar cuándo no estábamos tocando.» Su primera influencia musical consciente fueron las decenas de discos de Fats Waller que coleccionaba su padre, y que ella intentaba reproducir nota por nota.
De adolescente, Krall se unió a la banda de jazz de su escuela superior, y a los quince años logró su primer trabajo remunerado: tocaba el piano tres noches a la semana en un restaurante local. Por entonces, empezó a atraerle cada vez más el papel de cantante-pianista, a imitación de sus admiradas Roberta Flack o Nina Simone, aunque sólo se sentía del todo cómoda como instrumentista.
En 1981 ganó una beca del Festival de Jazz de Vancouver para estudiar en la prestigiosa escuela de música Berklee, en Boston, Estados Unidos. Allí residió durante un año y medio de riguroso aprendizaje, tras lo cual volvió a cruzar la frontera canadiense para regresar a su pueblo natal.
Una noche, el reconocido bajista Ray Brown la escuchó tocar en un pequeño local de Nanaimo. Impresionado, se presentó en el camerino y le propuso ser su mentor y manager. Krall aceptó encantada, iniciando una relación profesional que se mantendría hasta el fallecimiento de Brown, en julio de 2002.
Siguiendo el consejo de Brown, Diana se mudó a Los Ángeles. Allí, con una beca del gobierno canadiense, prosiguió sus estudios bajo la tutela del pianista Jimmy Rowles, director musical de la legendaria sala de conciertos Hollywood Bowl. Rowles la animó a complementar su habilidad al piano desarrollando del todo sus posibilidades vocales, de las que todavía se sentía insegura.
Tras residir una temporada en Toronto, a principios de los años noventa se mudó a Nueva York, donde formó su propio trío. Después de hacerse un hueco en la escena local, publicó en el pequeño sello discográfico Justin Time, con base en Montreal, su primer álbum: Stepping out (1990). En este prometedor debut participaron prestigiosos músicos como Jeff Hamilton o John Clayton.
En 1994 publicó para el sello GRP Only trust your hear, en el que contó con la colaboración al bajo de su viejo amigo Ray Brown. Para este disco contó con un productor de lujo: el veterano Tommy LiPuma, cuya trayectoria incluye trabajos con Barbra Streisand, Miles Davis, João Gilberto o Natalie Cole. Ambos quedaron tan satisfechos con el resultado que LiPuma ha seguido produciendo todos sus trabajos posteriores.
Tras emprender su primera gira internacional por Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón, en 1996 presentó All for you, un delicioso homenaje a la música de Nat King Cole, publicado por el clásico y renovado sello de jazz Impulse! No sólo recibió críticas excelentes (el diario The New York Times lo eligió entre los diez mejores discos del año), sino que además obtuvo unas ventas sorprendentes para su género y una nominación a los Premios Grammy.
Su siguiente disco, Love scenes (1997), la situó definitivamente entre los grandes del jazz. Participó en eventos de prestigio como las galas de ese año de tributo a Ella Fitzgerald (en el Carnegie Hall) y a Benny Carter (en el Lincoln Center), y durante semanas fue la atracción de la Oak Room, la prestigiosa sala de conciertos del Algonquin Hotel de Manhattan.
Sin embargo, pocos imaginaban hasta dónde podía llegar su popularidad. Con When I look in your eyes (1999) logró su primer disco de platino (un millón de ejemplares vendidos) y el Premio Grammy a la mejor interpretación vocal de jazz. También fue la primera artista de jazz nominada en la categoría de Álbum del Año en veinticinco años, y en participar en el Festival Lilith Fair (habitual escenario de cantantes de pop, como Alanis Morissette o Sheryl Crow).
Su música empezó a sonar en populares series de televisión como Sexo en la ciudad, o en películas como Otoño en Nueva York o The Score. Un golpe maestro (de Robert De Niro). Celebridades como Sting, Elton John o Harrison Ford declararon su afición a la joven cantante, que en 2000 recibió la Orden de la Columbia Británica, como embajadora de esa provincia y de la cultura canadiense en todo el mundo.
The look of love (2001), su siguiente paso discográfico, en el sello Verve, se planteó como un homenaje a las baladas de Frank Sinatra en clásicos como Only the lonely. A Krall se le ocurrió llamar a uno de sus músicos favoritos, el alemán Claus Ogerman, responsable del sonido de discos clásicos de Sinatra, Streisand o Antonio Carlos Jobim. El único problema era que Ogerman llevaba por entonces diecisiete años apartado de los arreglos para otros músicos de jazz, y concentrado en sus propias composiciones para piano y violín. Ello no impidió que, durante una gira por Europa, concertaran un encuentro en Munich.
El veterano músico y arreglista quedó impresionado con el talento y los conocimientos de Krall, y ambos coincidieron en su gusto por las películas antiguas. Sin dudarlo, Ogerman se sumó al proyecto y dirigió a la Orquesta Sinfónica de Londres en el acompañamiento de clásicos como Cry me a river o I get along very well without you, y una versión en español de Bésame mucho. Por supuesto, The look of love fue un éxito, y ganó dos Premios Grammy.
A continuación, Krall publicó su primer disco en directo, Live in Paris (2002), grabado en diciembre de 2001 durante una serie de recitales en el Olympia de la capital francesa. Este álbum ya anticipaba la versatilidad que iba a mostrar la cantante, con un repertorio que engloba siete décadas de la mejor música americana: desde los estándares de Tin Pan Alley de los años veinte o el I’ve got you under my skin de Cole Porter, hasta una canción de Billy Joel.
Diana se encontraba en la cima de su carrera cuando recibió el golpe más duro de su vida. Su madre, Adella, ya había recibido un trasplante de médula ósea en 1996 para tratar de superar un cáncer, pero recayó cuatro años más tarde y se sometió a un segundo trasplante en otoño de 2001. Sin embargo, esta vez no mejoró, y falleció en mayo de 2002, a los sesenta años de edad.
Esta tragedia dio lugar a las sensibles composiciones de The girl in the other room, publicado en abril de 2004, y también la convirtió en una activa luchadora contra el cáncer (en marzo de 2004 ofreció un concierto benéfico con su marido, el músico británico Elvis Costello, y con Elton John, para recaudar fondos para un hospital de Vancouver que lucha contra la leucemia).
En el álbum, Krall expande considerablemente sus horizontes estilísticos al incorporar canciones de cantautores americanos modernos -como Tom Waits o Joni Mitchell- a su repertorio habitual de estándares del bop y el swing. También contiene seis canciones escritas a medias con su marido.
La relación con el ídolo del pop de los años ochenta fue esencial en el cambio de rumbo de la artista de jazz, que anteriormente nunca había presentado composiciones propias. Ambos se conocieron durante la entrega de los Premios Grammy de 2002, y decidieron colaborar juntos. Basándose en las largas conversaciones que mantuvieron acerca de la muerte de Adella y de cómo ésta afectó a Diana, Costello escribió las letras para una serie de melodías que la artista compuso. La relación profesional se convirtió también en sentimental, y se casaron en diciembre de 2003.
Las canciones de The girl in the other room muestran una faceta desconocida de la artista que ganó su primera nominación a los Grammy con un disco dedicado a las baladas de Nat King Cole: más vital, más pop, y al mismo tiempo más introspectiva que nunca. También supusieron su mayor triunfo comercial, con ventas millonarias tanto en Estados Unidos como en Europa.
Concierto completo en el festival de jazz de Montreux
Concierto completo en Rio de Janeiro
Fly me to the moon
Look of love
Just the way you are
Concierto completo en Newport

sábado, 17 de enero de 2015

Teresita Gómez

Teresa Gómez Arteaga nació en Medellín (Colombia) el 9 de mayo de 1943, es una destacada pianista y profesora  colombiana.
Fue adoptada por el matrimonio de Valerio Gómez y María Teresa Arteaga, oriundos de Marinilla, tuvo la suerte de que sus padres eran los porteros del Instituto de Bellas Artes de Medellín. Ellos cada día comprobaban con inquietud cómo la niña mostraba inclinación por el piano, que usurpaba clandestinamente en las horas vacías de la institución: “cuando se den cuenta nos echan, decía su padre Valerio”.
Teresita vivió su infancia entre cantos, acuarelas, ballet, escenarios e instrumentos musicales, cosas que compensaban el aislamiento de los otros niños, a quienes no les permitían acercarse a ella porque era “de color”. En esa fragua templó el acero de la gran Teresita.
Inicia su formación pianística a los 4 años de edad con las profesoras Marta Agudelo de Maya y Anna María Penella en el Instituto de Bellas Artes de Medellín. con tan solo 10 años realiza su primer concierto como solista.
Realiza estudios superiores de piano en la Universidad Nacional de Colombia con la pianista rusa Tatiana Goncharova y la pianista alemana Hilde Adler entre 1959 y 1962. Posteriormente fue estudiante del pianista colombo-holandés Harold Martina en la Universidad de Antioquia entre 1964 y 1966, en donde se graduó como Concertista y Maestra de Piano summa cum laude.
Ha sido alumna también de Barbara Hesse (Varsovia, 1985), Jakob Lateiner (Weimar, 1986) y Klaus Bässler (Berlín, 1986-87).
Ha sido profesora de piano en la Universidad de Antioquia, en Colombia.  Concertista individual y en conjuntos camarísticos como por ejemplo, el dúo instrumental con el bandolista Jairo Rincón Gómez y su dúo permanente con el tenor colombiano Diver Higuita Bustamante con quien ha difundido la obra vocal en Colombia y en Europa de Antonio María Valencia, Gustavo Yepes, José Rozo Contreras, Jaime León, entre otros compositores colombianos.
En el año 2005, el Gobierno de Colombia le otorga la Cruz de la Orden de Boyacá en el grado de Comendador por su trayectoria artística, aporte a la cultura musical y representación honorable de Colombia en el exterior.
Recomiendo leer la entrevista que hace Cristóbal Pelaez a Teresita para comprender la vida y sensibilidad de esta extraordinaria pianista colombiana.

Concierto homenaje a Teresita Gómez (1/4)
Concierto homenaje a Teresita Gómez (2/4)
Concierto homenaje a Teresita Gómez (3/4)
Concierto homenaje a Teresita Gómez (4/4)
Documental sobre su vida

sábado, 10 de enero de 2015

Alicia Gabriela Martínez

Alicia Gabriela Martínez nació en Caracas en 1984. Comenzó sus estudios de piano en Caracas gracias a su madre Alicia Gaggioni.
A pesar de su juventud tiene una lista impresionante de recitales y conciertos con orquesta.  Desde su debut  a los 7 años ejecutando el concierto Op.19 No.2 de Beethoven con la Orquesta Sinfónica Venezuela, se ha presentado como solista  con  varias de las orquestas más importantes de EEUU, como la Sinfónica de New Jersey y la Sinfónica de San Francisco, al igual que con otras importantes orquestas europeas como la Filarmónica de Stuttgart.  
Ha tocado bajo la batuta de Gustavo Dudamel y de otros destacados directores como  James Gafigan, James Conlon, Edmon Colomer, Charles Dutoit, Anne Manson, Giordano Bellincampi, Guillermo Figueroa, Lawrence Foster, Dirk Brosse, David Machado, Otto Werner-Muller, Klauspeter Seibel,  Pedro y Cristóbal Halffter entre otros. 
Ha ofrecido importantes recitales al lado de gigantes de la música clásica como el violinista Itzhak Perlman, con quien ha tocado frecuentemente. Además Alicia Gabriela se presenta regularmente en una de las salas más importantes del mundo como lo es el Carnegie Hall. 
Como solista y músico de cámara se ha presentado en más de 50 salas de concierto en  Estados Unidos y Alemania, al igual que en Brasil, Holanda, Caracas, Salzburgo, Copenhague, St. Moritz, Sendai, Tel Aviv, Tokio, Montpellier, Roma, Venecia, Londres, Spoleto, Bruselas, y Bogotá.   
Ha obtenido numerosos premios y distinciones internacionales. Sus más recientes logros incluyen el primer lugar y premio de la audiencia del Internationaler Klavierwettbewerb Anton G. Rubinstein en Dresden (Alemania). Fue semifinalista del 12th Van Cliburn International Piano Competition  donde también recibió  "Jury Discretionary Award.". Sus ejecuciones han sido transmitidas en estaciones de radio y  televisión tales como NHK (Japón), Radio France (Francia), RAI (Italia), CNN, PBS, Deutsche Welle (Alemania), MDR Kultur, (Leipzig), Euronews (Europa y Latinoamérica), 60 minutes, ABS, From the Top (USA), Radio Caracol y numerosas emisoras de radio y televisión en Venezuela.    
Alicia Gabriela obtuvo su título de grado y Maestría en música becada completamente en The Juilliard School of Music en New York con la Dra. Yoheved Kaplinsky, actualmente está  cursando su doctorado en Halle, Alemania con  Dr. Marco Antonio de Almeida. Durante los años 2007-2009 fue miembro de ¨The Academy”, un programa de Carnegie Hall, The Juilliard School y Weil Music Institute. Es miembro desde  2008 de  la facultad de Kean University (USA) como Artista de Conciertos. 

Primer movimiento del Concierto para piano y orquesta nº 2 de Chopin
Segundo movimiento del Concierto para piano y orquesta nº 2 de Chopin
Tercer movimiento del Concierto para piano y orquesta nº 2 de Chopin
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Rachmaninoff (1/5)
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Rachmaninoff (2/5)
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Rachmaninoff (3/5)
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Rachmaninoff (4/5)
Concierto nº 3 para piano y orquesta de Rachmaninoff (5/5)