Siempre he creido que el conocimiento de la música nos hace ser mejores personas, por eso te agradecería que difundieras este blog entre tus amigos.Juntos conseguiremos que este mundo sea mejor y más humano.

domingo, 18 de diciembre de 2011

Enrique "Mono" Villegas

Fue, además de un pianista notable, un gran conversador. Soltero empedernino, cinéfilo voraz, irónico, puede decirse sin temor a equivocarse que su personaje casi supera al músico.
He extraído el siguiente artículo de Mariano del Mazo, Publicado en Clarín, en el 2006, a 20 años de su muerte, porque creo que resume perfectamente la vida o obras de este genial pianista de jazz argentino, léanlo, disfrutarán como si fuera un relato del mismo Gabriel García Márquez:
<<A veces la gente me pide que cuente mi biografía. Yo siempre respondo: mi biografía termina a los siete años. A esa edad yo aprendí a tocar el piano. Y tocar el piano fue lo único que hice el resto de mi vida".
Enrique Villegas fundó alrededor de su figura una mitología poderosa. Además del piano, sus armas fueron la agudeza conceptual, el talento para la ironía y una forma de vida por lo menos pintoresca. Nació sietemesino el 3 de agosto de 1913 en Agüero y Charcas, hijo de Enrique Ulises (otro personaje: dentista, escribano, abogado y organizador de riñas de gallos) y de Helena Reybaud. "Mi mamá murió cuando yo tenía seis meses. Parece que la única función que cumplió en su vida fue tenerme a mí. Prácticamente no tuve padres. Me criaron unas tías condescendientes que jamás me obligaron a nada. Tuve suerte: hice lo que se me dio la gana toda mi vida".
A los 7 años recibió la primera lección de piano. Dos semanas más tarde tocaba Mozart correctamente e iba al Conservatorio Williams. "No me gustaba estudiar. Igual tuve que ir al colegio. Iba al Nacional Mariano Acosta, pero en cuarto año quedé libre por la cantidad de faltas. Me hacía la rabona pero no para ir al bar a jugar al billar. Me escapaba para volver al conservatorio".
Trabó amistad con Macedonio Fernández, con quien compartía el placer de la charla metafísica, la lectura y la holgazanería. Rara vez se levantaba antes de las tres de la tarde. "Sigo un precepto hindú: si puedes estar sentado, no estés parado; si puedes estar acostado, no estés sentado", repetía entre la sentencia y el sarcasmo. A la noche, si no tocaba, iba al cine. Tenía fobias menores: odiaba las berenjenas, las masitas de coco y el tomate. Y un carácter más que enamoradizo: le encantaban las mujeres. Por eso murió soltero.
En 1935 ganó su primer dinero con la música tocando con Eduardo Armani en el Alvear Palace Hotel. Antes había hecho en el Odeón el Concierto en Sol de Maurice Ravel. Después se empleó como músico de Radio El Mundo. Lo echaron cuando, anticipándose de alguna manera a una demasiado famosa frase de John Lennon, declaró que la muerte de Ravel era más importante que la muerte del Papa.
Se puso a escuchar y a tocar obsesivamente jazz. En 1955, invitado por el sello Columbia, se radicó en los Estados Unidos. Se quedó ocho años. Grabó con el contrabajista Milton Hilton y el baterista Cozy Cole y finalmente huyó despavorido de la compañía cuando le pidieron que grabara un disco de boleros.
Quedó varado en Manhattan, pero no se hizo demasiado problema. Descubrió lo caro que podía ser Nueva York y se la pasaba yendo al cine, cenando café con leche con pan con manteca y escuchando jazz. "Sufrí bastante en Nueva York —contaba—. Pero con el tiempo la aprendí a querer. Conocí a todos los genios: Duke Ellington, Cole Porter, Count Basie, Louis Armstrong, Coleman Hawkins. Y me di cuenta de que, aún en los Estados Unidos, el jazz no es popular ni mucho menos".
En Nueva York tuvo un intento de suicidio, uno de los episodios más desopilantes que atraviesa el nutrido anecdotario del Mono Villegas. "Yo estaba muy enamorado de una chica, pero un día discutimos y decidimos separarnos. Me deprimí. Iba caminando con ella y pensé: cuando pase el primer auto me tiro abajo. Vino un auto y me tiré, pero en ese preciso momento se prendió la luz roja y el coche frenó. Era un taxi. ¿Qué hizo la mujer? Se lo tomó y se fue. Un tiempo después hablamos por teléfono y le dije: Si me querés ver hoy te va a costar 35 centavos (que era lo que costaba el boleto del colectivo). Si me querés ver mañana te va a costar 850 dólares (lo que costaba un pasaje de avión a Buenos Aires). Por supuesto a los dos días estaba en la Argentina, sin ella. Nunca más la volví a ver."
En Buenos Aires comprobó que los cines eran exactamente iguales a los de Nueva York, pero con entrada más barata. Comprobó también que su fama había crecido, extrañamente. "Ahora los muchachos creen que soy Beethoven", se reía. Lo rodeaban músicos jóvenes, encandilados por su aura. Su departamento era el eje de reuniones en las que se filosofaba, se bebía y se tocaba hasta altas horas. Villegas no fumaba ni bebía. Era un anfitrión encantador pese a que, dicen, cuando estaba corto de dinero cobraba las bebidas que ofrecía.
En 1966 abrió un boliche en Viamonte entre Talcahuano y Uruguay,Villegas y sus amigos. Tocaba, puntualmente, entre la una y media y las tres de la mañana. Lo clausuraron al poco tiempo por ruidos molestos.
"El jazz argentino no existe —comentaba—. Hay músicos argentinos que hacen jazz. Es así. Por otra parte, yo no me considero pianista de jazz. Soy pianista a secas. El jazz es improvisación total: en cuanto se escribe, deja de ser jazz. Es lo que hizo Picasso con Las meninas de Diego Velázquez: partió de un tema para expresarse libremente. Eso es el jazz".
Se quejaba de que no había buenos pianos en la Argentina. Cuando tenía que dar un concierto en malas condiciones, charlaba la mayor parte del tiempo y apenas tocaba un par de piezas. Su obsesión con el tema era tal que, aún hoy, algunos músicos repiten Al gran pueblo argentino: ¡pianos!, frase acuñada por Villegas que, incluso, fue el título de un disco que registró un concierto de 1964 con el contrabajista Jorge López Ruiz y y el baterista Eduardo Casalla. También era intolerante con los públicos bulliciosos y con el mal sonido.
Sabiamente, se mostraba cauto y sarcástico con su propia fama. "Yo no me hice famoso con la música; me hice famoso con los reportajes. Camino por Corrientes y todos me saludan ¡chau Mono! y se comentan entre sí: ese que va ahí es el mejor pianista de la Argentina. Y seguro nunca me escucharon tocar", decía sin amargura.
Los últimos años los pasó tocando en La Peluquería de San Telmo con un orgullo casi secreto: "Estoy llegando al fin y jamás me prostituí con la música". Era agnóstico pero tenía gran curiosidad con la muerte. "De alguna manera, la espero", decía. Llegó hace veinte años, mansamente. Desde entonces, como escribió alguien por ahí, "descansa en jazz".>>
"Caminito" de Enrique Villegas
Toma el tren

sábado, 10 de diciembre de 2011

Anna Fedorova

Anna Fedorova nació en una familia de músicos en 1990 en Kiev, Ucrania, donde comenzó a estudiar piano a la edad de cinco años. Desde entonces, ha demostrado una madurez musical innata y sorprendentes habilidades técnicas que han maravillado al público de todo el mundo. Los críticos comparan el estilo musical de Anna con el de Alicia de Larrocha, quedando impresionados por su "modo de expresión dulce y a la vez temperamental al piano".
A pesar de su juventud, tiene una extensa carrera como concertista, actuando en las salas más prestigiosas de Europa y América del Norte y del Sur. Entre sus actuaciones se cuentan por ejemplo: una docena de veces en el Grote Zaal del Concertgebouw de Amsterdam y Muziekgebouw aan 't IJ, El Palacio de Bellas Artes y la Sala Nezahualcóyotl de la Ciudad de México, el Teatro Colón de Buenos Aires, La Gran Gall de la Tonhalle de Zurich , la Filharmonia Varsovia, y muchos otros. También ha actuado en Francia (París), Alemania (Krefeld, Frankfurt, Essen, Coblenza), Austria (Viena), Estonia (Tallinn), Lituania, Rusia (San Petersburgo y Moscú), Grecia, Suiza, Polonia, etc.
Sus giras recientes incluyen apariciones como solista con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires con el director Alejo Pérez, la Philarmonia de la Naciones Unidas dirigida por Justus Franz, la OFUNAM bajo Alun Francis, la Orquesta Sinfónica Nacional de México con los directores Carlos Miguel Prieto y Hahm Shinik que también la acompañó con la Orquesta Sinfónica de Xalapa, la Sinfonietta Eslovaca con Martin Panteleev, la orquesta de cámara de Kiev, la Orquesta Sinfónica Nacional de Ucrania dirigida por Volodymyr Sirenko, la orquesta filarmónica de Szczecinskiej, y muchos otros.
Anna Fedorova es la ganadora de 14 concursos internacionales de piano, incluyendo su reciente Primer premio en el concurso internacional de piano Rubinstein de Polonia en 2009. Otros premios fueron el 2º premio en el concurso de Federico Chopin en Narva (Estonia), 1er Premio en el Concurso Internacional de Tbilisi en Georgia Jóvenes Pianistas, donde también recibió el premio especial "mejor pianista del Concurso," los premios Dorothy McKenzie en la Conferencia Internacional teclado y el Instituto Festival (NY, EE.UU. 2006, 2007, 2008), el Segundo Premio y Premio Especial del Instituto de Frederick Chopin en el IV Concurso Internacional de Moscú Federico Chopin para jóvenes pianistas.
En 2008 Anna Fedorova se graduó del en el colegio Lysenko Musical para Niños Superdotados (Kiev, Ucrania, con el profesor Boris Fedorov). Obtuvo la Beca "Presidente de Ucrania" durante el período 2003-2008. Desde 2008 estudia con el profesor Leonid Margarius en la Accademia Internazionale di Imola pianística "Incontri col Maestro".
Lo más destacado del año pasado, la Sra. Fedorova incluyen actuaciones en Japón con la Orquesta Ciudad de Nueva Tokio, en el Aula Magna de la Tonhalle de Zurich, con la Orchestre de Chambre de Lausanne (conductor Howard Griffiths) y un recital en el Gran Palacio del Amsterdam Concertgebouw.
Compromisos futuros para la temporada 2011/2012 incluye conciertos en Polonia, los Países Bajos, México, Suiza y Francia, con actuaciones en el Concertgebouw de Ámsterdam, entre otros.
3 Mazurkas de Chopin
Balada en Re menor de Chopin
Rapsodia Húngara nº 6 de Liszt

miércoles, 7 de diciembre de 2011

Luis Fernando Pérez

Luis Fernando Pérez nace en Madrid en 1977. Estudia con Andrés Sánchez-Tirado en el Conservatorio de Pozuelo de Alarcón donde obtiene las máximas calificaciones. En 1993 ingresa en la Escuela Superior de Música Reina Sofía donde estudia piano con los profesores Dimitri Bashkirov y Galina Egyazarova y música de cámara con la profesora Marta Gulyas. Continúa su formación en la Hochschule de Colonia (Alemania) con Pierre-Laurent Aimard y posteriormente con Alicia de Larrocha, Carlota Garriga y Carmen Bravo de Mompou en la Academia Marshall de Barcelona donde obtiene el “Máster en Música Española”.
Ha recibido clases magistrales de maestros como Leon Fleisher, Andras Schiff, Bruno-Leonardo Gelber, Carmen Bravo de Mompou, Menahem Pressler o Fou Tsong, y ha sido galardonado en numerosos concursos, como el de Ibla (Premio Franz Liszt-Italia) y el Enrique Granados de Barcelona (Premio Alicia de Larrocha).
Imparte clases magistrales en Hungría, Francia y diversas ciudades españolas y es el Asistente de la Cátedra de Música de Cámara en la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
Su carrera le ha llevado por diversos escenarios de Europa, Asia y Estados Unidos. Sus interpretaciones en todas sus facetas: en recitales, conjuntos de cámara, o con orquesta han sido acogidas calurosamente por la crítica y el público.
Ha sido invitado por prestigiosos festivales como Schleswig – Holstein, La Roque d’Antheron, Festival Richter en La Grange de Meslay, Jacobins en Toulouse, Santander, Quincena Musical de San Sebastián, Granada, etc.
Ha colaborado con orquestas como Sinfónica de Barcelona y Nacional de Cataluña, Real Filharmonia de Galicia, Sinfónica de Bilbao, Ensemble Orchestral de Paris, Orchestra Ensemble de Kanazawa, Orquesta de Cámara Franz Liszt de Budapest, próximamente actuará con la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias y en la temporada 2011/12 con la Orquesta Sinfónica de Euskadi y con directores como José Ramón Encinar, Günther Neuhold, Wilson Hernanto, Kazuki Yamada, etc.
Asimismo ha colaborado como músico de cámara con el violonchelista Adolfo Gutiérrez, el Cuarteto Arriaga, Cuarteto Enesco de Paris, Caurteto B. Bártok, y próximamente lo hará con el Cuarteto Artis de Viena.
Su discografía, entre la que destaca la grabación de la Suite Iberia y Navarra de Albéniz por la que ha recibido la Medalla Albéniz, abarca estilos y autores muy distintos. El disco dedicado a las sonatas del Padre Antonio Soler, editado por el sello Mirare, ha sido distinguido como “Disco excepcional” de la revista Scherzo y “Choc du Disc” de la revista Classica (Francia). Su último trabajo dedicado a Chopin, también editado en el sello Mirare, ha recibido asimismo las distinciones de disco excepcional en la revista Scherzo y “Choc du Disc” de la revista Classica (Francia).
En la primavera de 2011 vió la luz su último proyecto con el sello discográfico Mirare, la grabación de “Goyescas” de Enrique Granados.
Próximos compromisos le llevarán a Tokyo, Nagoya, Osaka, Paris, Bruselas, Varsovia, Nantes, Bilbao, Toulouse, Santander, Pontevedra, Oviedo, Gijón, Teruel, Madrid, Lima, …
Danza española nº 2 "Oriental" de Enrique Granados
Danza española nº 5 "Andaluza" de Enrique Granados
"Danza del molinero" de Manuel de Falla

domingo, 4 de diciembre de 2011

Adrián Iaies

Adrián Iaies nació en Buenos Aires en 1960, comenzó estudiando con algunos de los más importantes músicos argentinos, entre los cuales merece destacarse su estrecha relación con Manolo Juárez, su maestro de composición y orquestación durante varios años. 
Desde 1985 se dedica a la enseñanza de música, tanto de forma particular como dirigiendo talleres de perfeccionamiento docente.
Ha sido galardonado con varios premios, entre los que podemos destacar el premio Clarín al “mejor músico de jazz del 2002” y al premio Konex de Platino como “mejor músico de jazz” (1995-2005). Además ha sido nominado tres veces a los premios Grammy latinos por sus discos “Las Tardecitas de Minton´s” (2000), “Tango reflections” (2002) y “Las cosas tienen movimiento” (2003).
Musico prolífico, estandarte de la renovación del jazz argentino y de la fusión entre el tango y el jazz que vino despues de Piazzolla. Gran admirador del jazz norteamericano, supo demostrar que también Monk y Evans eran capaces de escribir sentidos tangos.
Adrián Iaies, es un creador y director artístico de SJAZZ, prestigioso sello discográfico independiente que edita y difunde jazz argentino,
Elogiado por las principales revistas especializadas en EEUU y Europa , donde se destaca su particular mirada sobre el tango y otros géneros populares argentinos desde una estética profundamente jazzística.
Es uno de los músicos argentinos de jazz más reconocidos en el mundo, ha participado en festivales internacionales, y ha sido presentado junto a grandes figuras como Ron Carter , Stanley Jordan , Yellowjackets , Lee Konitz , Brad Mehldau , Richard Bona y Bebo Valdés, entre otros.
Paralelamente, Adrián Iaies ha tenido un fuerte acercamiento al cine, su otra gran pasión, componiendo para las películas: “Tres de corazones“, de Sergio Renán, “Regresados”, de Flavio Nardini y Cristian Bernard, y el tema central de “Música Nocturna“, de Rafael Filipelli.
Y con participaciones como actor en “Lifting del corazón” de Eliseo Subiela y “Tango, un giro extraño” de Mercedes García Guevara.
Desde hace algún tiempo, ha reservado su faceta más tanguera para los conciertos con el Tango Reflections Trio y el dúo con Liliana Herrero.
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 1
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 2
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 3
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 4
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 5
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 6
Sólo de piano, tocando jazz en su misma casa 7

domingo, 27 de noviembre de 2011

Valentina Igoshina

Valentina Igoshina nació en 1978 en Bryansk. Su madre fue su primera maestra, dándole clases de piano a los 4 años de edad. A los 12 años entra en el Conservatorio Tchaikovsky, siendo alumna de Larisa Dedova y del insigne profesor, Sergueï Dorensky.
Ha ganado muchos concursos internacionales de piano: Con tan sólo 14 años ganó el concurso Artur Rubinstein en Bydgoszcz de Polonia, más tarde a los 18 años ganará el concurso internacinal de piano Sergueï Rachamaninov de Moscú, en 2003 el Queen Elizabeth de Bruselas y en 2006 el Concurso Internacional de Piano “José Iturbi” de España.
Debutó en Londres en 2002 en el Teatro Queen Elizabeth, en las "Harrods International Piano Series".
Ha tocado con la Halle Orchertra de Manchester, con la BBC Scottish Symphony Orchestra y con la Orquesta sinfónica de Melbourn de Australia, interpretando el  Concierto núm. 1 para piano de Tchaikovsky en el Fertival Styriarte de Graz, bajo la batuta de Andrés Orozco-Estrada.
Ha dado recitales en el Tonhalle de Zurich y en Milán , en  las series de  "La societa dei Concerti"
Ha participado en numerosos festivales internacionales como  "Dushniki Zdoi", "El festival Ravello Music" y en Milan  las series de "La Societa dei Concerti"
Los momentos culminantes de esta última temporada fueron sus intervenciones en el Festival de la Radio francesa en Montpellier, en el Festival Internacional de piano de "La roque D'Antheron, en el "Rachmaninov Cycle" de Saint-Etienne, en el Festival Chopin de Nohant, en el Festival de piano de Valois, en el Festival Noches de piano de Annecy, y en el Piano de Jacobins en Toulouse.
 En España, interpreta el Concierto para piano núm. 21 de Mozart con la Real Filarmónica de Galicia bajo la dirección del Maestro Ros Marbà, Rapsodia sobre un tema de Paganini, op.43 con la Orquesta sinfónica de Tenerife con el Maestro Lu Jia,  un recital en el Ciclo Jóvenes Interpretes de Madrid,Rapsodia sobre un tema de Paganini, op.43 con la OBC en Barcelona con el Maestro Josep Caballé - Domènech y el concierto n. 2 de Prokofiev nuevamente con la Real Filarmónica de Galicia la dirección del Maestro Ros Marbà.
Recientes y futuros proyectos incluyen: participar en el Festival Chopin de Lyón; recitales en Avignon, Nantes, Antibes, Uzes, La Roque d’Antheron, París, en Alemania durante el Ludwigsburger Schlossfestpiele y en Portugal, Varzim y Lisboa.  En Santiago de Chile, el Concerto para piano núm. 2 de Rachmaninov. Chopin n. 1, en Francia : Un recital en Saint-Etienne  y el concierto n. 5 de  Prokofiev . En  San Paolo ( Brazil) “variations on Paganini’s theme ” con la Opera Orchestra de San Paolo y Rachmaninov n. 3 con la Macao  Symphony Orchestra bajo la dirección del Maestro Lu Jia .
Valentina IGOSHINA sacó a la venta su primera grabación (Mussorgsky - Cuadros para una Exposición y El Carnaval de Schumann) con el sello discográfico Warner Classics International en 2005.
Ha sido difundida en directo por las emisoras radiofónicas de la BBC y de Classic FM en el Reino Unido, y también se puede ver y escuchar su interpretación de algunas obras de Rachmaninov y de Chopin en dos biografías realizadas por Tony Palmer, The Harvest of Sorrow (1998), sobre S.Rachmaninov, y The Mystery of Chopin: The Strange Case of Delphina Potocka (1999; editado en formato DVD en 2001). Claverdons Film de Londres sacó un DVD (distribuido por Warner Vision).
Su segundo CD, del sello Lontano (distribuido por Warner Classics and Jazz), incluye todos los valses de Frederic Chopin.
Actualmente es profesora en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú.
Fantasia Impromptu de Chopin
Vals brillante de Chopin

miércoles, 23 de noviembre de 2011

Giuseppe Andaloro

 Giuseppe Andaloro nació en Palermo en 1982. 
Estudió con Sergio Fiorentino y Vincenzo Balzani, y se tituló con honores en el Conservatorio Verdi de Milán. Entre los concursos que ha ganado destacan el Ferruccio Busoni de Bolzano en Italia, el Mundial de Piano de Londres, el Internacional de Música de la Ciudad de Oporto en Portugal, el Internacional de Música de Sendai en Japón, el Gran Premio Internacional de Piano de Rabat, el Casella de Nápoles, el Durante de Frattamaggiore y el Premio Venecia.
Ha participado en el los festivales Klavier-Rurh de Salzburgo, Chopin de Zdrój, Música Joven de Praga, de Sendai, de Pleven, Due Mondi de Spoleto, de Todi, de Ancona, Perugia Clásico, de Mecklenburg-Vorpommern y de Rittergut-Benningsen. Se ha presentado en importantes salas de concierto en Salzburgo, Roma, Palermo, Londres, Oxford, París, Tokio, Sapporo, Osaka, Hong Kong, Oporto, Cracovia, Praga, Tel Aviv, Fort Worth, Montevideo y Pretoria.
Asimismo, el maestro Andaloro ha tocado como solista con la Filarmónica de Londres, la Camerata Filarmónica de Berlín, los London Mozart Player, la Filarmónica de Sapporo, la Filarmónica Haydn de Trento y Bolzano, la Filarmónica de Roma y de Lazio, la Orquestra Nacional de Oporto, la Filarmónica de Sendai, la Orquesta Nacional Checa y la Filarmónica de Cracovia, entre otros conjuntos. Ha colaborado con los violinistas Sarah Chang, Sergei Krilov, Tatsuo Nishie y Anna Tifu, el trompetista Gabriele Cassone y el violonchelista Roderic von Benningsen.
 Giuseppe Andaloro ha sido miembro de jurados de concursos internacionales de piano, y dado clases magistrales internacionales. Es profesor en la Academia de la Sociedad de Steinway en Verona. También es compositor y director de orquesta.
 En 2005 fue galardonado con el Premio al Mérito Artístico por el Ministerio Italiano de Cultura.
Concierto para piano y orquesta nº 2 de Liszt - 1ª parte
Concierto para piano y orquesta nº 2 de Liszt - 2ª parte
Concierto para piano y orquesta nº 2 de Liszt - 3ª parte

viernes, 18 de noviembre de 2011

Leonard Bernstein

Bernstein nació en Lawrence, Massachussets, en 1918. Desde niño aprendió a tocar el piano y más tarde estudió en Harvard con Walter Piston. Antes de graduarse en 1939, hizo un debut no oficial como director con su propia música para The Birds. Luego, en el Curtis Institute, estudió piano con Isabella Vengerova, dirección con Fritz Reiner y orquestación con Randall Thompson.
En 1940 asistió a los recién creados cursos de verano de la Boston Symphony en Tanglewood con el director Serge Koussevitzky, de quien más tarde sería asistente. Su primer puesto permanente como director lo logra en 1943, como conductor asistente de la New York Philharmonic. El 13 de noviembre de 1943 sustituyó a un enfermo Bruno Walter en un concierto en el Carnegie Hall, concierto transmitido a nivel nacional por radio y que fue recibido por entusiasmo por la crítica. Pronto orquestas de todo el mundo lo querían como director invitado.
En 1945 fue nombrado director musical de la New York City Symphony, puesto que mantuvo hasta 1947, y tras la muerte de Koussevitzky en 1951, encabezó los departamentos orquestal y de dirección en Tanglewwod. Ese año también se casó con la actriz y pianista chilena Felicia Montealegre y comenzó a dirigir el Creative Arts Festival en la Universidad de Brandeis.
En 1958 se convierte en director musical de la New York Philharmonic y desde entonces dirige a esta orquesta en más conciertos que cualquier otro de sus anteriores conductores. Después de dejar el cargo siguió colaborando con la orquesta y más de la mitad de sus cuatrocientas grabaciones las realizó con la New York Philharmonic.
Paralelamente Bernstein recorrió el mundo como director. En 1946 actúa en Londres y en Praga, en 1947 en Tel Aviv, iniciando una relación con Israel que duró hasta su muerte, y en 1953 fue el primer director norteamericano en dirigir una ópera en La Scala de Milán, Medea de Cherubini con María Callas.
Bernstein fue un líder en la promoción de compositores norteamericanos, en particular Aarón Copland, con quien mantuvo una duradera amistad. Bernstein interpretó y grabó casi todas las obras de Copland, muchas de ellas dos veces, y dedicó varios de sus conciertos televisados, Young People"s Concerts, a la música de su colega.
Pero el repertorio de Bernstein también abordó la literatura estándar, aunque es mejor recordado por sus versiones de Haydn, Beethoven, Brahms, Schumann, Sibelius y Mahler. Particularmente notables fueron sus interpretaciones de las sinfonías de Mahler con la New York Philarmonic en los 60, las que en cierta medida restauraron la reputación de Mahler como compositor.
Inspirado por su herencia judía, Bernstein completó su primera obra a gran escala, la Sinfonía N°1 Jeremías en 1943. Estrenada al año siguiente, esta partitura recibió el New York Music Critics" Award. La Sinfonía N°2 The Age of Anxiety fue estrenada por Koussevitzky y la Sinfonía N°3 Kaddish, compuesta en 1963, fue estrenada por la Filarmónica de Israel. Kaddish fue dedicada a la memoria de John F.Kennedy.
Otras importantes composiciones son Preludio, Fuga y Riffs para clarinete y banda de jazz (1949), Serenata para violín, cuerdas y percusión (1954), Danzas sinfónicas de West Side Story (1960), Chichester Psalms para coro, niño soprano y orquesta (1965), Mass, a theatre piece para cantantes, instrumentistas y bailarines, encargada para la apertura del John F.Kennedy Center for the Performing Arts en Washington D.C. y estrenado alli en 1971, Songfest para cantantes y orquesta (1977), Divertimento para orquesta (1980), Halil para flauta y pequeña orquesta (1981), Touches para piano (1981), Missa Brevis para cantantes y percusión (1988), Thirteen Anniversaries para piano (1988), Concerto Jubilee Games (1989) y Arias and Barcarolles para cantantes y piano (1988).
Bernstein también escribió una ópera, Trouble in Tahiti, en 1952, y su secuela, A Quiet Place, en 1983. Colaboró con el coreógrafo Jerome Robbins en tres ballets, Fancy Free (1944), Facsímile (1946) y Dybbuk (1975). Además compuso la partitura para la premiada película On the Waterfront en 1954 y música incidental para Peter Pan (1950) y The Lark (1955).
Finalmente están sus sustanciales contribuciones a la escena musical de Broadway a través de On the Town (1944), Wonderful Town (1953), Candide (1956), West Side Story (1957), cuya música también adaptó para la premiada versión fílmica, y 1600 Pennsylvannia Avenue (1976).
La música de Bernstein se presenta en festivales a través de todo el mundo, mientras que en 1985 la National Academy of Recording Arts and Sciences le otorgó el Lifetime Achievemente Grammy Award debido a su dedicación y los 11 premios Grammy obtenidos durante su carrera, en 1981 fue premiado con la medalla de oro por la American Academy of Arts and Letters, en 1979 recibió un Tony Award por sus contribuciones al teatro y en varias ocasiones fue honrado por instituciones de Alemania, Italia, Israel, México, Austria, etc.
Famosos fueron también sus conciertos televisados que inició con el programa Ómnibus en 1954 y que continuó con el Young People"s Concert en 1958, programa que se extendió por catorce temporadas. Además apareció en varios otros programas, eventos y conciertos televisados a nivel mundial, escribió cuatro libros entre 1959 y 1982, ofreció conferencias en Harvard y realizó clases magistrales en Tanglewood.
Finalmente no debe olvidarse el interés de Bernstein por la paz mundial y su memorable concierto para celebrar la caída del muro de Berlín en diciembre de 1989, en donde reunió mientras aún se desmantelaba el muro, a músicos representantes de Alemania Oriental y Alemania Occidental, así como de las cuatro potencias que habían dividido, para representar esta nueva era de cooperación.

Leonard Bernstein ha sido una de las figuras más influyentes sobre la música clásica en la segunda mitad del siglo veinte. Compositor, director, conferencista, escritor y, a menudo, una personalidad controvertida frente a los medios, Bernstein tuvo un impacto dramático sobre la aceptación y apreciación de la música clásica de parte de la audiencia popular.
Su propia obra como compositor, particularmente sus partituras para comedias musicales tales como West Side Story y On the Town, ayudó a forjar una nueva relación entre música clásica y música popular.
Primer movimiento Allegro del concierto para piano y orquesta nº 17 de Mozart

Segundo movimiento Andante del concierto para piano y orquesta nº 17 de Mozart

Tercer movimiento Allegretto del concierto para piano y orquesta nº 17 de Mozart

lunes, 14 de noviembre de 2011

Jordan Rudess

A Jordan no lo podemos incluir como un pianista puro, sino como uno de los mejores teclistas actuales, pero he pensado que también debe tener un hueco en esta lista, porque la innovación, la originalidad y el futuro de su música merecen que sean conocidos.
Fue reconocido por su profesor de segundo año por su habilidad para tocar el piano e inmediatamente recibió tutoría profesional. A los 9 años, ingresó en la prestigiosa Juilliard School of Music dentro de la división pre-universitaria de piano clásico, pero a medida que iba creciendo se fue interesando más por los sintetizadores y el rock progresivo. En contra de sus padres y tutores dejó la música clásica y comenzó su carrera solista como un teclista de rock progresivo.
Después de participar en varios proyectos en los años 80, obtuvo reconocimiento internacional en 1994 cuando fue elegido como Best New Talent ("mejor talento nuevo") en la encuesta de lectores de la Keyboard Magazine, después del lanzamiento de su álbum solista Listen.
Dos de las bandas que lo llaman fueron The Dixie Dregs y Dream Theater; ambas lo invitaron a unirse a sus proyectos respectivos. Jordan escogió a los Dregs principalmente porque al no ser un miembro de tiempo completo tendría menor impacto en su joven familia, opción que no tuvo con Dream Theater.
Estando con los Dregs, Jordan formó un así llamado power duo con el baterista Rod Morgenstein. El génesis de este emparejamiento ocurrió cuando un fallo de electricidad ocasionó que dejaran de funsionar todos los instrumentos de los Dregs excepto el de Jordan, así que él y Rod improvisaron juntos hasta que la electricidad se restableció y el concierto pudo continuar. La química entre los dos fue tan fuerte que decidieron actuar juntos regularmente (bajo el nombre Rudess/Morgenstein Project, después RMP) y desde entonces, han lanzado un álbum en estudio y uno en vivo.
Jordan se encontró una vez más con Dream Theater cuando él y Morgenstein hicieron de teloneros en una de las giras de Dream Theater por Norteamérica.
En 1997, cuando se le pidió a Mike Portnoy crear un supergrupo para Magna Carta Records, Rudess fue escogido para tomar el puesto de teclista en la banda, que tenía también a Tony Levin (en el bajo) y al colega de Mike de Dream Theater, John Petrucci (en la guitarra). Después de la grabación de los dos álbumes de Liquid Tension Experiment, Portnoy y Petrucci le pidieron que se uniera con ellos a la agrupación Dream Theater. Al tener a Rudess como nuevo teclista, despidieron a su teclista de entonces, Derek Sherinian, para abrirle camino a Jordan.
Jordan ha sido el teclista a tiempo completo de Dream Theater desde la grabación de Metropolis, Pt. 2: Scenes From a Memory de 1999. También grabó otros cinco álbumes en estudio desde entonces, Six Degrees of Inner Turbulence en el 2002, Train of Thought en el 2003, Octavarium en el 2005, Systematic Chaos en el 2007, Black Clouds & Silver Linings en el 2009 y A Dramatic Turn Of Events en el 2011. Adicionalmente apareció en los álbumes en vivo Live Scenes From New York, Live at Budokan, Score y Chaos in Motion.
En 2010 Rudess hizo el estreno mundial de su obra "Explorations for keyboard and orchestra", específicamente el 19 de noviembre, en el Centro Cultural Corp Banca, en Caracas, Venezuela. La misma fue concebida como una obra sinfónico-orquestal con la inclusión de guitarra eléctrica y batería donde se incluían citas del repertorio de Dream Theater. La orquesta seleccionada para acompañarle en dicho estreno fue la "Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao" bajo la batuta del nobel director turco Eren Basbug. En palabras del propio Rudess: "En "Explorations" estaré tocando todas las partes de teclado y sintetizador. Eren Basbug de Turquía estará dirigiendo a la talentosa sinfónica juvenil de Chacao. Sin duda alguna el escenario ya está listo para una noche memorable".
Rudess dice que sus influencias como teclista han sido Keith Emerson, Rick Wakeman y Patrick Moraz. Sus bandas favoritas incluyen a Gentle Giant, Yes, Genesis, Pink Floyd, Emerson, Lake & Palmer, King Crimson, Radiohead, Autechre, y Aphex Twin.
Imagine de John Lennon
Solos de teclado por Jordan Rudess

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Fred Hersch

El pianista y compositor Fred Hersch nació en 1955 en Cincinatti, Ohio. Comenzó a tocar el piano a los cuatro años de edad y, desde sus inicios, se destacó por su prodigiosa capacidad para improvisar sobre obras clásicas. Luego ingresó en el New England Conservatory de Boston, graduándose con honores en 1977.
Más tarde se trasladó a New York, donde de inmediato se convertiría en uno de los principales animadores de la escena de jazz de esa ciudad.
En su dilatada trayectoria ha trabajado con encumbradas figuras de la talla de Stan Getz, Art Farmer, Toots Thielemans, Joe Henderson, Jane Ira Bloom, Charlie Haden, Bill Frisell, Gary Burton y Sam Jones, entre otros. También ha recibido innumerables premios, menciones y honores que incluyen el Guggenheim Memorial Fellowship for composition, un Rockefeller Fellowship, dos nominaciones al Grammy en las categorías Mejor performance instrumental de jazz y Mejor composición instrumental de jazz, becas otorgadas por The National Endowment for the Arts y Meet the Composer, tres nominaciones a los premios de la Jazz Journalist Association en los rubros compositor (2005) y álbum del año y mejor pianista (2006). Además de haber sido ganador en cuatro oportunidades del GLAMA (Gay and Lesbian American Music Award)
También compuso distintas obras comisionadas por el Gilmore Keyborad Festival, el Brooklyn Youth Chorus, el Opus 21 Ensemble, la Doris Duke Fundation’s Millenium Project y el Miller Theater de la Universidad de Columbia.
Fred Hersch ha grabado más de dos docenas de álbumes como solista o líder de banda y participó como colaborador, en dúo o como sesionista, en más de un centenar de álbumes.
Su discografía incluye álbumes en solo piano, dúos diversos y tríos con distinto personal a cargo del tándem rítmico (Marc Johnson y Joey Baron, Michael Formanek y Jeff Hirschfield, Drew Gress y Tom Rainey y el más reciente integrado por John Hebert y Nasheet Waits). También lideró The Fred Hersch Trio + 2 ( Drew Gress, Tony Malaby, Nasheet Waits y Ralph Alessi) e hizo una notable exposición para octeto instrumental y dos voces (Kurt Elling y Kate McGarry) sobre textos del poeta Walt Whitman en el álbum Leaves of Grass.
Este año lanzó dos álbumes. Una relectura en solo de piano de la obra de Jobim en Fred Hersch Plays Jobim y un nuevo proyecto grupal bajo la denominación Pocket Orchestra que incluye a Ralph Alessi en trompeta, Jo Lawry en voces y Richie Barshay en percusión, materializado en el álbum The Fred Hersch Pocket Orchestra Live at Jazz Standards.
Asimismo resulta digno mencionar su labor filantrópica a favor de instituciones abocadas a la lucha contra el SIDA y su profusa tarea como educador que incluye tareas en el programa de jazz de la Escuela de Música de Manhattan y colaboraciones en los institutos de estudios avanzados de las Universidades de Princeton, Michigan e Indiana.
Fred Hersch ocupa un lugar de privilegio en el espacio destinado a los músicos más sobresalientes de su tiempo. A lo largo de su trayectoria ha sabido elaborar un notable cuerpo de trabajo en el que conviven en perfecta simetría sus propias composiciones y la recreación de clásicos del repertorio de jazz. Hersch ha sabido resolver distintas ecuaciones instrumentales con inhabitual coherencia estética y ha logrado mantener una homogénea identidad estilística a la hora de abordar obras de otros compositores.
Su extraordinaria técnica, la frescura de sus ideas y la cualidad sonora que lo distingue, emergen con similar intensidad sin importar el formato elegido (solo, dúo, trío, etc.) o que se trate de una de sus composiciones o de la reinvención de un clásico de Thelonious Monk o Rogers & Hammerstein o Antonio Carlos Jobim.
En su estilo confluyen el rigor académico y la espontaneidad expresiva y la elusión del alarde técnico en favor de un equilibrado lirismo, factores que le han permitido construir un sólido alegato que se funda en un vocabulario accesible pero alejado de lo banal y que se aparta deliberadamente del desborde revelador para alcanzar un perfil de reflexiva introspección.
Elegido como mejor pianista de jazz del año 2011 por la International Jazz Journalist Association (IJJA)
In walked Bud de Fred Hersch

sábado, 5 de noviembre de 2011

Alexandre Tharaud

Nació en París en 1968, en el seno de una familia de artistas, su padre era cantante y director de Óperas y su madre bailarina. Precisamente sería su padre quien le hace estudiar piano a la edad de 5 años, con Carmen Taccon-Devenat.
A los 14 años ingresa en el Conservatorio de París, y a los 17 gana el primer premio de piano en la clase de Germaine Mounier.
En 1987 , gana el Concurso Internacional Maria Canals de Barcelona. En 1988, el Concurso de Citta di Senigallia en Italia . En 1989 , recibió el 2 º premio en el Internacional de Munich .
 A raiz de todo ello, su carrera va creciendo rápidamente en Europa, en América del Norte y Japón .
En 1997 es asesor de música para la serie de conciertos de la Biblioteca Nacional de Francia, que concede gran importancia a la música de cámara, practica con el pianista Michel Dalberto , el Cuarteto Ébano , el violinista Pierre Amoyal , los flautistas Philippe Bernold y Gales Patrick , el clarinetista Michel Portal y Michel Lethiec , el violonchelista Jean-Guihen Queyras .
Para aquellos que cuestionan la relevancia de tocar la música de piano, escrito originalmente para clavecín, dijo no estar seguro de la "autenticidad a través de un instrumento" . Se ajusta bien a la línea de los pianistas del siglo XX como Yvonne Lefebure y Marcelle Meyer , que defendió y ayudó a transcribir estas obras del siglo XVII y siglo XVIII, interpretadas para piano.

Alexandre Tharaud se ha presentado en recitales de todo el mundo: Teatro Colón de Buenos Aires, Champs-Elysées, Arsenal de Metz, Philharmonie de Cologne, Philharmonie d’Essen, South Bank de Londres, Concertgebouw d’Amsterdam, Kennedy Center de Washington, Casino de Bern, Cité de la Musique, Philharmonie de Cracovia, Hoam Art Hall de Seul l, Hyogo Performing Arts Center, Oji Hall et Suntory Hall de Tokio.
Actúa regularmente en grandes festivales: PROMS de Londres, La Roque d’Anthéron, Festival du Schleswig-Holstein , Noches de Diciembre de Moscú, etc.
Con el cellista Jean-Guihen Queyras, grabó la Sonata Arpeggione de Schubert, aclamada por la prensa (Gramophone, Chamber Music Choice/BBC Music Magazine, ‘E’ (Excepcional) de Scherzo). El dúo se ha presentado en Alemania, Holanda, Bélgica, Estados Unidos, Inglaterra, Corea y Japón.
Como solista, Alexandre Tharaud se ha presentado con las siguientes orquestas francesas: Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio-France, Orchestre National de Lille, Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine, Ensemble Orchestral de Paris, Orchestre du Capitole de Toulouse, Orchestre Philharmonique de Nice, Orchestre National de Lyon) y en otros países: las Sinfónicas de Taiwan, de Singapur, de Tokio, de Varsovia, la Orquesta de la Radio de Baviera, La Orquesta de Cámara de Holanda, etc...
Ha sido dirigido por Yutaka Sado, Jean Fournet, Georges Prêtre, Stéphane Denève, Klaus Peter Flor, Jean-Jacques Kantorow, Marc Minkowski, Matthias Pintscher, etc.
Muchos compositores le han dedicado obras. Estrenó el Ciclo Outre-Mémoire y el concierto para piano de Thierry Pécou. Ha tenido gran éxito con sus recitales “Homenaje a Rameau” combinando obras de este compositor con obras de compositores actuales.
Alexandre Tharaud es un embajador de la asociación de Kiwi, para los niños con discapacidad.
Su piano es sinónimo de la sensibilidad del interior.
Gymnopédies nº 1 de Erik Satie

martes, 1 de noviembre de 2011

Bobo Stenson

Bo Gustav Stenson, conocido como Bobo Stenson, nació en 1944 en Västerås, Suecia.
Comenzó a recibir clases de piano clásico a la edad de 7 años. 
Su hermano que tocaba la batería le hizo interesarse por la música jazz durante su adolescencia.
En 1963 comienza a ser conocido, tocando con frecuencia en Estocolmo, donde acompañó a una larga lista de músicos visitantes estadounidenses como Sonny Rollins, Stan Getz y Gary Burton.
También trabajó estrechamente con Don Cherry desde el principio de la estancia del trompetista en Escandinavia.
Los años 70 fue un periodo intenso para Bobo Stenson, tocando en muchos grupos, entre ellos la antigua banda de Rena Rama con Palle Danielsson y formó un trío muy popular junto a Arild Andersen y Jon Christensen, más tarde también con Jan Garbarek.
En 1988 se incorporó al cuarteto de Charles Lloyd con el cual estuvo en el año 1990 en el San Juan Evangelista, dentro del 10º Festival de Jazz; y ha participado en los festivales más importantes de jazz con el septeto de Tomasz Stanko.
No hay otro trío de jazz contemporáneo con un líder como pianista que su música abarque la más amplia gama de registros musicales como los suecos Bobo Stenson Trio. Su nuevo álbum “Cantando” en el que la base de sus temas es de su actuación en Barcelona, se caracteriza por su largo alcance: composiciones originales, improvisaciones de grupo, stándars, la música de Astor Piazzolla, Ornette Coleman y Alban Berg, del compositor checo Petr Eben, una balada cubana de Silvio Rodríguez, una pieza de Don Cherry inspirada por la música kora del África Occidental… Todos estos elementos se encuentran en el rico sonido del Trío Stenson.
Stenson pronto llegó a ECM con una amplia comprensión de los enfoques del piano moderno en el jazz, y co-dirigió una de las bandas más influyentes de la década de los 70, el Jan Garbarek-Bobo Stenson Quartet. Su asociación musical con el bajista Anders Jormin (nacido en 1957) data de la década de 1990, cuando tocaban juntos en los grupos de Don Cherry, Charles Lloyd y Tomasz Stanko. Anders, con su profundo interés en las formas populares, así como en el jazz tradicional, ha traído nuevos colores a la música de Bobo. El noruego Jon Christensen fue durante muchos años el baterista del trío, hasta que en 2004 se unió en Estados Unidos al veterano Paul Motian en el álbum "Goodbye". Durante los tres últimos años el joven músico sueco Jon Fäit (nacido en 1979) ha ocupado el taburete del baterista.
Un músico interesante y flexible, que combina ondas de energía con una atención meticulosa a los detalles, se involucra en movimientos rápidos dialogando con sus distinguidos colegas.
Stenson fue elegido como miembro de la Royal Academy of Music en 2005 y fue galardonado con la Medalla de Litteris et Artibus 2006
Trio Bobo Stenson, "Alfonsina y el mar"





viernes, 28 de octubre de 2011

Brad Mehldau

Brad Mehldau nace en 1970, en Jacksonville, Florida y a los 6 años inicia sus estudios de música clásica. Más tarde, alrededor de los 12 años descubre los sonidos del jazz escuchando a Miles Davis y Bud Powell. En 1988 se traslada a Nueva York donde estudiará piano con grandes maestros, entre ellos, Jimmy Cobb quién adivinando el talento del joven pianista lo integra en su banda: Cobbs' Mob.
 Su nombre comenzó a ser conocido internacionalmente como miembro del cuarteto de Joshua Redman, con quien grabó el disco: Mood Swing y al que acompañó en gira por Estados Unidos y Europa durante año y medio. 
En 1994 graba su primer disco titulado: When I Fall in Love bajo el nombre de Mehldau & Rossy trío para Fresh Sound Records; al año siguiente y ya bajo su personal liderazgo, crea su propio trío con Larry Grenadier, al contrabajo, y Jorge Rossy a la batería lanzando su disco de debut como líder: Introducing Brad Mehldau. 
Su segundo álbum: The Art of the Trío , Volume One (1997, Warner) obtuvo un impresionante recibimiento entre la crítica, lo que propició extensas giras internacionales. Como su propio título anunciaba, al primero siguieron entre 1997 y 2001 otros cuatro volúmenes de una serie que se ha convertido por derecho propio en el mejor trabajo pianístico de jazz contemporáneo.
     En 1999, grabó Elegiac Cycle, un trabajo de piano sólo donde Mehldau dio libertad a su faceta de compositor con una serie de elegías impregnadas de clasicismo y una atmósfera bella y misteriosa. A continuación llegó quizás el único borrón de su carrera con el disco: Largo (2002), donde Mehldau reelabora temas del repertorio de The Beatles, Antonio Carlos Jobim o Radiohead. 
En 2003, graba: Live in Tokio, un álbum que reconcilia al pianista con sus seguidores jazzisticos y que musicalmente supone una confirmación del estilo desarrollado por Mehldau en sus trabajos con el trío y muy especialmente del trabajo de "Elegiac Cycle". Grabado en directo en el Sumida Triphony Hall de Tokio, el 15 de Febrero de 2003, el pianista utiliza un sinfín de texturas sonoras desplegadas a lo largo de todos los registros del piano y utilizando incluso los pedales.
     Brad Mehldau combina la sofisticación de un aprendizaje clásico con una profunda sensibilidad jazzística, influenciado por músicos como Franz Schubert, Keith Jarrett o Bill Evans.
Su técnica, a la vez que la poesía y lirismo que expresa en sus interpretaciones y composiciones, se ha ganado el respeto y admiración unánimes de la crítica y el público.
Desde la aparición del primer volumen de la serie "The Art Of The Trío" la proyección de Brad Mehldau como uno de los grandes músicos aparecidos en los últimos tiempos no ha cesado de crecer logrando la poco frecuente unanimidad de crítica y público. El joven pianista atesora algunas de las mejores cualidades de los grandes maestros, como esa profunda contención bajo la que sólo se vislumbra su apabullante técnica, esa que le permite crear una increíble polifonía en los momentos más vibrantes de sus conciertos.
Gracias a su formación clásica a sus espaldas, Mehldau es capaz de sorprendernos a menudo tocando melodías separadas, una con cada mano, con compases tan poco usuales como el 5/4 y 7/4.
www.bradmehldau.com
Resignación de Brad Mehldau

lunes, 24 de octubre de 2011

Boris Berezovsky

Nació en Moscú en 1969. Estudió en el Conservatorio de Música de Moscú con Eliso Virsaladze y en privado con Alexander Satz. 
Después de su debut en Londres en la Wigmore Hall en 1988, el periódico The Times lo describió como “una promesa excepcional, un intérprete de virtuosismo deslumbrante y fuerza formidable.” Dos años después esta promesa se cumplió cuando obtuvo la Medalla de Oro en el Concurso Internacional Tchaikovsky de Moscú 1990.
Boris Berezovsky actúa como solista con regularidad con las orquestas más prominentes, como la Filarmónica de Londres, la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional Danesa, la Orquesta Sinfónica de la Radio de Frankfurt, la NDR de Hamburgo, la New Japan Philharmonic, las orquestas de las ciudades de Birmingham, Dallas y la BBC, la Orquesta Nacional de Francia y muchas otras.
Su reciente grabación de la integral de los conciertos para piano de Beethoven con la Orquesta de Cámara Sueca y Thomas Dausgaard fue recibida con gran aclamación por la prensa. 
También ha realizado un considerable número de grabaciones para Teldec con obras de Chopin, Schumann, Rachmaninov, Mussorgsky, Balakirev, Medtner, Ravel y los completos Estudios Trascendentales de Liszt.
Su disco con la Sonata de Rachmaninov fue galardonado con el “Preis der Deutschen Schallplattenkritik” y su disco de Ravel recibió recomendaciones especiales en Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine y The Independent on Sunday.
En recitales y como músico de cámara Boris Berezovsky actúa regularmente en ciclos y festivales en todo el mundo incluyendo el ciclo de piano de la Filarmónica de Berlín, el ciclo internacional de piano del Concertgebouw, el Festival de Verbier, La Roque d’Anthéron y otros.
En mayo de 2005 realizó su primer recital en solitario en el Théâtre des Champs Elysées en París. En el terreno de la música de cámara mantiene una intensa colaboración con Vadim Repin, Brigitte Engerer, Dmitri Makhtin y Alexander Kniazev.
En agosto de 2004 el trío Berezovsky, Makthin y Kniazev grabó un DVD con los tríos de Tchaikovsky para piano, violín y violonchelo y el Trio Elegiaque “A la memoria de un gran artista”. El DVD fue presentado en el canal de televisión ARTE y por NHK en Japón y fue premiado con el Diapason d’Or 4 estrellas.
Boris Berezovsky grabó el trío nº 2 de Shostakovich y el Trio Elégiaque nº 2 de Rachmaninov para Warner Classics Internacional junto a A. Kniazev y D. Makhtin en octubre del mismo año. Este disco recibió los premios "Choc de la Musique" en Francia, "Gramophone" en el Reino Unido y "Echo Klassik 2005" en Alemania. 
Su grabación en directo y en solitario Chopin/Godowsky, publicada en enero de 2006, fue galardonada con los premios Diapason d’Or y RTL d’Or. Su álbum más reciente para Warner Classics con el concierto para piano nº 1 de Tchaikovsky y el concierto para piano de Katchaturian fue publicado en abril de 2006.
Boris Berezovsky también ha grabado para el sello Mirare, los preludios de Rachmaninov (mayo de 2005) así como el ciclo completo de los conciertos para piano de Rachmaninov con la Orquesta Filarmónica de los Urales bajo la dirección de Dimitri Liss.
Durante la temporada 2006-2007 estuvo de gira con el Maestro Saraste y la Orquesta Filarmónica de Oslo, la Orquesta Filarmónica de Munich, el Ensemble Orchestral de París, en las “Folles Journées” de Nantes, en Bilbao, en Tokio, en el festival “La Roque d’Anthéron” y en el Festival de Música de Aspen, entre otros. En junio de 2007 debutó en el Festival de Ravinia y en agosto del mismo año debutó en Australia.
En 2006 recibió el “BBC Music Magazine Award 2006.”
Boris Berezovsky se ha labrado una reputación excepcional como el más potente de los pianistas virtuosos actuales y como músico de una sensibilidad y entendimiento musical únicos.
El sello discográfico Gramophone lo describe como "el más auténtico de los grandes pianistas rusos"
Cabe destacar que además es un brillante pianista de jazz
Actualmente reside en Bruselas.
Vals nº 1 Mefisto de Frank Liszt

jueves, 20 de octubre de 2011

Krzysztof Jablonski

Krysztof nació en el pueblo de Wroclaw (Polonia) en 1965. 
Comenzó a tomar lecciones de piano a edad de seis años, con la profesora Janina Butor. Bajo su dirección ganó numerosos premios en concursos de piano en Polonia y realizó su primer concierto con orquesta a la edad de 12 años. 
A los15 años, quedó en quinto lugar en el Concurso de Piano de Milán, "Premio Dino Ciani", siendo el pianista más joven del concurso. El presidente del Jurado, Nikita Magaloff, invitó a. Krysztof a asistir a sus clases magistrales en Ginebra, Suiza. 
Entre 1983 y 1986 estudió bajo la tutela del profesor Andrzej Jasinski en la Academia de Música de Katowice de Polonia, graduandose con honores en 1987, y obteniendo el doctorado en 1996. 
En 1985 obtiene el tercer premio en el Concurso Internacional de Piano F. Chopin en Varsovia.
Entre 1988 y 1992 ganó numerosos premios en concursos de piano: Palm Beach (Florida, EE.UU.), Monza (Italia), Dublín (Irlanda), Medalla de Oro en el Rubinstein A. Inter- Concurso Nacional de Piano Master en Tel Aviv (Israel), el "Jorge Bolet" Premio en el Walter Naumburg Fundación Internacional Piano Competition en Nueva York, y el segundo premio en el Esther Honens Concurso Internacional de Piano en Calgary, Canadá. 
A los 20 años, comenzó a actuar en escenarios de Europa, América del Norte y del Sur, México, Israel, Corea del Sur y Japón. Ha actuado en muchas salas de concierto de prestigio, incluyendo apariciones en la Serie de Conciertos Maestro en Berliner Philharmonie. 
También toca con importantes conjuntos de música de cámara.
En 1999 fundó "Chopin Duo" (Tomasz Strahl-Cello, Krzysztof Jablonski-Piano).
Desde 2004 es miembro del "Quinteto de Piano de Varsovia" (Kwintet Warszawski) que fue fundado por primera vez por Wladyslaw Szpilman en 1962. 
De 1999 a 2006,  ha colaborado estrechamente con el Gran Teatro-Ópera Nacional de Varsovia, actuando con regularidad para poner música a un ballet titulado "Fortepianissimo", que se desarrolla en torno a la música de Chopin. 
Entre 2002 y 2006, también ha realizado con frecuencia la versión original para piano de Debussy la C. 's drama de Pelléas et Mélisande lyrique (Ópera). 
Ha hecho muchas grabaciones en vivo para la radio y la televisión en muchos países. A sí mismo ha grabado muchos discos compactos en Alemania, Japón y Polonia, como por ejemplo tres CDs (Estudios, Preludios y Impromptus y Obras para piano y orquesta), junto con La Edición Nacional de F. Chopin 's proyecto de obras, dirigido por el Prof. J. Ekier. 
Desde 1994, ha desempeñado también una labor pedagógica enseñado piano, inicialmente en la Academia de Música de Wroclaw, Polonia, y más tarde, en la Academia de Música de Katowice, Polonia. 
Desde 2004 ha sido profesor de la F. Chopin Academy of Music en Varsovia, Polonia. 
Además imparte clases magistrales y es jurado en concursos internacionales de piano, como por ejemplo en el 15º Concurso Internacional de Piano F. Chopin Piano de Varsovia en 2005.
En 1998 emigró a Canadá y actualmente reside en Calgary.
Como he leído en alguna de sus críticas: toca con el alma en los dedos.
Scherzo nº 1 Op.20 de Chopin

viernes, 14 de octubre de 2011

Rafał Blechacz

Pianista polaco nacido el 30 de junio de 1985, conocido internacionalmente por sus interpretaciones de las obras de Frédéric Chopin y considerado por la crítica como uno de sus mejores intérpretes.
El 21 de octubre de 2005, se convirtió en el único destinatario de los cinco primeros premios del XV Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin de Varsovia, consiguiendo el Primer Premio y los premios a la mejor interpretación de polonesa, mazurca, sonata y concierto. Uno de los jueces, el distinguido pianista irlandés John O'Conor, dijo: "Es uno de los más grandes artistas que he tenido la oportunidad de escuchar en toda mi vida", fue el primer polaco en ganar el premio (otorgado cada cinco años) desde 1975, cuando ganó Krystian Zimerman.
Blechacz completó su educación secundaria en el Conservatorio Nacional Arthur Rubinstein, en Bydgoszcz, y en el año 2007 terminó sus estudios musicales en la Academia de Música en Bydgoszcz con Katarzyna Popowa-Zydroń. También es ganador del segundo premio en el Concurso de Piano Artur Rubinstein in Memoriam de Bydgoszcz (2002), IV Concurso Internacional de Piano de Hamamatsu (2003), y ganador del Gran Premio en el Concurso Internacional de Piano de Marruecos en 2004.
Su primer CD, una grabación de los Preludios completos de Chopin y su Nocturno op. 62, fue lanzado por Deutsche Grammophon en abril de 2008.
A pesar de estar demandado por auditorios y festivales de todo el mundo, no se prodiga en sus actuaciones, dando unos 40 conciertos al año. 
Sonata en La Mayor, Op. 2 nº 2 de Beethoven

domingo, 9 de octubre de 2011

Klara Min

Klara Min, nació en Seúl, Corea del Sur. Su madre, compositora y alumna del afamado compositor coreano Woon Yung Na, le da sus primeras nociones musicales a la temprana edad de 4 años.
Más tarde estudiaria en la Escuela Yewon y Seúl Arts High School, viajando porteriormente a los Estados Unidos para proseguir sus estudios en la Manhattan School of Music, donde recibió una
licenciatura, algunos de sus maestros fueron Salomón Mikowsky, Buechner Sara y Janis Byron.
Con sólo 16 años debutó, con una actuación en solitario, en la sala Chopín de Seúl.
En el año 2002 recibe el primer premio en el Concurso Internacional de Artistas de Nueva York, dando un recital en el Carnegie Weill Recital.
A partir de ahí ha dado conciertos por todo el mundo, y ha ganado numerosos premios como por ejemplo el
Gran Premio de la Competencia IBLA, Gran Premio Internacional a la Mejor Interpretación de Mozart, Premio en el Concurso de Piano Viotti-Valsesia Internacional en Italia y un premio en el Concurso de Piano del Mundo en Cincinnati.
Muchos de sus conciertos han sido memorables: Concierto en La menor con la Orquesta Sinfónica de Fairbanks en Alaska,  Concierto para piano nº 1 de Beethoven para  piano con Das Symphonieorchestre en Berlín Philharmonie Hall, Concierto para piano en re menor K466 de Mozart con Munich Kammerphilharmonie dacapo en Alemania y el Concierto para piano en La mayor de Liszt con la Filarmónica de Armenia.
Actualmente reside en Nueva York, siendo miembro de la facultad de piano en la Universidad de Wesleyan en Connecticut y profesora en el Conservatorio de Música de la Universidad Cincinnati.
Kreisleriana de Schubert Op.16

miércoles, 5 de octubre de 2011

Vladimir Feltsman

Vladimir Feltsman nació en Moscú en 1952. Con tan sólo  11 años debutó con la Orquesta Filarmónica de Moscú.
 Estudió piano en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú con el profesor Jacob Flier. También estudió dirección de orquesta, en el Conservatorio de San Petersburgo.
 En 1971, ganó el primer premio del Concurso Internacional de piano Marguerite Long celebrado en París, gracias al cual, dió una gira de conciertos a lo largo de mucho países, Rusia, Europa, Japón, etc...
En 1979, debido al descontento que le producian las restricciones a la libertad artística que existían bajo el régimen soviético, manifestó su intención de emigrar de su país y solicitar un visado de salida. La respuesta del régimen fue rotunda: se le prohibió de inmediato de actuar en público y sus grabaciones fueron eliminadas.
 Tras ocho años de exilio artístico, finalmente se le concedió el permiso para abandonar la Unión Soviética. A su llegada a los Estados Unidos en 1987, Feltsman fue recibido calurosamente en la Casa Blanca, donde dió su primer recital en el país americano. Ese mismo año, debutó en el Carnegie Hall, estableciendose como un pianista importante dentro de la escena estadounidense e internacional.
Actualmente, además de seguir dando conciertos por todo el mundo, también dedica su tiempo a la labor pedagógica, siendo profesor en la Universidad Estatal de Nueva York y en el Mannes College of Music.
Es también fundador y director artístico del Festival Internacional del Instituto PianoSummer en SUNY New Paltz, que cuenta con tres semanas de duración, donde se imparten clases intensivas para estudiantes de piano avanzado, atrayendo a los principales jóvenes talentos de todo el mundo.
El pianista y director Vladimir Feltsman es en la actualidad uno de los músicos más versátiles e interesantes de nuestro tiempo. Su amplio repertorio abarca música desde el barroco hasta los compositores del siglo 20. Es solista invitado regularmente por las orquestas sinfónicas más importantes de Estados Unidos y el extranjero, apareciendo en los conciertos de los más prestigiosos festivales de música de todo el mundo.
Concierto para piano y orquesta en re menor de J.S.Bach